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imagen de Muerte de un ciclista, de Juan Antonio Bardem
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28/3/08
directores para la historia: JUAN ANTONIO BARDEM
Juan Antonio Bardem, nacido en 1922, hijo de actores, hermano de Pilar Bardem y tío del actor Javier Bardem, fue una de las tres B (junto a Berlanga y al gran Buñuel) del cine español liberador, contestario y renovador durante la dictadura. Sin duda fue el más politizado de todos. Y junto a Berlanga el director más importante de su generación.
_Se inició en el cine codirigiendo con su amigo Luis García Berlanga una deliciosa y crítica película, Esa pareja feliz (1951) y junto a Berlanga y Miguel Mihura participó en el guión de la obra maestra de Berlanga, condecorada en Cannes, Bienvenido, Mister Marshall.
_Se estrenó en solitario con la magnífica Cómicos (1953), en la que abordó con maestría el mundo del espectáculo que por familia y vocación tan bien conocía. En 1955 dirigió su primera obra maestra, Muerte de un ciclista, que recibió el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, y poco después rodó su magistral Calle Mayor (1956), también galardonada en el Festival de Venecia con el Premio de la Crítica. Sin exagerar lo más mínimo se trata de dos películas para la historia, que demuestran un dominio del arte cinematográfico rara vez visto hasta entonces en una película española. Cine de calidad y con corazón.
_Sin embargo, el aprecio crítico por sus films fue menguando, tuvo especiales problemas con la censura debido a su militancia en el PCE, y en los 60 apenas pudo desarrollar algo interesante, con la excepción de Nunca pasa nada (1963). Con la excepción de El puente (1977), sus películas no volvieron a tener alguna repercusión crítica, aunque Siete días de enero (1979) fue galardonado en el Festival de Moscú.
_Se fue despidiendo, tristemente por la puerta pequeña, él que fue tan grande y recibió un brutal "Bardem está muerto" como crítica de Truffaut, porque Bardem estuvo muy vivo y creó, en los 50, películas que nada tenían que envidiar a las mejores que se hacían en el mundo. Buñuel, Berlanga y Bardem pusieron a España en el mapa cinematográfico mundial. Hoy su cine está poco reivindicado, pero sus películas hablan del talento y vitalidad de este gran director para la historia.
_Murió en 2002, a los 80 años. Poco antes había escrito un libro de memorias titulado Y todavía sigue.
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http://www.imdb.com/name/nm0054219/
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27/3/08
directores para la historia: LUIS GARCIA BERLANGA
Nacido en Valencia en 1921, Berlanga fue el director español que mejor reflejó y criticó la España de la dictadura, con sus privaciones y miserias morales. Su primera película, codirigida junto al otro gran director de su generación, Juan Antonio Bardem, "Esa pareja feliz" (1951) es un pequeño clásico y una película deliciosa.
_Su prestigio internacional se debe a "Bienvenido Mr. Marshall" (1952), condecorada en Cannes, una obra maestra que refleja con humor ácido y crítico aquella España. Le seguirían títulos apreciables como "Calabuch" (1956), "Los jueves, milagro" (1957), que darían paso a dos obras maestras de la envergadura de "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963), ambas con guión del gran Rafael Azcona, en las que la mirada crítica de Berlanga afronta la caridad poco cristiana y la poco humana pena muerte.
_Tras la estimable "La boutique", Berlanga rodó su película más polémica, la muy injustamente tratada e incomprendida "Tamaño natural" (1974). Tachada de mil cosas infundadas, apenas se la consideró algo parafílico cuando en realidad es una reflexión aguda sobre la incomunicación moderna y la soledad, la búsqueda de pareja, y los límites de ésta.
_Es cierto que Berlanga se hizo cargo de la colección de narrativa erótica "La sonrisa vertical", y que es bastante erotómano, pero "Tamaño natural" es para el propio director su mejor película, y es una película que merece ser reivindicada, es en cierto modo una pequeña (o no tan pequeña) obra maestra.
_Aunque después Berlanga tuvo gran éxito de público con la trilogía de la escopeta nacional, ya no se muestra en sus películas al mejor Berlanga, cuya despedida del cine fue impropia de alguien que por derecho propio fue, es y siempre será uno de los mejores directores de la historia del cine español.
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http://www.imdb.com/name/nm0305557/
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_Su prestigio internacional se debe a "Bienvenido Mr. Marshall" (1952), condecorada en Cannes, una obra maestra que refleja con humor ácido y crítico aquella España. Le seguirían títulos apreciables como "Calabuch" (1956), "Los jueves, milagro" (1957), que darían paso a dos obras maestras de la envergadura de "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963), ambas con guión del gran Rafael Azcona, en las que la mirada crítica de Berlanga afronta la caridad poco cristiana y la poco humana pena muerte.
_Tras la estimable "La boutique", Berlanga rodó su película más polémica, la muy injustamente tratada e incomprendida "Tamaño natural" (1974). Tachada de mil cosas infundadas, apenas se la consideró algo parafílico cuando en realidad es una reflexión aguda sobre la incomunicación moderna y la soledad, la búsqueda de pareja, y los límites de ésta.
_Es cierto que Berlanga se hizo cargo de la colección de narrativa erótica "La sonrisa vertical", y que es bastante erotómano, pero "Tamaño natural" es para el propio director su mejor película, y es una película que merece ser reivindicada, es en cierto modo una pequeña (o no tan pequeña) obra maestra.
_Aunque después Berlanga tuvo gran éxito de público con la trilogía de la escopeta nacional, ya no se muestra en sus películas al mejor Berlanga, cuya despedida del cine fue impropia de alguien que por derecho propio fue, es y siempre será uno de los mejores directores de la historia del cine español.
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http://www.imdb.com/name/nm0305557/
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25/3/08
RAFAEL AZCONA, guionista para la historia
Rafael Azcona, el mejor guionista de la historia del cine español, ha muerto a la edad de 81 años. Sus memorables guiones en los imprescindibles títulos de la historia del cine español El pisito, El cochecito, El verdugo, Plácido, La escopeta nacional, Belle epoque... y tantos más le hacen merecedor de que su nombre se escriba con pluma de pavo real, en letras de oro, en el libro de honor de la historia del cine español.
_Grande entre los grandes, se inició en el cine por casualidad, cuando a través del italiano Ferreri creó el guión de El pisito. Ferreri también contó con sus guiones en su etapa italiana.
_He aquí un poco más de su vida, que he extraído de la red. Recomiendo el enlace de cervantes virtual para profundizar en su faceta, menos conocida, pero que incluye, por ejemplo "Los europeos", como escritor. En sus propias palabras fue un hombre que se dedicó "a escribir cosas divertidas sobre cosas tristes".
En http://www.cervantestv.es/entrevistas/video_rafael_azcona_entrevista.htm su reciente entrevista con el instituto cervantes.
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_Nació el 24 de octubre de 1926 en Logroño. En 1951 se instaló en Madrid, donde colaboró en La Codorniz y otras revistas humorísticas. Quiso ser poeta y también novelista pero su labor esencial se centra en el mundo del cine.
_Según sus palabras.- "Escribo guiones porque me resulta más fácil que escribir novelas". Autor de diversos relatos y numerosos guiones, en los cuales domina el humor negro y macabro y la sátira mordaz, sus primeros guiones como, "El pisito", "El cochecito", "El verdugo" etc. tratan del retrato de una época, de la miseria moral y las carencias de aquel tiempo.
_De carácter tímido fue un hombre afable y de grata conversación. Entre los reconocimientos a su labor como guionista destacan el Premio Nacional de Cinematografía (1982), el Premio Goya mejor guión por "El bosque animado" (1988); Goya al mejor guión adaptado por "¡Ay Carmela!" (1991); Goya al mejor guión original por "Belle Époque" (1993); Goya al mejor guión adaptado por "Tirano Banderas" y la Medalla de oro de las Bellas Artes (1994); Goya honorífico a su carrera (1998) o el Goya al mejor guión adaptado por "La lengua de las mariposas" (2002).
_Grande entre los grandes, se inició en el cine por casualidad, cuando a través del italiano Ferreri creó el guión de El pisito. Ferreri también contó con sus guiones en su etapa italiana.
_He aquí un poco más de su vida, que he extraído de la red. Recomiendo el enlace de cervantes virtual para profundizar en su faceta, menos conocida, pero que incluye, por ejemplo "Los europeos", como escritor. En sus propias palabras fue un hombre que se dedicó "a escribir cosas divertidas sobre cosas tristes".
En http://www.cervantestv.es/entrevistas/video_rafael_azcona_entrevista.htm su reciente entrevista con el instituto cervantes.
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_Nació el 24 de octubre de 1926 en Logroño. En 1951 se instaló en Madrid, donde colaboró en La Codorniz y otras revistas humorísticas. Quiso ser poeta y también novelista pero su labor esencial se centra en el mundo del cine.
_Según sus palabras.- "Escribo guiones porque me resulta más fácil que escribir novelas". Autor de diversos relatos y numerosos guiones, en los cuales domina el humor negro y macabro y la sátira mordaz, sus primeros guiones como, "El pisito", "El cochecito", "El verdugo" etc. tratan del retrato de una época, de la miseria moral y las carencias de aquel tiempo.
_De carácter tímido fue un hombre afable y de grata conversación. Entre los reconocimientos a su labor como guionista destacan el Premio Nacional de Cinematografía (1982), el Premio Goya mejor guión por "El bosque animado" (1988); Goya al mejor guión adaptado por "¡Ay Carmela!" (1991); Goya al mejor guión original por "Belle Époque" (1993); Goya al mejor guión adaptado por "Tirano Banderas" y la Medalla de oro de las Bellas Artes (1994); Goya honorífico a su carrera (1998) o el Goya al mejor guión adaptado por "La lengua de las mariposas" (2002).
_Rafael Azcona fue uno de los guionistas más valorados en España porque sus guiones están entre los mejores. Trabajó con los más grandes directores españoles y sostenía que los personajes en sus diálogos deben ir por un lado y el argumento de la película por otro. La historia tiene que tirar del espectador a base de imágenes y situaciones mientras los personajes expresar su personalidad. Parece fácil pero no lo es.
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http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/Azcona/montaje.html
http://www.lavanguardia.es/lv24h/20080325/53448440875.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Azcona
actor y director para la historia: LAURENCE OLIVIER
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"Actuar es una forma masoquista de exhibicionismo, no una verdadera profesión para un adulto". Así habla alguien a quien se considera el actor más grande de su época: sir Laurence Olivier. Y así demuestra que el humor inglés no le es extraño. Claro que tampoco la cultura británica: la carrera de Olivier está íntimamente ligada al nombre de Shakespeare.
_Hijo de un pastor anglicano y nacido en 1907, el actor intrepretó a Bruto en una función escolar a los nueve año y, a los catorce, a la Catalina (!) de La fierecilla domada en el Festival de Shakespeare de Stratford-on-Avon. En cinco décadas de carrera teatral, escenificó 34 obras del gran literato, 22 de ellas más de 100 veces. Shakespeare también está en el centro de la obra cinematográfica de Olivier.
_Tres adaptaciones del dramaturgo inglés esclarecen sus logros como actor y director de cine: Enrique IV (1944), Hamlet (1948) y Ricardo III (1955). Por Enrique IV, Olivier recibió en la entrega de los oscars de 1947 un premio especial por sus logros como productor, director y actor principal. Posteriormente el jurado le otorgó un oscar a Hamlet y galardonó a Olivier por el mejor papel y la mejor película. Finalmente en 1979, a los setenta y dos años, le honraron con un oscar honorífico a su trayectoria.
_El publicista de cine Leonard Maltin dijo que era la primera adaptación seria y con éxito de una obra de Shakespeare para la gran pantalla. Olivier actuó en más de 80 producciones, entre las que se cuentan películas tan famosas como Cumbres borrascosas (1939), una adaptación de la obra de Bronte, y el thriller de Hitchcock Rebeca (1940).
_En un papel de actor invitado en Marathon man (1974) estuvo brillante haciendo de dentista nazi sádico que somete a Dustin Hoffman a un tratamiento diabólico personalizado. Éste pasó dos noches sin dormir para tener un aspecto más demacrado. Comentario de Olivier al respecto: "Inténtalo actuando, hijo. Es mucho más fácil".
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_Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
:
Añadir que...
La obra de tan gran actor y cineasta, por supuesto no cabe en estas breves líneas. Sus interpretaciones han pasado a la posteridad en otras muchas películas, pero voy a recordar tan sólo su duelo interpretativo junto a Michael Caine en la obra maestra de Mankiewicz "La huella", y dejo su ficha en imdb.
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http://www.imdb.com/name/nm0000059/
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"Actuar es una forma masoquista de exhibicionismo, no una verdadera profesión para un adulto". Así habla alguien a quien se considera el actor más grande de su época: sir Laurence Olivier. Y así demuestra que el humor inglés no le es extraño. Claro que tampoco la cultura británica: la carrera de Olivier está íntimamente ligada al nombre de Shakespeare.
_Hijo de un pastor anglicano y nacido en 1907, el actor intrepretó a Bruto en una función escolar a los nueve año y, a los catorce, a la Catalina (!) de La fierecilla domada en el Festival de Shakespeare de Stratford-on-Avon. En cinco décadas de carrera teatral, escenificó 34 obras del gran literato, 22 de ellas más de 100 veces. Shakespeare también está en el centro de la obra cinematográfica de Olivier.
_Tres adaptaciones del dramaturgo inglés esclarecen sus logros como actor y director de cine: Enrique IV (1944), Hamlet (1948) y Ricardo III (1955). Por Enrique IV, Olivier recibió en la entrega de los oscars de 1947 un premio especial por sus logros como productor, director y actor principal. Posteriormente el jurado le otorgó un oscar a Hamlet y galardonó a Olivier por el mejor papel y la mejor película. Finalmente en 1979, a los setenta y dos años, le honraron con un oscar honorífico a su trayectoria.
_El publicista de cine Leonard Maltin dijo que era la primera adaptación seria y con éxito de una obra de Shakespeare para la gran pantalla. Olivier actuó en más de 80 producciones, entre las que se cuentan películas tan famosas como Cumbres borrascosas (1939), una adaptación de la obra de Bronte, y el thriller de Hitchcock Rebeca (1940).
_En un papel de actor invitado en Marathon man (1974) estuvo brillante haciendo de dentista nazi sádico que somete a Dustin Hoffman a un tratamiento diabólico personalizado. Éste pasó dos noches sin dormir para tener un aspecto más demacrado. Comentario de Olivier al respecto: "Inténtalo actuando, hijo. Es mucho más fácil".
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_Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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Añadir que...
La obra de tan gran actor y cineasta, por supuesto no cabe en estas breves líneas. Sus interpretaciones han pasado a la posteridad en otras muchas películas, pero voy a recordar tan sólo su duelo interpretativo junto a Michael Caine en la obra maestra de Mankiewicz "La huella", y dejo su ficha en imdb.
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http://www.imdb.com/name/nm0000059/
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22/3/08
directores para la historia: HENRI-GEORGES CLOUZOT
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Clouzot, nacido el 20 de noviembre de 1907 en Niort, Francia, ya llevaba unos diez años en el negocio del cine cuando debutó como director en 1942 con El asesino vive en el 21. Su delicada salud le había obligado al principio a limitarse a revisar y a idear guiones. Le courbeu (1943), un estudio sobre la delación en una pequeña ciudad francesa le acarreó los reproches de la propaganda nacionalsocialista y la prohibición de ejercer su profesión durante seis meses (poco antes, la misma película había sido estigmatizada como "antifrancesa" por el régimen de Vichy).
_Clouzot tuvo más suerte con su siguiente filme. Por la película policíaca En legítima defensa que, a pesar de la pronta rehabilitación del cineasta no se pudo rodar hasta 1947, recibió en Venecia el premio al mejor director.
_No obstante, sus obras más famosas serían la película existencialista de aventuras El salario del miedo (1953), por la que ganó el premio especial del jurado de Cannes y el Oso de oro de Berlín, y la sombría historia de asesinos Las diabólicas (1954).
_Las obras de Clouzot tienen en común una visión del mundo profundamente pesimista, que deja su estela detrás de argumentos llenos de suspense: los héroes de este director siempre intentan defenderse de relaciones dominantes y acaban fracasando.
_Entre las obras maestras de Clouzot se cuenta también el retrato de un artista El misterio Picasso (1956), por el que fue galardonado de nuevo en Cannes y en el que, mediante cámaras colocadas detrás de los lienzos, hacía que el espectador viviera el proceso creativo artístico.
_Henri-Georges Clouzot murió el 12 de enero de 1977 en París.
Cine de los 50, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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19/3/08
NINO ROTA, música de cine
_Al principio fue una parada de autobús. Fellini encontró allí a un hombre ensimismado que esperaba una línea que normalmente circulaba por otro sitio. Fellini iba a explicárselo, pero luego llegó un autobús de aquella línea y se detuvo a sus pies. Fellini quedó profundamente impresionado y convencido de que había topado con alguien que podía hacer cosas mágicas. Así más o menos -a veces situaba la parada en Via Po de Roma; a veces, a las puertas de Cinecittà- describía Fellini el inicio de su amistad con el compositor Nino Rota poco después de la segunda guerra mundial. De la relación de esos dos hombres geniales surgieron instantes de cine realmente mágicos. La triste canción de Gelsomina en La strada (1954) o la marcha circense de Fellini ocho y medio (1962): un crítico escribió que, en el caso de Rota, la música se convertía en un personaje.
_Nino Rota Rinaldi nació en 1911 en el seno de una familia de músicos de Milán. Muy pronto se le consideró un niño prodigio y recibió formación musical clásica en conservatorios de Italia y EE.UU.. Componía obras para orquesta y coros, y escribió sus primeras bandas sonoras a principios de los años cuarenta. Después de su trabajo en Sin piedad (1948) de Alberto Lattuada, empezó a oírse lo que caracterizaría el sonido de Rota: hacía suyas melodías ya existentes, las transformaba, a veces, también las citaba. Posteriormente recibiría un oscar por la música de El padrino, parte II (1974) de Francis Ford Coppola, que se basa en una composición escrita por el propio autor para la película Fortunella (1957) de Eduardo de Filippo.
_Rota compuso docenas de canciones pegadizas; su música oscila entre la emoción y la ironía, pasa de repente de la melancolía a una canción animada, deja de ser estridente y se convierte en un fondo recatado. El músico trabajó con grandes directores, como Luchino Visconti, King Vidor y René Clément. Pero realmente legendario fue su trabajo en equipo con Fellini, para el que compuso la música de todas sus películas desde El jeque blanco (1952). Los dos se sentaban juntos al piano; Rota creaba, improvisaba; Fellini comentaba, y cada vez surgía un momento musical mágico del cine. La última ocasión fue para Ensayo de orquesta (1978).
_Nino Rota murió en 1974 en Roma. Fue uno de los compositores de bandas sonoras más importantes del siglo XX.
Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
añadir que...
Alguien dijo que la música de Amarcord, de Nino Rota, es la música que se escucha en el cielo...
No estaría mal un cielo así, en cualquier caso la historia del cine es impensable sin la contribución de este mago de la melodía, que nos ha legado para la posteridad momentos inolvidables.
http://www.imdb.com/name/nm0000065/
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_Nino Rota Rinaldi nació en 1911 en el seno de una familia de músicos de Milán. Muy pronto se le consideró un niño prodigio y recibió formación musical clásica en conservatorios de Italia y EE.UU.. Componía obras para orquesta y coros, y escribió sus primeras bandas sonoras a principios de los años cuarenta. Después de su trabajo en Sin piedad (1948) de Alberto Lattuada, empezó a oírse lo que caracterizaría el sonido de Rota: hacía suyas melodías ya existentes, las transformaba, a veces, también las citaba. Posteriormente recibiría un oscar por la música de El padrino, parte II (1974) de Francis Ford Coppola, que se basa en una composición escrita por el propio autor para la película Fortunella (1957) de Eduardo de Filippo.
_Rota compuso docenas de canciones pegadizas; su música oscila entre la emoción y la ironía, pasa de repente de la melancolía a una canción animada, deja de ser estridente y se convierte en un fondo recatado. El músico trabajó con grandes directores, como Luchino Visconti, King Vidor y René Clément. Pero realmente legendario fue su trabajo en equipo con Fellini, para el que compuso la música de todas sus películas desde El jeque blanco (1952). Los dos se sentaban juntos al piano; Rota creaba, improvisaba; Fellini comentaba, y cada vez surgía un momento musical mágico del cine. La última ocasión fue para Ensayo de orquesta (1978).
_Nino Rota murió en 1974 en Roma. Fue uno de los compositores de bandas sonoras más importantes del siglo XX.
Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
añadir que...
Alguien dijo que la música de Amarcord, de Nino Rota, es la música que se escucha en el cielo...
No estaría mal un cielo así, en cualquier caso la historia del cine es impensable sin la contribución de este mago de la melodía, que nos ha legado para la posteridad momentos inolvidables.
http://www.imdb.com/name/nm0000065/
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ingrid bergman se escribe con
:
La felicidad es tener buena salud y mala memoria.
_Ingrid Bergman
:
:
ingrid bergman
se escribe
con
i de ideal
n de nobleza
g de gracia
r de regalo
i de inolvidable
d de diosa
b de belleza, bondad...
e de elegancia
r de reina
g de grande entre las grandes
m de mujer, maravilla, madre, mariposa...
a de actriz, aura, arte...
n de naturalidad
pero también
con
s de serenidad, salud...
u de única
e de elegida
c de calma, cadencia...
a de alegría
y con
v de vigor
i de ímpetu
r de río que fluye con calma
g de gusto
o de ¡oh, dios mío, qué mujer!
:
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La felicidad es tener buena salud y mala memoria.
_Ingrid Bergman
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ingrid bergman
se escribe
con
i de ideal
n de nobleza
g de gracia
r de regalo
i de inolvidable
d de diosa
b de belleza, bondad...
e de elegancia
r de reina
g de grande entre las grandes
m de mujer, maravilla, madre, mariposa...
a de actriz, aura, arte...
n de naturalidad
pero también
con
s de serenidad, salud...
u de única
e de elegida
c de calma, cadencia...
a de alegría
y con
v de vigor
i de ímpetu
r de río que fluye con calma
g de gusto
o de ¡oh, dios mío, qué mujer!
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17/3/08
directores para la historia: KENJI MIZOGUCHI
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Junto a Akira Kurosawa y Yasujirô Ozu, Kenji Mizoguchi (1898-1956) es uno de los grandes maestros del cine japonés clásico. El trío, además, tiene el mérito de haber descubierto el cine nipón a los occidentales.
_Mizoguchi, que es considerado un director de actrices, nació en 1898 en Tokio, en el seno de una familia modesta, y tuvo que ver cómo su hermana mayor era vendida como geisha. Tras la muerte de su madre, el realizador vivió durante una temporada con ella. Quizá fuera esta experiencia la que hizo de él un hombre sensible. Fuera como fuera, sus cintas suelen girar en torno de figuras femeninas oprimidas por la sociedad. Por ejemplo, Vida de Oharu, mujer galante (1952) relata la historia de la hija de una funcionario del templo que en el siglo XVII se enamora de un empleado doméstico, una relación mal vista que conllevará un duro castigo para los amantes. A la protagonista de El intendente Sansho (1954) no le van las cosas mucho mejor: cuando, acompañada de sus dos hijos, se lanza a la búsqueda de su marido, se ve obligada a convertirse en cortesana y acabarán cortándoles los tendones de Aquiles.
_Estos dos filmes, junto a Cuentos de la luna pálida (1953) son las tres grandes obras maestras de un realizador que inició su carrera en 1923 y rodó unas 80 películas. Mizoguchi, que nunca había gozado de buena salud, murió de leucemia en 1956.
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Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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añadir que...
Junto a Akira Kurosawa y Yasujirô Ozu, Kenji Mizoguchi (1898-1956) es uno de los grandes maestros del cine japonés clásico. El trío, además, tiene el mérito de haber descubierto el cine nipón a los occidentales.
_Mizoguchi, que es considerado un director de actrices, nació en 1898 en Tokio, en el seno de una familia modesta, y tuvo que ver cómo su hermana mayor era vendida como geisha. Tras la muerte de su madre, el realizador vivió durante una temporada con ella. Quizá fuera esta experiencia la que hizo de él un hombre sensible. Fuera como fuera, sus cintas suelen girar en torno de figuras femeninas oprimidas por la sociedad. Por ejemplo, Vida de Oharu, mujer galante (1952) relata la historia de la hija de una funcionario del templo que en el siglo XVII se enamora de un empleado doméstico, una relación mal vista que conllevará un duro castigo para los amantes. A la protagonista de El intendente Sansho (1954) no le van las cosas mucho mejor: cuando, acompañada de sus dos hijos, se lanza a la búsqueda de su marido, se ve obligada a convertirse en cortesana y acabarán cortándoles los tendones de Aquiles.
_Estos dos filmes, junto a Cuentos de la luna pálida (1953) son las tres grandes obras maestras de un realizador que inició su carrera en 1923 y rodó unas 80 películas. Mizoguchi, que nunca había gozado de buena salud, murió de leucemia en 1956.
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Cine de los 50, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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añadir que...
El cine de Mizoguchi destaca por la sensibilidad con la que retrata sobre todo los caracteres femeninos, pero también por una exigencia estética propia del gran artista que era. Además, como ya ha quedado dicho, era un humanista. Un genio del cine, del que también hay que destacar su obra Los amantes crucificados.
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10/3/08
libros ¡¡¡de cine!!!
Un par de libros de consulta... y dos novelas de cine
.
Aunque ésta no es una lectura de cine, sino una obra de consulta, he podido conseguir un libro que hacía falta en la bibliografía sobre el cine español:
_Guía del cine español, de Carlos Aguilar, publicado por Cátedra (2007). Es un libro que se vende casi solo porque el autor lleva décadas publicando y actualizando su Guía del cine (con más de 25.000 títulos) y porque parece no haber nadie capaz de realizar un empeño similar. El libro aporta más de 6.000 títulos del cine español desde 1897 hasta 2007, y numerosos índices de directores, guionistas, intérpretes... una breve introducción al cine español. Incluye fotografías, y siguiendo el modelo de su clásica Guía del cine, acompaña a la sinopsis una breve crítica. Aunque se puede discrepar con algunas apreciaciones críticas de Carlos Aguilar (y de cualquiera) es innegable la labor de investigación y el amor que el crítico ha puesto en este trabajo gigantesco y muy útil.
Sólo añadir que a mí me gustaría que alguien más intentara hacer algo similar y añadiera además una historia del cine español, pues no es bueno el hombre de un solo libro ni que sólo haya un libro que abarque tanto como éste. Me alegraría que otros críticos, españoles o extranjeros, acometieran idéntica labor, pero puesto que sólo Carlos Aguilar ha sido capaz hasta el momento, reconozcámosle el mérito que tiene, y el hueco que cubre con este libro.
.
...también he encontrado un libro para amantes de la animación:
_Cartoons, 110 años de cine de animación, de Giannalberto Bendazzi, publicado por 8 1/2, que realiza un recorrido por la historia de este fascinante universo que es la animación desde sus remotos orígenes hasta la actualidad.
Ah, para amantes de la animación, una breve historia de la animación en
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/2007/11/breve-historia-de-la-animacin.html
.
...y dos novelas que respiran cine y vida...
_Coproducción, de Carlos Aguilar, publicado por Valdemar (1999). Esta novela fascinante y apasionada es un tributo a la pasión por el cine, a los westerns europeos rodados en Almería, a quienes tienen talento pero no el viento a favor, pero aún así no abandonan la lucha, y una reivindicación de la vida como una película que puede ser maravillosa creando una coproducción a partes iguales entre un hombre y una mujer.
www.valdemar.com
_Nueve colores sangra la luna, de Carlos Aguilar, publicado por La factoría de ideas (2005). El amor entrañable y cálido que el autor siente por el cine de terror de los 60 y 70, en especial el creado, casi sin medios, en España, ha dado lugar a una novela algo negra con tintes no sólo cinéfilos, que posee tal magnetismo y cariño en su interior que sin duda convertirá en insaciables rastreadores de las deliciosas tinieblas del género a más de un lector poco dado a este género. Ése es el mayor mérito de Carlos Aguilar (historiador y crítico de cine, novelista... y cercana y generosa persona) que transmite su pasión de manera contagiosa.
www.carlosaguilar.net
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Aunque ésta no es una lectura de cine, sino una obra de consulta, he podido conseguir un libro que hacía falta en la bibliografía sobre el cine español:
_Guía del cine español, de Carlos Aguilar, publicado por Cátedra (2007). Es un libro que se vende casi solo porque el autor lleva décadas publicando y actualizando su Guía del cine (con más de 25.000 títulos) y porque parece no haber nadie capaz de realizar un empeño similar. El libro aporta más de 6.000 títulos del cine español desde 1897 hasta 2007, y numerosos índices de directores, guionistas, intérpretes... una breve introducción al cine español. Incluye fotografías, y siguiendo el modelo de su clásica Guía del cine, acompaña a la sinopsis una breve crítica. Aunque se puede discrepar con algunas apreciaciones críticas de Carlos Aguilar (y de cualquiera) es innegable la labor de investigación y el amor que el crítico ha puesto en este trabajo gigantesco y muy útil.
Sólo añadir que a mí me gustaría que alguien más intentara hacer algo similar y añadiera además una historia del cine español, pues no es bueno el hombre de un solo libro ni que sólo haya un libro que abarque tanto como éste. Me alegraría que otros críticos, españoles o extranjeros, acometieran idéntica labor, pero puesto que sólo Carlos Aguilar ha sido capaz hasta el momento, reconozcámosle el mérito que tiene, y el hueco que cubre con este libro.
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...también he encontrado un libro para amantes de la animación:
_Cartoons, 110 años de cine de animación, de Giannalberto Bendazzi, publicado por 8 1/2, que realiza un recorrido por la historia de este fascinante universo que es la animación desde sus remotos orígenes hasta la actualidad.
Ah, para amantes de la animación, una breve historia de la animación en
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/2007/11/breve-historia-de-la-animacin.html
.
...y dos novelas que respiran cine y vida...
_Coproducción, de Carlos Aguilar, publicado por Valdemar (1999). Esta novela fascinante y apasionada es un tributo a la pasión por el cine, a los westerns europeos rodados en Almería, a quienes tienen talento pero no el viento a favor, pero aún así no abandonan la lucha, y una reivindicación de la vida como una película que puede ser maravillosa creando una coproducción a partes iguales entre un hombre y una mujer.
www.valdemar.com
_Nueve colores sangra la luna, de Carlos Aguilar, publicado por La factoría de ideas (2005). El amor entrañable y cálido que el autor siente por el cine de terror de los 60 y 70, en especial el creado, casi sin medios, en España, ha dado lugar a una novela algo negra con tintes no sólo cinéfilos, que posee tal magnetismo y cariño en su interior que sin duda convertirá en insaciables rastreadores de las deliciosas tinieblas del género a más de un lector poco dado a este género. Ése es el mayor mérito de Carlos Aguilar (historiador y crítico de cine, novelista... y cercana y generosa persona) que transmite su pasión de manera contagiosa.
www.carlosaguilar.net
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9/3/08
películas de la semana
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Nocturna (2007) Víctor Maldonado y Adriá García. Bajo el subtítulo "una aventura mágica", esta película de animación recorre la noche, con sus susurros, sueños, sombras, despeinadoras... momentos de diversión, de miedo a lo desconocido, y algo del resplandor profundo y maravilloso de la luz que late en la oscuridad. Quizá le falta un poco más de oscuridad y menos brillo (es una noche muy clara) pero es ingeniosa y original.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Big bang love, juvenile A (2006) Takashi Miike. Una historia troceada y cuidadosamente servida late en esta muestra muy personal del tema carcelario, que además de amplificar la violencia, seduce con una imaginería visual fascinante, incluso poética.
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Gente de Roma (2003) Ettore Scola. Un maravilloso paseo por la ciudad de Roma a través de varias historias a menudo llenas de humor y de un gran respeto por la diferencia y la integración. Rodada en formato digital, como ya han hecho otros directores consolidados como Lucas, Lynch o Medem.
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Scarface. El terror del hampa (1932) Howard Hawks. Una obra maestra del cine sobre gánsteres, una demostración más del talento de uno de los mejores directores de la historia del cine. No hay más que ver su abundante y magnífica filmografía para descubrir, sin dudarlo dos veces, a un director enorme, a un maestro.
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Nocturna (2007) Víctor Maldonado y Adriá García. Bajo el subtítulo "una aventura mágica", esta película de animación recorre la noche, con sus susurros, sueños, sombras, despeinadoras... momentos de diversión, de miedo a lo desconocido, y algo del resplandor profundo y maravilloso de la luz que late en la oscuridad. Quizá le falta un poco más de oscuridad y menos brillo (es una noche muy clara) pero es ingeniosa y original.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Big bang love, juvenile A (2006) Takashi Miike. Una historia troceada y cuidadosamente servida late en esta muestra muy personal del tema carcelario, que además de amplificar la violencia, seduce con una imaginería visual fascinante, incluso poética.
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Gente de Roma (2003) Ettore Scola. Un maravilloso paseo por la ciudad de Roma a través de varias historias a menudo llenas de humor y de un gran respeto por la diferencia y la integración. Rodada en formato digital, como ya han hecho otros directores consolidados como Lucas, Lynch o Medem.
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Scarface. El terror del hampa (1932) Howard Hawks. Una obra maestra del cine sobre gánsteres, una demostración más del talento de uno de los mejores directores de la historia del cine. No hay más que ver su abundante y magnífica filmografía para descubrir, sin dudarlo dos veces, a un director enorme, a un maestro.
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8/3/08
directores para la historia: ROBERT SIODMAK
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_Actualmente el director Robert Siodmak, nacido en Dresde en 1900, es conocido sobre todo por las películas policíacas que dirigió en los años cuarenta en su exilio de Hollywood. Con filmes como La dama desconocida (1943-44), La escalera de caracol (1945), Forajidos (1946) y El abrazo de la muerte (1948), rodó clásicos dle cine negro impregnados de una atmósfera pesimista y con unas expresivas imágenes que a menudo se justificaron en el origen alemán del director. No obstante, Siodmak había debutado con una película que apenas tenía algo en común con sus trabajos posteriores: Menschen am Sonntag (1929) era una encantadora impresión de verano sobre cuatro jóvenes berlineses que pasan un domingo en el mar; una película "independiente", por así decirlo, con actores no profesionales y escenarios reales, que también contó con la participación decisiva de Curt Siodmak, hermano del director, Billy Wilder, Fred Zinnemamm, Eugen Schüfftan y Edgar G. Ulmer.
_Sin embargo las películas que Siodmak rodó a continuación para la UFA y, después de la llegada de los nazis al poder, en Francia, ya apuntan a veces en la misma dirección que sus sombrías películas americanas. El talento del director no se agotó ni de lejos en el género policíaco, hecho que demuestra especialmente la pintoresca aventura de piratas El temible burlón (1952).
_Después de realizarla, Siodmak regresó a Francia y, luego, a Alemania. Si bien recibió una candidatura al oscar por Nachts, wenn der Teufel kam (1957), en la última fase de su carrera, el director no pudo repetir la calidad de filmes anteriores. Puede que éste fuera el motivo de que su obra recibiera tardíamente el amplio reconocimiento que merece. Robert Siodmak murió en 1973 en Locarno.
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Cine de los 50, (taschen, 2005)
_Actualmente el director Robert Siodmak, nacido en Dresde en 1900, es conocido sobre todo por las películas policíacas que dirigió en los años cuarenta en su exilio de Hollywood. Con filmes como La dama desconocida (1943-44), La escalera de caracol (1945), Forajidos (1946) y El abrazo de la muerte (1948), rodó clásicos dle cine negro impregnados de una atmósfera pesimista y con unas expresivas imágenes que a menudo se justificaron en el origen alemán del director. No obstante, Siodmak había debutado con una película que apenas tenía algo en común con sus trabajos posteriores: Menschen am Sonntag (1929) era una encantadora impresión de verano sobre cuatro jóvenes berlineses que pasan un domingo en el mar; una película "independiente", por así decirlo, con actores no profesionales y escenarios reales, que también contó con la participación decisiva de Curt Siodmak, hermano del director, Billy Wilder, Fred Zinnemamm, Eugen Schüfftan y Edgar G. Ulmer.
_Sin embargo las películas que Siodmak rodó a continuación para la UFA y, después de la llegada de los nazis al poder, en Francia, ya apuntan a veces en la misma dirección que sus sombrías películas americanas. El talento del director no se agotó ni de lejos en el género policíaco, hecho que demuestra especialmente la pintoresca aventura de piratas El temible burlón (1952).
_Después de realizarla, Siodmak regresó a Francia y, luego, a Alemania. Si bien recibió una candidatura al oscar por Nachts, wenn der Teufel kam (1957), en la última fase de su carrera, el director no pudo repetir la calidad de filmes anteriores. Puede que éste fuera el motivo de que su obra recibiera tardíamente el amplio reconocimiento que merece. Robert Siodmak murió en 1973 en Locarno.
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Cine de los 50, (taschen, 2005)
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añadir que...
Su debut, Gente en domingo, contaba con la participación de una constelación de talentos cinematográficos que desarrollaron interesantes e incluso magistrales carreras en EE.UU.
Sus películas de cine negro, Forajidos y La escalera de caracol, muestran a un director que sabe manejar perfectamente los recursos de la cinematografía. Son magistrales.
Por último comentar que no resulta muy extraño que un hombre de cine muriera en Locarno, donde se celebra el prestigioso festival de cine de Locarno.
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/premios%20y%20festivales
ficha en imdb http://www.imdb.com/name/nm0802563/
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2/3/08
directores para la historia: ANTHONY MANN
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Nacido en 1906, el director californiano Anthony Mann se dedicó al thriller y al cine negro antes de renovar la tradición hollywoodiense del western en la década de los cincuenta. Además de en Colorado Jim (1953), el realizador ofreció a James Stewart, actor que hasta ese momento se había especializado en comedias, la posibilidad de interpretar a antihéroes desgraciados, desesperados y obsesionados en trabajos pesimistas y sombríos como Winchester 73 (1950), Horizontes lejanos (1951), Tierras lejanas (1954) y El hombre de Laramie (1955). La obra de Anthony Mann destaca por su elaborada composición de personajes y por la inusual traducción visual de sus temas. Tras ser contratado para dirigir Espartaco (1960) y posteriormente ser sustituido por Stanley Kubrick por deseo del productor, Kirk Douglas, el cineasta firmó dos epopeyas históricas rodadas en gran formato y sin reparar en gastos: El Cid (1961) y La caída del imperio romano (1964). Anthony Mann murió en 1967.
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Cine de los 50, (taschen, 2005)
:
añadir que...
El hombre de Laramie es una obra maestra del western; estuvo casado unos años con la actriz española Sara Montiel, y en Espartaco se dice que hay todavía escenas rodadas por Anthony Mann.
Fue de los directores más importantes de los años 50.
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Nacido en 1906, el director californiano Anthony Mann se dedicó al thriller y al cine negro antes de renovar la tradición hollywoodiense del western en la década de los cincuenta. Además de en Colorado Jim (1953), el realizador ofreció a James Stewart, actor que hasta ese momento se había especializado en comedias, la posibilidad de interpretar a antihéroes desgraciados, desesperados y obsesionados en trabajos pesimistas y sombríos como Winchester 73 (1950), Horizontes lejanos (1951), Tierras lejanas (1954) y El hombre de Laramie (1955). La obra de Anthony Mann destaca por su elaborada composición de personajes y por la inusual traducción visual de sus temas. Tras ser contratado para dirigir Espartaco (1960) y posteriormente ser sustituido por Stanley Kubrick por deseo del productor, Kirk Douglas, el cineasta firmó dos epopeyas históricas rodadas en gran formato y sin reparar en gastos: El Cid (1961) y La caída del imperio romano (1964). Anthony Mann murió en 1967.
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Cine de los 50, (taschen, 2005)
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añadir que...
El hombre de Laramie es una obra maestra del western; estuvo casado unos años con la actriz española Sara Montiel, y en Espartaco se dice que hay todavía escenas rodadas por Anthony Mann.
Fue de los directores más importantes de los años 50.
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curiosidades
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Bergman es uno de los apellidos imprescindibles del cine. El apellido de Ingmar Bergman e Ingrid Bergman. El legendario director sueco y la mítica actriz de Casablanca sólo coincidieron en una ocasión, en la película de Ingmar Bergman, con la interpretación de una ya madura Ingrid Bergman, Sonata de otoño. ¡Qué legado de películas tan impresionante nos han dejado ambas leyendas del cine!.
+ + +
Dos ejemplos de la nociva inventiva argumental de la censura española.
En Mogambo de Ford, para ocultar el adulterio entre Clark Gable y Grace Kelly a los sabios censores no se les ocurrió nada mejor que, mediante el doblaje, convertirlos en hermanos, qué escenas tan tiernas entre hermanos, qué incesto tan católico, como Dios manda... Otro ejemplo lo sufrió Las lluvias de Rachipur de Negulesco en la que para ocultar otra vez un adulterio aprovecharon que el marido en una cacería era atacado por un tigre para que, en vez de resultar herido, acabara muerto. Eliminaron todas las secuencias posteriores en las que aparecía ¡y fin del adulterio!, aunque entonces ¿por qué se veían Lana Turner y Richard Burton a escondidas?
+ + +
Miedo de las franjas negras.
Una vez se emitió por televisión El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone sin respetar su formato, y en un diálogo entre Eastwood y Wallach sólo se adivinaba una nariz a cada extremo de la pantalla.
+ + +
En la magnífica Sucedió una noche (1934) Clark Gable se quitaba la camisa y dejaba ver que no llevaba camiseta. El resultado fue que bajaron las ventas de camisetas. La venta de camisetas volvió a tomar impulso cuando Marlon Brando la convirtió en símbolo de virilidad en Un tranvía llamado deseo (1951). Aún hay quien intenta negar la influencia sociológica que tiene el cine. El cine, desde sus orígenes, ha creado moda, e incluso condicionado pautas de comportamiento.
+ + +
"Si este film tiene algún sentido, es sin duda indecente."
(censor británico dando su parecer sobre la película basada en guión de Artaud "La coquille et le clergyman", dirigida en 1927 por Germaine Dulac.)
+ + +
Alan Smithee
¿Quién es Alan Smithee? Es un nombre al que se han acogido varios directores que no han querido firmar su trabajo con su propio nombre al haber tenido que sustituir o terminar una película empezada por otro colega suyo. Empieza a ser un director inexistente pero bastante prolífico... El primero en usar este nombre fue Don Siegel.
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Bergman es uno de los apellidos imprescindibles del cine. El apellido de Ingmar Bergman e Ingrid Bergman. El legendario director sueco y la mítica actriz de Casablanca sólo coincidieron en una ocasión, en la película de Ingmar Bergman, con la interpretación de una ya madura Ingrid Bergman, Sonata de otoño. ¡Qué legado de películas tan impresionante nos han dejado ambas leyendas del cine!.
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Dos ejemplos de la nociva inventiva argumental de la censura española.
En Mogambo de Ford, para ocultar el adulterio entre Clark Gable y Grace Kelly a los sabios censores no se les ocurrió nada mejor que, mediante el doblaje, convertirlos en hermanos, qué escenas tan tiernas entre hermanos, qué incesto tan católico, como Dios manda... Otro ejemplo lo sufrió Las lluvias de Rachipur de Negulesco en la que para ocultar otra vez un adulterio aprovecharon que el marido en una cacería era atacado por un tigre para que, en vez de resultar herido, acabara muerto. Eliminaron todas las secuencias posteriores en las que aparecía ¡y fin del adulterio!, aunque entonces ¿por qué se veían Lana Turner y Richard Burton a escondidas?
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Miedo de las franjas negras.
Una vez se emitió por televisión El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone sin respetar su formato, y en un diálogo entre Eastwood y Wallach sólo se adivinaba una nariz a cada extremo de la pantalla.
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En la magnífica Sucedió una noche (1934) Clark Gable se quitaba la camisa y dejaba ver que no llevaba camiseta. El resultado fue que bajaron las ventas de camisetas. La venta de camisetas volvió a tomar impulso cuando Marlon Brando la convirtió en símbolo de virilidad en Un tranvía llamado deseo (1951). Aún hay quien intenta negar la influencia sociológica que tiene el cine. El cine, desde sus orígenes, ha creado moda, e incluso condicionado pautas de comportamiento.
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"Si este film tiene algún sentido, es sin duda indecente."
(censor británico dando su parecer sobre la película basada en guión de Artaud "La coquille et le clergyman", dirigida en 1927 por Germaine Dulac.)
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Alan Smithee
¿Quién es Alan Smithee? Es un nombre al que se han acogido varios directores que no han querido firmar su trabajo con su propio nombre al haber tenido que sustituir o terminar una película empezada por otro colega suyo. Empieza a ser un director inexistente pero bastante prolífico... El primero en usar este nombre fue Don Siegel.
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la imagen publicitaria
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La imagen publicitaria en ocasiones ha dado lugar a magníficas realizaciones, que más allá de su alcance mediático incluso a nivel mundial se afianzan en el inconsciente colectivo, y no sólo intentan vender (o lo venden) un producto o servicio, sino que transmiten una actitud o filosofía de vida.
_En realidad toda imagen transmite, quiere transmitir, una manera de ver la vida y de vivir, y esto también ocurre en la publicidad.
_Existen incluso festivales de publicidad, por ejemplo en Cannes, donde se premian trabajos a nivel internacional, incluídos anuncios televisivos...
_Puesto que lo mío es más bien el cine y mi desconocimiento de este campo, tan interesante e influyente, es casi total, dejo algunos enlaces para profundizar:
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http://www.guzmanurrero.es/index.php?option=com_content&task=view&id=164&Itemid=32 historia de la publicidad
http://www.aeap.es/recursos/recursos.asp?apt=3 festivales de publicidad
http://www.mityc.es/MediosAudiovisuales/Secciones/Contenidos/Publicidad/ legislación
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La imagen publicitaria en ocasiones ha dado lugar a magníficas realizaciones, que más allá de su alcance mediático incluso a nivel mundial se afianzan en el inconsciente colectivo, y no sólo intentan vender (o lo venden) un producto o servicio, sino que transmiten una actitud o filosofía de vida.
_En realidad toda imagen transmite, quiere transmitir, una manera de ver la vida y de vivir, y esto también ocurre en la publicidad.
_Existen incluso festivales de publicidad, por ejemplo en Cannes, donde se premian trabajos a nivel internacional, incluídos anuncios televisivos...
_Puesto que lo mío es más bien el cine y mi desconocimiento de este campo, tan interesante e influyente, es casi total, dejo algunos enlaces para profundizar:
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http://www.guzmanurrero.es/index.php?option=com_content&task=view&id=164&Itemid=32 historia de la publicidad
http://www.aeap.es/recursos/recursos.asp?apt=3 festivales de publicidad
http://www.mityc.es/MediosAudiovisuales/Secciones/Contenidos/Publicidad/ legislación
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directores para la historia: INGMAR BERGMAN
_Refiriéndose a Ingmar Bergman, nacido en 1918 en la ciudad sueca de Uppsala, y a sus películas, Jean-Luc Godard dijo que era imposible ser moderno de manera más clásica. En 1958, cuando se proyectó en la Cinémateque Française un ciclo con las 19 películas realizadas por el director sueco de cine y de teatro, que entonces tenía cuarenta años, el grupo de la nouvelle vague en pleno estaba en la sala y quedó asombrado con Barco a la India (1947) y Prisión (1949), donde la juventud está en lucha con un mundo adulto despiadado o una joven prostituta se ve arrastrada al suicidio. Esos eran también sus temas. Directores como Truffaut y Godard se percataron de inmediato. Y quedaron impresionados con el inusual lenguaje cinematográfico de Bergman, con el cambio brusco de planos panorámicos y planos cercanos. Un crítico afirmó que en los primeros planos de los rostros puede reconocerse si una película le salió bien a Bergman o no. Si le falla un rostro, le falla toda la obra.
_El bergman rebelde de los años cuarenta y cincuenta, con chaqueta de cuero y chapela, formando su talento de director en los escenarios teatrales de Estocolmo, Malmö, Göteborg y Helsingborg, llegó al cine a través de un trabajo extra como guionista para el Instituto de Cine Sueco. En otoño, invierno y primavera, hacía teatro para luego, en verano, rodar a toda prisa una película con los mismos intérpretes. Algunos intérpretes como Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Liv Ullman y Max Von Sydow están ligados de forma casi inseparable a las películas de Bergman. Al director le gustaba escribir guiones con argumentos próximos a su propia realidad, y sus actrices eran a menudo también sus amores. No obstante, siempre mantenía difusos límites entre autobiografía y ficción. El título de sus memorias, La linterna mágica, podría servir de metáfora de su obra cinematográfica. Hacer películas siempre significó para él algo así como cazar fantasmas.
_Bergman, ya muy anciano vivió en la isla de Farö en una casa con una sala de cine particular. Murió en 2007, curiosamente al mismo tiempo que otro gran cineasta: Michelangelo Antonioni.
_Entre su fascinante y catártica filmografía destacan títulos como "Un verano con Mónica", "Fresas salvajes", "El séptimo sello", "El manantial de la doncella", "Persona", "Gritos y susurros", "Fanny y Alexander" y su magnífica despedida del cine "Saraband". Apenas es preciso comentar que varias de ellas son obras maestras absolutas, y que su contribución al arte cinematográfico es enorme. Un maestro.
:::
a partir de un texto de Cine de los 50, Jürgen Müller (taschen, 2005)
http://www.imdb.com/name/nm0000005/ ficha de Ingmar Bergman en imdb
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comentarios
39escalones dijo...
Bergman es el cineasta de la introspección, del alma atormentada, del complejo y el trauma, de la espiritualidad. Su cine va adquiriendo mayor envergadura con el paso del tiempo. Para mí es uno de los diez más grandes de la Historia.Saludos
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_El bergman rebelde de los años cuarenta y cincuenta, con chaqueta de cuero y chapela, formando su talento de director en los escenarios teatrales de Estocolmo, Malmö, Göteborg y Helsingborg, llegó al cine a través de un trabajo extra como guionista para el Instituto de Cine Sueco. En otoño, invierno y primavera, hacía teatro para luego, en verano, rodar a toda prisa una película con los mismos intérpretes. Algunos intérpretes como Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Liv Ullman y Max Von Sydow están ligados de forma casi inseparable a las películas de Bergman. Al director le gustaba escribir guiones con argumentos próximos a su propia realidad, y sus actrices eran a menudo también sus amores. No obstante, siempre mantenía difusos límites entre autobiografía y ficción. El título de sus memorias, La linterna mágica, podría servir de metáfora de su obra cinematográfica. Hacer películas siempre significó para él algo así como cazar fantasmas.
_Bergman, ya muy anciano vivió en la isla de Farö en una casa con una sala de cine particular. Murió en 2007, curiosamente al mismo tiempo que otro gran cineasta: Michelangelo Antonioni.
_Entre su fascinante y catártica filmografía destacan títulos como "Un verano con Mónica", "Fresas salvajes", "El séptimo sello", "El manantial de la doncella", "Persona", "Gritos y susurros", "Fanny y Alexander" y su magnífica despedida del cine "Saraband". Apenas es preciso comentar que varias de ellas son obras maestras absolutas, y que su contribución al arte cinematográfico es enorme. Un maestro.
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a partir de un texto de Cine de los 50, Jürgen Müller (taschen, 2005)
http://www.imdb.com/name/nm0000005/ ficha de Ingmar Bergman en imdb
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comentarios
39escalones dijo...
Bergman es el cineasta de la introspección, del alma atormentada, del complejo y el trauma, de la espiritualidad. Su cine va adquiriendo mayor envergadura con el paso del tiempo. Para mí es uno de los diez más grandes de la Historia.Saludos
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