_Roger Corman, nacido en 1926, es quizá el ejemplo más destacable de una trayectoria cinematográfica, llena de éxitos comerciales y críticos, al margen de los grandes presupuestos y los cauces convencionales del cine hollywoodiense.
_Cuando se piensa en la excusa del dinero para eludir la falta de talento, emerge la figura de Roger Corman para demostrar una y otra vez que se pueden hacer obras maestras con poco dinero pero mucho talento. Corman, como quien no quiere la cosa, ha dejado una filmografía impresionante, dando muestras constantes de que se puede hacer muy buen cine con poco dinero, porque el buen cine se hace con algún dinero (poco o mucho) pero siempre con mucho talento.
_Hay que señalar que, además de su labor como gran realizador norteamericano, justamente reivindicado por la crítica, y con un talento genial para el tratamiento de las escenas oníricas, Corman ejerció de mentor cinematográfico de cineastas como Scorsese, Coppola, Bogdanovich... por citar sólo a algunos, y de actores como Jack Nicholson y Robert de Niro. Además, a su paso por American International Pictures y luego en New World, desde los márgenes de la industria, desde la gloriosa serie B, ensanchó las perspectivas cinematográficas de la conservadora norteamérica, con sus propias producciones y estrenando en EE.UU. importantes realizaciones europeas de directores de la talla de Bergman, Fellini...
_Roger Corman, a quien hay que considerar un director de primer nivel, todo un artista, tuvo el secreto de su éxito en el talento. El talento del que supo rodearse, con el mérito de ver antes que nadie el talento de otros cineastas y artistas, y de fomentarlo sin envidias, y por supuesto el talento propio que derramó en numerosas películas, en especial de terror y ciencia-ficción. Además de un director para la historia del cine, todo un ejemplo para quienes amamos el cine y para quienes quieren hacer cine.
_Su filmografía es estimulante e inmensa, y señalar unas pocas películas algo injusto, pero "Not of this earth" (1957), "The undead" (1957), "The last woman on earth" (1959), "La caída de la casa Usher" (1960), "The little shop of horrors" (1960), "El hombre con rayos X en los ojos" (1963), "La máscara de la muerte roja" (1964), "La matanza del día de San Valentín" (1967) y "Mamá sangrienta" (1970) quizá sean sus obras más logradas. Y entre ellas hay clásicos, obras maestras y películas admirables. Especialmente memorables son sus ya clásicas peliculas de ciencia ficción, y sus obras de terror basadas en Edgar Allan Poe.
_Para profundizar, de todas formas, en la filmografía seleccionada que sigue, recomiendo acudir a más fuentes, por ejemplo su propio libro:
-Roger Corman. Cómo hice cien films en Hollywood y nunca perdí un céntimo, Roger Corman y Jim Jerome (Laertes, 1992 -original 1990)
Y también la clásica y cada vez mejor:
-Guía del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2006)
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filmografía seleccionada
Cinco pistolas (1955)
The day the world ended (1956)
The gunslinger (1956)
It conquered the world (1956)
Attack of the crab monsters (1957)
Not of this earth (1957)
The undead (1957)
Teenage caveman (1958)
A bucket of blood (1959)
The last woman on earth (1959)
La caída de la Casa Usher (1960)
The little shop of horrors (1960)
Creature from the haunted sea (1961)
The intruder (1961)
Historias de terror (1962)
La obsesión (1962)
El péndulo de la muerte (1962)
El cuervo (1963)
The haunted palace (1963)
La máscara de la muerte roja (1964)
Secreta invasión (1964)
La matanza del día de San Valentín (1967)
The trip (1967)
Mamá sangrienta (1970)
El barón rojo (1971)
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http://www.imdb.com/name/nm0000339/
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22/12/08
directores para la historia: RUSS MEYER
_Nacido en 1922, el inquieto, cinéfilo y apasionado del busto femenino, Russ Meyer, tras la segunda guerra mundial fue fotógrafo para la revista Playboy. Iba bien encaminado el hombre, pues es conocido por dirigir y escribir películas satíricas, de bajo presupuesto pero originales y atrevidas, con actrices de pecho más que generoso. Sobre las casi imposibles tallas de sujetador de sus protagonistas (y entonces no se hacían implantes de silicona) el director relató en cierta ocasión que abandonó la virginidad en un burdel y eligió, obviamente, a la que tenía las tetas más grandes. Ante la duda…
_Sus películas, exitosas y hasta reivindicadas por la crítica especializada, trascienden, tras su etapa como director de nudie films, la común sexploitation, y son más cómicas y ácidas (incluso a veces recuerdan a los cartoon de ritmo endiablado) que sexuales. Sus películas son divertidas y animadas fantasías eróticas.
_Meyer era un exponente de la contracultura americana de su tiempo, según él la persona que más había hecho por la decadencia de la sociedad americana, a la que criticaba con sorna en sus películas, vivos y personales recorridos cinematográficos llenos de humor y alegría de vivir.
_Sin lugar a dudas era un autor, y su éxito fruto de una gran soltura con la cámara y con el montaje, a menudo creativo. Aunque empezó con nudies como “The inmoral Mr. Teas" (1959), se afianzó con el clásico “Faster, Pussycat! Kill Kill! (1965), y luego continuó la senda con la también clásica “Vixen!” (1968), más tarde “Cherry, Harry & Rachel” (1970), la exitosa “Beyond the valley of the dolls” (1970) y “Supervixens” (1975), entre otras. Sin embargo, la censura de la época lo perseguía por pornográfico, aunque más bien era erótico y cómico, incluso en su tratamiento de la violencia.
_Afortunadamente inclasificable, como tantos directores relacionados con el erotismo, Russ Meyer gozó de una larga vida y murió en 2004, con 82 años.
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http://www.imdb.com/name/nm0000540/
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_Sus películas, exitosas y hasta reivindicadas por la crítica especializada, trascienden, tras su etapa como director de nudie films, la común sexploitation, y son más cómicas y ácidas (incluso a veces recuerdan a los cartoon de ritmo endiablado) que sexuales. Sus películas son divertidas y animadas fantasías eróticas.
_Meyer era un exponente de la contracultura americana de su tiempo, según él la persona que más había hecho por la decadencia de la sociedad americana, a la que criticaba con sorna en sus películas, vivos y personales recorridos cinematográficos llenos de humor y alegría de vivir.
_Sin lugar a dudas era un autor, y su éxito fruto de una gran soltura con la cámara y con el montaje, a menudo creativo. Aunque empezó con nudies como “The inmoral Mr. Teas" (1959), se afianzó con el clásico “Faster, Pussycat! Kill Kill! (1965), y luego continuó la senda con la también clásica “Vixen!” (1968), más tarde “Cherry, Harry & Rachel” (1970), la exitosa “Beyond the valley of the dolls” (1970) y “Supervixens” (1975), entre otras. Sin embargo, la censura de la época lo perseguía por pornográfico, aunque más bien era erótico y cómico, incluso en su tratamiento de la violencia.
_Afortunadamente inclasificable, como tantos directores relacionados con el erotismo, Russ Meyer gozó de una larga vida y murió en 2004, con 82 años.
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http://www.imdb.com/name/nm0000540/
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18/12/08
directores para la historia: GERARD DAMIANO + pioneros del cine sexual
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24/10/08
directores para la historia: JESÚS FRANCO
_Jesús Franco, nacido en 1936, es el director español más prolífico de la historia del cine español, y todavía sigue en activo. Internacionalmente conocido también como Jess Franco y decenas de pseudónimos más, la cinemateca francesa le dedicó recientemente una selecta retrospectiva con unos 70 films de entre sus más de 200 títulos de, todo hay que decirlo, muy desigual inventiva, interés y calidad.
_Dada la condición underground, marginal, de casi toda su filmografía no es fácil poder ver sus obras más reconocidas, rodadas en medio mundo, con montajes dispares según los países de estreno, censuras, insertos rodados y añadidos por distribuidores..., pero este director de culto espera morir con la cámara al hombro, rodando. El cine como modo y medio de vida.
_En su época dorada, entre los 60 y primeros 70, Jesús Franco rodó obras tan sugerentes y personales como "Gritos en la noche" (1961); "Miss Muerte" (1965), quizá su obra maestra; la fascinante "Necronomicón" (1967), alabada incluso por el gran Fritz Lang; "El castillo de Fu-Manchú" (1968); "Eugenie", "Venus in furs" y "El conde Drácula" (todas rodadas en 1969); "Las vampiras" (1970), también conocida como "Vampyros lesbos", con una inolvidable Soledad Miranda; "Diario íntimo de una ninfómana" (1972); "Cartas de amor de una monja portuguesa" (1976), una de las preferidas por el propio autor...
_Su cine, en sus mejores obras revela una admiración por el genial Orson Welles (con quien llegó a trabajar en "Campanadas a medianoche", y del que elaboró un montaje muy discutible sobre lo que Welles rodó en torno al Quijote), un peculiar sentido del humor, particulares concepciones visuales muy deudoras del cómic, una fascinante y moderna mezcla de fantasía, erotismo y terror, además de estimulantes canciones y bandas sonoras con gran predilección por el jazz. Tampoco hay que olvidar una perversa atracción y admiración por la obra del Marqués de Sade.
_Desde su prematura y muy honda decadencia, que quizá no conoce parangón en la historia del cine, la cantidad no ha ido pareja con la calidad, aunque por fortuna siempre nos quedará la sugestiva atmósfera irreal de un film tan fascinante como "Necronomicón", o el refinado erotismo de "Las vampiras", uno de cuyos temas, compuesto por el propio Franco, fue utilizado en "Jackie Brown" por esa rata de video-club llamada Tarantino, uno de tantos confesos admiradores de Jess Franco.
_
.:. algunos enlaces
http://www.imdb.com/name/nm0001238/
http://www.cinematheque.fr/fr/nosactivites/projections/cycles-cinema/cycle/C174-jess-franco.htm?page=1&sceances_en_cours=&tri_alpha=asc&tri_chrono=
http://admablogg.blogspot.com/2007/08/entrevista-con-jess-franco.html
_
.:. alguna bibliografía
-Jess Franco. El sexo del horror, Carlos Aguilar (Ed. Glittering Images -Italia, 1999)
Estudio de la obra de Jesús Franco por uno de los críticos de cine españoles más reputados a nivel internacional.
-Memorias del tio Jess, Jesús Franco (Ed. Aguilar, 2004) La autobiografía de Jesús Franco.
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_Dada la condición underground, marginal, de casi toda su filmografía no es fácil poder ver sus obras más reconocidas, rodadas en medio mundo, con montajes dispares según los países de estreno, censuras, insertos rodados y añadidos por distribuidores..., pero este director de culto espera morir con la cámara al hombro, rodando. El cine como modo y medio de vida.
_En su época dorada, entre los 60 y primeros 70, Jesús Franco rodó obras tan sugerentes y personales como "Gritos en la noche" (1961); "Miss Muerte" (1965), quizá su obra maestra; la fascinante "Necronomicón" (1967), alabada incluso por el gran Fritz Lang; "El castillo de Fu-Manchú" (1968); "Eugenie", "Venus in furs" y "El conde Drácula" (todas rodadas en 1969); "Las vampiras" (1970), también conocida como "Vampyros lesbos", con una inolvidable Soledad Miranda; "Diario íntimo de una ninfómana" (1972); "Cartas de amor de una monja portuguesa" (1976), una de las preferidas por el propio autor...
_Su cine, en sus mejores obras revela una admiración por el genial Orson Welles (con quien llegó a trabajar en "Campanadas a medianoche", y del que elaboró un montaje muy discutible sobre lo que Welles rodó en torno al Quijote), un peculiar sentido del humor, particulares concepciones visuales muy deudoras del cómic, una fascinante y moderna mezcla de fantasía, erotismo y terror, además de estimulantes canciones y bandas sonoras con gran predilección por el jazz. Tampoco hay que olvidar una perversa atracción y admiración por la obra del Marqués de Sade.
_Desde su prematura y muy honda decadencia, que quizá no conoce parangón en la historia del cine, la cantidad no ha ido pareja con la calidad, aunque por fortuna siempre nos quedará la sugestiva atmósfera irreal de un film tan fascinante como "Necronomicón", o el refinado erotismo de "Las vampiras", uno de cuyos temas, compuesto por el propio Franco, fue utilizado en "Jackie Brown" por esa rata de video-club llamada Tarantino, uno de tantos confesos admiradores de Jess Franco.
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.:. algunos enlaces
http://www.imdb.com/name/nm0001238/
http://www.cinematheque.fr/fr/nosactivites/projections/cycles-cinema/cycle/C174-jess-franco.htm?page=1&sceances_en_cours=&tri_alpha=asc&tri_chrono=
http://admablogg.blogspot.com/2007/08/entrevista-con-jess-franco.html
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.:. alguna bibliografía
-Jess Franco. El sexo del horror, Carlos Aguilar (Ed. Glittering Images -Italia, 1999)
Estudio de la obra de Jesús Franco por uno de los críticos de cine españoles más reputados a nivel internacional.
-Memorias del tio Jess, Jesús Franco (Ed. Aguilar, 2004) La autobiografía de Jesús Franco.
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29/8/08
INGRID BERGMAN, actriz y mujer para la historia
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La felicidad es tener buena salud y mala memoria.
_Ingrid Bergman
.
:::
Ingrid Bergman rodó tres películas con Alfred Hitchcock: Recuerda (1945), Encadenados (1946) y Atormentada (1949). Fue la primera de las grandes actrices del equipo habitual del director, "cargo" que también ostentarían Grace Kelly y Tippi Hedren. A pesar de que el cineasta se sintió enormemente defraudado cuando Bergman decidió dar por terminada su colaboración, ambos mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del británico.
_Hitchcock no era el único, la excepcional artista, nacida en Estocolmo en 1915, tenía el mundo a sus pies. Era la quintaesencia de la belleza natural, a la que cabía sumar una presencia de enorme nobleza y una profesionalidad sin par. El productor David O. Selznick descubrió a la estrella sueca en 1938. Poco tiempo después de llegar a Hollywood ya podía permitirse rodar sólo una película por año. Así, uno tras otro, fueron apareciendo clásicos como Casablanca (1942), Por quién doblan las campanas (1943) y Luz que agoniza (1944).
_Sin embargo, su reputación intachable se tornó pronto en un aura de perdición, puesto que, durante la filmación de Strómboli (1949) se enamoró del director Roberto Rossellini y abandonó a su esposo e hijos. La actriz sería anatemizada por la opinión pública hasta que, años después, su papel en Anastasia (1956) le valió su segundo oscar.
_En los años siguientes, Ingrid Bergman participó tanto en proyectos europeos como estadounidenses, y disfrutó de triunfos tardíos gracias a Sonata de otoño (1978), de Ingmar Bergman, y su interpretación de la primera ministar israelí Golda Meir en el telefilme Una mujer llamada Golda (1982).
_Ingrid Bergman falleció en Londres en 1982 a la edad de sesenta y siete años. De su matrimonio con Rossellini nació la también actriz Isabella Rossellini.
:
Cine de los 40, Jürgen Müller, (Taschen 2005)
:
añadir que...
_Ingrid Bergman nació un 29 de agosto de 1915 y murió un 29 de agosto de 1982, una auténtica virgo del primer decanato, desde el principio y hasta el final. Murió el día de su cumpleaños, curiosa coincidencia o marca del destino.
_Su compatriota Ingmar Bergman dijo de ella que era una anarquista imprevisible, y también se ha aireado cierta frialdad sentimental a pesar de las apariencias (toda luz tiene su sombra) pero desde luego ha quedado para la historia (y quedará) como una de las apariciones más maravillosas que ha visto jamás el mundo del cine, tan maravilloso, entre otras cosas gracias a figuras de la belleza, encanto y naturalidad de Ingrid Bergman.
_El cineasta y crítico Jonas Mekas afirmó en su Diario de cine que prefería un film de Ingrid Bergman que diez de su compatriota Ingmar Bergman. Sin menospreciar al gran director sueco, al que admiro mucho, la verdad es que casi estoy por darle toda la razón a Mekas. Ingrid Bergman expresaba una alegría de vivir maravillosa.
_Estas breves líneas apenas pueden hacer un mínimo de justicia a la inmensa actriz, mito del cine y mujer con todas las letras, que fue Ingrid Bergman.
_La lista de películas inolvidables en las que intervino es enorme, y la serenidad luminosa de su rostro y la suave cadencia de sus gestos y movimientos quedan como cumbres, para la mayoría inalcanzables, sobre lo que es ser toda una mujer.
_Para mí es la idea que los dioses tenían sobre qué debía ser una mujer... para bien y para mal, se trataba de una virgo del primer decanato...
_Todos seguimos teniendo el enorme privilegio de disfrutar de su naturalidad. Como dijo Blake, "exuberancia es belleza", y la gran actriz desbordaba esa belleza honda y serena que está reservada a las verdaderas diosas.
_Su belleza era profunda, su aura traspasa las décadas y perdurará mientras exista la raza humana. Grande entre las grandes, la gracia hecha mujer.
_Si tuviera, los dioses no lo quieran, que quedarme con una sola actriz de toda la historia del cine me quedaría con Ingrid Bergman, no concibo el cine sin ella, me faltaría algo... el aire al respirar.
¡Qué mujer!
:
::
http://www.imdb.com/find?s=all&q=ingrid+bergman
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La felicidad es tener buena salud y mala memoria.
_Ingrid Bergman
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Ingrid Bergman rodó tres películas con Alfred Hitchcock: Recuerda (1945), Encadenados (1946) y Atormentada (1949). Fue la primera de las grandes actrices del equipo habitual del director, "cargo" que también ostentarían Grace Kelly y Tippi Hedren. A pesar de que el cineasta se sintió enormemente defraudado cuando Bergman decidió dar por terminada su colaboración, ambos mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del británico.
_Hitchcock no era el único, la excepcional artista, nacida en Estocolmo en 1915, tenía el mundo a sus pies. Era la quintaesencia de la belleza natural, a la que cabía sumar una presencia de enorme nobleza y una profesionalidad sin par. El productor David O. Selznick descubrió a la estrella sueca en 1938. Poco tiempo después de llegar a Hollywood ya podía permitirse rodar sólo una película por año. Así, uno tras otro, fueron apareciendo clásicos como Casablanca (1942), Por quién doblan las campanas (1943) y Luz que agoniza (1944).
_Sin embargo, su reputación intachable se tornó pronto en un aura de perdición, puesto que, durante la filmación de Strómboli (1949) se enamoró del director Roberto Rossellini y abandonó a su esposo e hijos. La actriz sería anatemizada por la opinión pública hasta que, años después, su papel en Anastasia (1956) le valió su segundo oscar.
_En los años siguientes, Ingrid Bergman participó tanto en proyectos europeos como estadounidenses, y disfrutó de triunfos tardíos gracias a Sonata de otoño (1978), de Ingmar Bergman, y su interpretación de la primera ministar israelí Golda Meir en el telefilme Una mujer llamada Golda (1982).
_Ingrid Bergman falleció en Londres en 1982 a la edad de sesenta y siete años. De su matrimonio con Rossellini nació la también actriz Isabella Rossellini.
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Cine de los 40, Jürgen Müller, (Taschen 2005)
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añadir que...
_Ingrid Bergman nació un 29 de agosto de 1915 y murió un 29 de agosto de 1982, una auténtica virgo del primer decanato, desde el principio y hasta el final. Murió el día de su cumpleaños, curiosa coincidencia o marca del destino.
_Su compatriota Ingmar Bergman dijo de ella que era una anarquista imprevisible, y también se ha aireado cierta frialdad sentimental a pesar de las apariencias (toda luz tiene su sombra) pero desde luego ha quedado para la historia (y quedará) como una de las apariciones más maravillosas que ha visto jamás el mundo del cine, tan maravilloso, entre otras cosas gracias a figuras de la belleza, encanto y naturalidad de Ingrid Bergman.
_El cineasta y crítico Jonas Mekas afirmó en su Diario de cine que prefería un film de Ingrid Bergman que diez de su compatriota Ingmar Bergman. Sin menospreciar al gran director sueco, al que admiro mucho, la verdad es que casi estoy por darle toda la razón a Mekas. Ingrid Bergman expresaba una alegría de vivir maravillosa.
_Estas breves líneas apenas pueden hacer un mínimo de justicia a la inmensa actriz, mito del cine y mujer con todas las letras, que fue Ingrid Bergman.
_La lista de películas inolvidables en las que intervino es enorme, y la serenidad luminosa de su rostro y la suave cadencia de sus gestos y movimientos quedan como cumbres, para la mayoría inalcanzables, sobre lo que es ser toda una mujer.
_Para mí es la idea que los dioses tenían sobre qué debía ser una mujer... para bien y para mal, se trataba de una virgo del primer decanato...
_Todos seguimos teniendo el enorme privilegio de disfrutar de su naturalidad. Como dijo Blake, "exuberancia es belleza", y la gran actriz desbordaba esa belleza honda y serena que está reservada a las verdaderas diosas.
_Su belleza era profunda, su aura traspasa las décadas y perdurará mientras exista la raza humana. Grande entre las grandes, la gracia hecha mujer.
_Si tuviera, los dioses no lo quieran, que quedarme con una sola actriz de toda la historia del cine me quedaría con Ingrid Bergman, no concibo el cine sin ella, me faltaría algo... el aire al respirar.
¡Qué mujer!
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http://www.imdb.com/find?s=all&q=ingrid+bergman
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16/5/08
actrices para la historia: MAUREEN O'HARA
_ Recibió el apodo de “reina del tecnicolor” por la forma en que brillaban su larga y salvaje melena pelirroja en la gran pantalla y el color verde esmeralda de sus ojos. Las malas lenguas dijeron que había sido el “conejillo de indias” ideal para experimentar nuevos sistemas de color. De hecho, la propia actriz declaró con cierta melancolía que la contrataban para todo tipo de películas de aventuras, piratas y vaqueros pero que, tras el estreno de su primer film en tecnicolor, nunca más volvieron a llamarla para participar en aquellas maravillosas cintas en blanco y negro.
_Esta intérprete, nacida en agosto de 1920 cerca de Dublín con el nombre de Maureen FitzSimons, fue descubierta por Charles Laughton, junto al que protagonizó el último proyecto británico de Hitchcock, Posada Jamaica (1939). Además de llevarse a esta bailarina y cantante a Hollywood y conseguirle un contrato con la RKO, Laughton, junto con Erich Pommer, el productor de Posada Jamaica, también contribuyó decisivamente a que adoptara el apellido O’Hara. Ambos actores volvieron a coincidir en Esmeralda la zíngara (1939), de William Dieterle, él en el papel de campanero jorobado y ella en el de la salvaje y seductora bailarina gitana. Qué verde era mi valle (1941) representó el primer encuentro de la irlandesa con John Ford, director que volvería a confiar en ella en Río Grande (1950) y El hombre tranquilo (1952). En estas dos cintas, su compañero de reparto fue nada menos que John Wayne, todo un hombre duro al que O’Hara supo hacer frente con valentía. Su temperamento, su carácter en ocasiones masculino, su gesto provocador de colocar las manos sobre las caderas, su lengua viperina... todo esto hizo tambalear los cimientos machistas del western y puso en guardia a los arrogantes piratas. En La isla de los corsarios (1952), agarraba al pirata Errol Flynn, amarrado al mástil por los cabellos, le hacía girar la cabeza y le besaba con fuerza en los labios. Quizá asustaba a los hombres, pero siempre les ayudaba. John Wayne: “¿O’Hara? Un buen tipo”. En cuanto a mujeres hermosas, Wayne no tenía mucha idea.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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_Esta intérprete, nacida en agosto de 1920 cerca de Dublín con el nombre de Maureen FitzSimons, fue descubierta por Charles Laughton, junto al que protagonizó el último proyecto británico de Hitchcock, Posada Jamaica (1939). Además de llevarse a esta bailarina y cantante a Hollywood y conseguirle un contrato con la RKO, Laughton, junto con Erich Pommer, el productor de Posada Jamaica, también contribuyó decisivamente a que adoptara el apellido O’Hara. Ambos actores volvieron a coincidir en Esmeralda la zíngara (1939), de William Dieterle, él en el papel de campanero jorobado y ella en el de la salvaje y seductora bailarina gitana. Qué verde era mi valle (1941) representó el primer encuentro de la irlandesa con John Ford, director que volvería a confiar en ella en Río Grande (1950) y El hombre tranquilo (1952). En estas dos cintas, su compañero de reparto fue nada menos que John Wayne, todo un hombre duro al que O’Hara supo hacer frente con valentía. Su temperamento, su carácter en ocasiones masculino, su gesto provocador de colocar las manos sobre las caderas, su lengua viperina... todo esto hizo tambalear los cimientos machistas del western y puso en guardia a los arrogantes piratas. En La isla de los corsarios (1952), agarraba al pirata Errol Flynn, amarrado al mástil por los cabellos, le hacía girar la cabeza y le besaba con fuerza en los labios. Quizá asustaba a los hombres, pero siempre les ayudaba. John Wayne: “¿O’Hara? Un buen tipo”. En cuanto a mujeres hermosas, Wayne no tenía mucha idea.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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12/5/08
actores para la historia: HENRY FONDA
_Henry Fonda fue un actor de carácter imposible de encasillar. Su historia plagada de éxitos se extiende por distintos géneros y le permitió encarnar a los personajes más diversos de forma siempre creíble. Nacido en 1905, el actor dejó su trabajo en una oficina a finales de los años veinte para actuar en el teatro, entre otros, con James Stewart. En 1934 empezó a trabajar en Hollywood y en 1936 consiguió celebrar su primer éxito con Sólo se vive una vez, de Fritz Lang. No obstante, el triunfo le llegó con las películas de John Ford Corazones indomables (1939) y El joven Lincoln (1939). En estos trabajos ya se muestra la versatilidad del actor y su tendencia a no dejarse encasillar en un papel o en un género. Así, estuvo tan convincente actuando junto a Barbara Stanwyck en la comedia de enredo Las tres noches de Eva (1941) como lo estaría posteriormente en el papel de Bezukhov en la película histórica Guerra y paz (1956). En Fort Apache (1948), dejaba atrás la imagen de un héroe glorioso y asumía el papel de militar de carrera amargado que se malogra por culpa de su ambición ciega.
_Aún iría más lejos en la película de Sergio Leone Hasta que llegó su hora (1968), donde se ponía en la piel de un asesino a sangre fría. Igual de inolvidables son sus defensas como octavo miembro del jurado de Doce hombres sin piedad (1957), de Sidney Lumet, o su discurso en el drama social de John Ford Las uvas de la ira (1940).
_Sin embargo, a pesar de toda su versatilidad, Henry Fonda le debe al western la mayoría de sus éxitos, conquistados con películas como Cazador de forajidos (1957) o La conquista del Oeste (1962), o bien en parodias como Mi nombre es Ninguno (1973). El poderío de su fama de estrella se mostró en la película bélica El día más largo (1962), donde, al lado de otros grandes actores como John Wayne y Robert Mitchum, interpretaba al hijo del presidente Roosevelt. _Después de que a mediados de los sesenta actuara cada vez más en papeles para la televisión, consiguió un último momento de gloria interpretando al marido entrado en años de Katherine Hepburn y padre de Jane Fonda en En el estanque dorado (1981), de Mark Rydell, papel por el que fue justamente premiado con el oscar al mejor actor. No obstante no pudo recoger personalmente el premio a causa de su avanzada enfermedad. El actor murió poco después, el 12 de agosto de 1982 en Los Ángeles.
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-Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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_Aún iría más lejos en la película de Sergio Leone Hasta que llegó su hora (1968), donde se ponía en la piel de un asesino a sangre fría. Igual de inolvidables son sus defensas como octavo miembro del jurado de Doce hombres sin piedad (1957), de Sidney Lumet, o su discurso en el drama social de John Ford Las uvas de la ira (1940).
_Sin embargo, a pesar de toda su versatilidad, Henry Fonda le debe al western la mayoría de sus éxitos, conquistados con películas como Cazador de forajidos (1957) o La conquista del Oeste (1962), o bien en parodias como Mi nombre es Ninguno (1973). El poderío de su fama de estrella se mostró en la película bélica El día más largo (1962), donde, al lado de otros grandes actores como John Wayne y Robert Mitchum, interpretaba al hijo del presidente Roosevelt. _Después de que a mediados de los sesenta actuara cada vez más en papeles para la televisión, consiguió un último momento de gloria interpretando al marido entrado en años de Katherine Hepburn y padre de Jane Fonda en En el estanque dorado (1981), de Mark Rydell, papel por el que fue justamente premiado con el oscar al mejor actor. No obstante no pudo recoger personalmente el premio a causa de su avanzada enfermedad. El actor murió poco después, el 12 de agosto de 1982 en Los Ángeles.
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-Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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10/5/08
directores para la historia: VICTOR SJÖSTROM
_Nacido en Suecia, este actor y director del cine mudo pasó los seis primeros años de su vida en el barrio neoyorquino de Brooklyn; sus padres formaban parte del gran grupo de inmigrantes escandinavos. Al morir la madre, le enviaron de vuelta a Suecia, a casa de una tía; dejó los estudios en Uppsala y se hizo actor con una compañía ambulante de Finlandia. A partir de 1912, actuó en películas de su amigo Mauritz Stiller (por ejemplo, Vampyren, 1913) y también trabajó de director
_Los filmes de ambos tuvieron una importancia decisiva en el desarrollo de la cinematografía sueca, que fue madurando hasta convertirse en la más exigente de Europa en el aspecto estético. Las fuerzas de la naturaleza, como el viento, el mar y los volcanes, tuvieron por primera vez funciones simbólicas para representar visualmente estados anímicos. En 1922, Louis B. Mayer contrató a Sjöstrom para trabajar en el estudio que, a partir de 1929, firmaría como MGM. Con el nombre de Seastrom, el sueco dirigió nueve películas, entre las que se cuentan algunos trabajos con Lillian Gish (El viento, 1928) y Greta Garbo (La mujer divina, 1927).
_Al implantarse el sonoro, Sjöstrom regresó a Suecia y, con dos excepciones, trabajó sólo de actor en algunas películas. Para todos los directores que le confiaron algún papel, el artista fue algo así como una fuente de la historia del cine escandinavo y norteamericano, con un fondo al que era un placer recurrir en busca de experiencia.
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(Cine de los 40, Taschen)
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añadir que...
El viento es una de las grandes obras maestras del cine mudo, en la que verderamente se oye el viento, aún siendo muda.
El papel más recordado de Sjöstrom es el del viejo profesor del clásico de Ingmar Bergman Fresas salvajes.
Victor Sjöstrom vivió entre 1879 y 1960.
http://www.imdb.com/name/nm0803705/
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_Los filmes de ambos tuvieron una importancia decisiva en el desarrollo de la cinematografía sueca, que fue madurando hasta convertirse en la más exigente de Europa en el aspecto estético. Las fuerzas de la naturaleza, como el viento, el mar y los volcanes, tuvieron por primera vez funciones simbólicas para representar visualmente estados anímicos. En 1922, Louis B. Mayer contrató a Sjöstrom para trabajar en el estudio que, a partir de 1929, firmaría como MGM. Con el nombre de Seastrom, el sueco dirigió nueve películas, entre las que se cuentan algunos trabajos con Lillian Gish (El viento, 1928) y Greta Garbo (La mujer divina, 1927).
_Al implantarse el sonoro, Sjöstrom regresó a Suecia y, con dos excepciones, trabajó sólo de actor en algunas películas. Para todos los directores que le confiaron algún papel, el artista fue algo así como una fuente de la historia del cine escandinavo y norteamericano, con un fondo al que era un placer recurrir en busca de experiencia.
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(Cine de los 40, Taschen)
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añadir que...
El viento es una de las grandes obras maestras del cine mudo, en la que verderamente se oye el viento, aún siendo muda.
El papel más recordado de Sjöstrom es el del viejo profesor del clásico de Ingmar Bergman Fresas salvajes.
Victor Sjöstrom vivió entre 1879 y 1960.
http://www.imdb.com/name/nm0803705/
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8/5/08
MAX STEINER, música para la historia del cine
_¿Qué tienen en común los marineros del Caine con King Kong? Que la música para ambos proyectos fue creada por Max Steiner, al que suele considerarse el padre de la composición cinematográfica moderna. Es cierto que las proyecciones de películas mudas se amenizaban con música pero solía suceder que el pianista o la orquesta interpretaban las notas a su libre albedrío o incluso improvisaban para subrayar las distintas emociones según sus gustos personales. Eso cambiaría con la llegada del sonoro. King Kong (1933) fue una de las primeras producciones en las que la música de fondo desempeñó un papel determinante. Sorprendentemente, Steiner recibió carta blanca y, dado que el coste no era un problema, compuso una partitura para 46 instrumentos cuando lo habitual en aquellos tiempos eran como mucho 10. Así, no solo logró un sonido impresionante y potente, sino que incluso creo un leitmotiv para King Kong, que subrayaba su carácter primitivo y amenazador del enorme simio. La música se convirtió en un ingrediente fundamental de la caracterización y la historia, y realizó una contribución inestimable al éxito de la película, que batió todos los récords de público en plena depresión económica. El nuevo concepto cuajó rápidamente y a Steiner no tardaron en salirle imitadores.
_No se trataba solo de describir musicalmente a los personajes: el compositor adaptaba el ritmo y la orquestación a los distintos escenarios, como demuestra la banda sonora que compuso para El tesoro de Sierra Madre (1947), en la que los toques de folclore mexicano se sumaban al colorido local. En Casablanca (1942) trató de adaptarse al tema de la película combinando elementos de los himnos nacionales francés y alemán. Dado que la música de Steiner siempre buscaba la forma más directa de expresar sentimientos, hoy en día está catalogado como un compositor de clichés. A pesar de todo, la influencia de su trabajo es indiscutible e inolvidable: los arreglos de viento y cuerda del tema de Tara de Lo que el viento se llevó (1939) constituyen una de las melodías cinematográficas más populares de la historia.
_Junto a otros pioneros como Erich Wolfang Korngold y Franz Waxman, Steiner hizo de la música un factor indispensable de la industria cinematográfica casi de la noche a la mañana. En 1935 ya se entregaron los primeros oscars a la mejor banda sonora y canción. El propio Steiner fue candidato más de 20 veces y se hizo con la estatuilla en tres ocasiones.
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-Cine de los 40, ed. Taschen
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_No se trataba solo de describir musicalmente a los personajes: el compositor adaptaba el ritmo y la orquestación a los distintos escenarios, como demuestra la banda sonora que compuso para El tesoro de Sierra Madre (1947), en la que los toques de folclore mexicano se sumaban al colorido local. En Casablanca (1942) trató de adaptarse al tema de la película combinando elementos de los himnos nacionales francés y alemán. Dado que la música de Steiner siempre buscaba la forma más directa de expresar sentimientos, hoy en día está catalogado como un compositor de clichés. A pesar de todo, la influencia de su trabajo es indiscutible e inolvidable: los arreglos de viento y cuerda del tema de Tara de Lo que el viento se llevó (1939) constituyen una de las melodías cinematográficas más populares de la historia.
_Junto a otros pioneros como Erich Wolfang Korngold y Franz Waxman, Steiner hizo de la música un factor indispensable de la industria cinematográfica casi de la noche a la mañana. En 1935 ya se entregaron los primeros oscars a la mejor banda sonora y canción. El propio Steiner fue candidato más de 20 veces y se hizo con la estatuilla en tres ocasiones.
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-Cine de los 40, ed. Taschen
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5/5/08
CARY GRANT, actor y hombre para la historia
_Nacido en Bristol en 1904 con el nombre de Archibald Alexander Leach, Grant comenzó su carrera en 1917 en un grupo de acróbatas, con el que viajó a EE.UU. en 1920. Decidió quedarse en Nueva York, donde sobrevivió con todo tipo de trabajos temporales hasta que logró participar en varios musicales de Broadway. En 1932 se trasladó a Hollywood, donde firmó un contrato con la Paramount. A los estudios no les convencía su nombre y, siguiendo el consejo de su amiga Fay Wray, el actor adoptó el seudónimo de Cary Grant. Durante los años siguientes se especializó en papeles de joven amante de mujeres “devorahombres” de más edad, siendo por ejemplo pareja de Marlene Dietrich y Mae West. Su lanzamiento definitivo se produjo a raíz de su interpretación en La fiera de mi niña (1938), película que se convirtió en la primera de una serie de comedias románticas protagonizadas por él. Su contrato con la Paramount había expirado el año anterior, con lo que Grant fue la primera estrella de Hollywood que consiguió trabajar sin estar vinculado a ningún estudio.
_Durante toda su carrera, el actor encarnó caballeros sofisticados que eran la quintaesencia del buen hacer tradicional, una imagen que marcó incluso sus papeles cómicos. Alfred Hitchcock utilizó hábilmente esta circunstancia en Sospecha (1941), cinta en la que hasta el último momento no se desvela si Grant es o no un insidioso asesino. El intérprete colaboró en otras tres películas del maestro del suspense, entre las que destaca Con la muerte en los talones (1959). En el mundillo cinematográfico, este artista era conocido por su compromiso con las nuevas generaciones y por trabajar con directores poco experimentados, como Delmer Daves, Richard Brooks o Blake Edwards.
_Hasta su retiro en 1966, Grant participó en 74 largometrajes. Tras esta fecha, asumió diversos puestos como asesor en empresas del sector cinematográfico, por ejemplo en Fabergé. En 1970 recibió un oscar honorífico por el conjunto de su carrera de las manos de Frank Sinatra. Cary Grant falleció en 1986 en Davenport (Iowa). Tenía ochenta y dos años.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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añadir que...
En Arsénico por compasión, Cary Grant está inolvidablemente digno y divertido, dos cualidades que van asociadas a su elegancia y porte distinguido.
Actor y modelo de hombre para la historia, el propio Cary Grant quería ser Cary Grant.
http://www.imdb.com/name/nm0000026/
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_Durante toda su carrera, el actor encarnó caballeros sofisticados que eran la quintaesencia del buen hacer tradicional, una imagen que marcó incluso sus papeles cómicos. Alfred Hitchcock utilizó hábilmente esta circunstancia en Sospecha (1941), cinta en la que hasta el último momento no se desvela si Grant es o no un insidioso asesino. El intérprete colaboró en otras tres películas del maestro del suspense, entre las que destaca Con la muerte en los talones (1959). En el mundillo cinematográfico, este artista era conocido por su compromiso con las nuevas generaciones y por trabajar con directores poco experimentados, como Delmer Daves, Richard Brooks o Blake Edwards.
_Hasta su retiro en 1966, Grant participó en 74 largometrajes. Tras esta fecha, asumió diversos puestos como asesor en empresas del sector cinematográfico, por ejemplo en Fabergé. En 1970 recibió un oscar honorífico por el conjunto de su carrera de las manos de Frank Sinatra. Cary Grant falleció en 1986 en Davenport (Iowa). Tenía ochenta y dos años.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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añadir que...
En Arsénico por compasión, Cary Grant está inolvidablemente digno y divertido, dos cualidades que van asociadas a su elegancia y porte distinguido.
Actor y modelo de hombre para la historia, el propio Cary Grant quería ser Cary Grant.
http://www.imdb.com/name/nm0000026/
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2/5/08
actrices para la historia: GENE TIERNEY
_Considerada una de las bellezas más arrebatadoras del cine hollywoodiense de los años cuarenta, era la elección ideal para interpretar el personaje titular de Laura (1944).
_ Gene Tierney, una morena de pómulos marcados y sonrisa deslumbrante, nació en 1920 en el seno de una acomodada familia neoyorquina en Brooklyn. Su padre no se limitó a enviarla a las mejores escuelas; también la animó a seguir su vocación de actriz de teatro. Así, a los diecinueve años Tierney debutó en Broadway, donde llamó la atención de Darryl F. Zanuck, quien la fichó para la Fox y lanzó su carrera. En poco tiempo se convirtió en una estrella. Películas como La venganza de Frank James (1940) de Fritz Lang; La ruta del tabaco (1940-41), de John Ford; El embrujo de Shanghai (1941) de Joseg von Sternberg, o El cielo puede esperar (1943) de Ernst Lubitsch, le brindaron la oportunidad de trabajar a las órdenes de algunos de los mejores directores del momento.
_Aparte de Laura, posiblemente su personaje más destacado sea el que interpretó en la romántica historia de espíritus El fantasma y la señora Muir (1947), de Joseph L. Mankiewicz, en la que encarnaba a una viuda solitaria que se enamoraba del espíritu de un marinero (Rex Harrison). A pesar de que su espectacular físico la predestinaba a asumir únicamente papeles de heroína, también triunfó en la piel de personajes malvados. Es el caso de Que el cielo la juzgue (1945), el largometraje de John M. Stahl en el que Tierney era una de las femmes fatales más siniestras del cine negro. La carrera de la actriz se vio afectada por duros reveses del destino que sufrió. A mediados de los años cincuenta, las depresiones le obligaron a seguir tratamiento psiquiátrico. Aunque volvió a ponerse ante las cámaras en 1962, rodó muy pocas películas. Gene Tierney falleció en 1991 en Houston (Texas).
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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_ Gene Tierney, una morena de pómulos marcados y sonrisa deslumbrante, nació en 1920 en el seno de una acomodada familia neoyorquina en Brooklyn. Su padre no se limitó a enviarla a las mejores escuelas; también la animó a seguir su vocación de actriz de teatro. Así, a los diecinueve años Tierney debutó en Broadway, donde llamó la atención de Darryl F. Zanuck, quien la fichó para la Fox y lanzó su carrera. En poco tiempo se convirtió en una estrella. Películas como La venganza de Frank James (1940) de Fritz Lang; La ruta del tabaco (1940-41), de John Ford; El embrujo de Shanghai (1941) de Joseg von Sternberg, o El cielo puede esperar (1943) de Ernst Lubitsch, le brindaron la oportunidad de trabajar a las órdenes de algunos de los mejores directores del momento.
_Aparte de Laura, posiblemente su personaje más destacado sea el que interpretó en la romántica historia de espíritus El fantasma y la señora Muir (1947), de Joseph L. Mankiewicz, en la que encarnaba a una viuda solitaria que se enamoraba del espíritu de un marinero (Rex Harrison). A pesar de que su espectacular físico la predestinaba a asumir únicamente papeles de heroína, también triunfó en la piel de personajes malvados. Es el caso de Que el cielo la juzgue (1945), el largometraje de John M. Stahl en el que Tierney era una de las femmes fatales más siniestras del cine negro. La carrera de la actriz se vio afectada por duros reveses del destino que sufrió. A mediados de los años cincuenta, las depresiones le obligaron a seguir tratamiento psiquiátrico. Aunque volvió a ponerse ante las cámaras en 1962, rodó muy pocas películas. Gene Tierney falleció en 1991 en Houston (Texas).
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Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)
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30/4/08
cineastas para la historia: VAL DEL OMAR
_Val del Omar, fue un director español que realizó trabajos muy vanguardistas y experimentales en la época de la dictadura, siendo galardonado incluso en Cannes por sus logros técnicos. Su filmografía, cortos, mediometrajes, es difícil de encontrar pero internet es grande y aunque sea a través de grabaciones televisivas o con calidad de imagen no muy buena, recomiendo a este hombre que hizo verdadera poesía con el cine.
Breve biografía, extraída de http://www.valdelomar.com/home.php?lang=es
Breve biografía, extraída de http://www.valdelomar.com/home.php?lang=es
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José Val del Omar (Granada 1904 - Madrid 1982)
José Val del Omar (Granada 1904 - Madrid 1982)
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_José Val del Omar nació en Granada el 27 de octubre de 1904. Ya en su niñez se entretenía ingeniando proyecciones a la manera de la linterna mágica y, tras una estancia en París en 1921, descubrió en el cine la vocación de su vida. En 1925 realizó un largometraje, En un rincón de Andalucía, que posteriormente destruyó al considerarlo un fracaso artístico.
_José Val del Omar nació en Granada el 27 de octubre de 1904. Ya en su niñez se entretenía ingeniando proyecciones a la manera de la linterna mágica y, tras una estancia en París en 1921, descubrió en el cine la vocación de su vida. En 1925 realizó un largometraje, En un rincón de Andalucía, que posteriormente destruyó al considerarlo un fracaso artístico.
_En 1928 escampó a través de la prensa especializada sus ideas asombrosamente tempranas acerca de un objetivo de ángulo variable, sobre pantallas cóncavas y para la consecución de efectos de relieve mediante la iluminación; prefigurando así algunas de las grandes líneas de sus búsquedas y descubrimientos posteriores.Al establecerse en Madrid trabó relación con círculos de la cultura cinematográfica y la educación progresista.
_De 1932 a 1936 participó en la experiencia de las Misiones Pedagógicas de la República. Rodó en aquellos años un amplio número de documentales –que algunas fuentes cifran en más de cuarenta– de los que, lamentablemente, solamente se conservan actualmente unos pocos.
_Durante la Guerra Civil colaboró con Josep Renau –artista de gran renombre por sus carteles y fotomontajes activistas– y contribuyó al salvamento de los fondos más valiosos del Museo del Prado y la Biblioteca Nacional. Atrapado en Valencia a la entrada de las fuerzas rebeldes, se vio coaccionado a colaborar en instrumentos de propaganda audiovisual que recordaría después con amargura.
_Ya en la posguerra, centró gran parte de sus investigaciones en el campo del sonido, abarcando también la radio y la experimentación electroacústica, registrando en 1944 la primera patente para un sistema de sonido diafónico o binaural –anticipación de los sistemas envolventes que trascienden la estereofonía– que seguiría completando en años sucesivos.
_Entre 1953 y 1955 realizó el film Aguaespejo granadino, ''un corto ensayo audiovisual de plástica lírica'', concebido a su vez como demostración de sus técnicas. Su presentación en los festivales de Berlín (1956) y Bruselas (Competición Internacional del Film Experimental con motivo de la Expo de 1958) causó conmoción y cosechó entusiastas reacciones y reseñas.
_A continuación realizó Fuego en Castilla, cuya gestación se dilató de 1956 a 1959, donde introdujo los fundamentos de la TactilVisión o iluminación pulsatoria tactil. El poderío de sus imágenes y de su banda sonora electroacústica le merecieron diversos galardones en los festivales de Cannes 1961 (el mismo año en que Buñuel obtuvo la Palma de Oro con Viridiana), Bilbao 1961 y Melbourne 1962.En 1961 rodó en tierras de Galicia un tercer ''elemental'' –en su concepción de ''documentales líricos o abstractos''– que dejó entonces inacabado, retomándolo al término de su vida con el título de Acariño galaico (De barro) y con el propósito de integrarlo, junto a los dos anteriores, en un conjunto que llamó Tríptico Elemental de España.
_Desde finales de los 50, trabajó en el desarrollo de nuevos formatos y perfeccionamientos técnicos para el cine y la televisión, y para usos educativos de los medios audiovisuales. Dichos asuntos le robaron tiempo a su actividad propiamente artística y, en general, le procuraron profundas decepciones.
_Desde 1968, sin embargo, emprendió nuevos proyectos fílmicos que fue reelaborando mentalmente con el paso del tiempo.Ya en su última etapa, rodeándose preferentemente de personas jóvenes y de artistas ajenos a las industrias del espectáculo, reconcilió su mentalidad de poeta y artista con su constante curiosidad por la técnica. Su panoplia de medios se amplió con el láser, el vídeo, las intuiciones cibernéticas y sus técnicas PLAT (de Picto-Lumínica-Audio-Tactil). Lleno de vida aún, como han atestiguado quienes le conocieron en aquellos años, murió el 4 de agosto de 1982 a consecuencia de un accidente de automóvil.
::: y 2
_Creador de un talento artístico y tecnológico extraordinario, ''creyente del cinema'' e iluminado por unos nuevos horizontes que formuló mediante las siglas PLAT –que equivalen al concepto totalizador de Picto-Lumínica-Audio-Táctil–, Val del Omar fue contemporáneo y camarada de Lorca, Cernuda, Renau, Zambrano y otros nombres mayores de una Edad de Plata truncada con la Guerra Civil. En 1928 anticipó ya varias de sus técnicas más características, incluyendo el ''desbordamiento apanorámico de la imagen'' fuera de los límites de la pantalla y el concepto de ''visión táctil''. Dichas técnicas, y las del ''sonido diafónico'' y otras exploraciones en el campo sonoro, las aplicaría en su Tríptico Elemental de España, iniciado en 1952 y sólo concluido póstumamente. Pues su obra y su tenaz actividad investigadora –a contrapelo de la incomprensión y el olvido– no empezaron a ser redescubiertas hasta poco antes de su muerte, siendo en cambio el principio de un renacimiento que sigue ganando adeptos. ''Sin fin'' como él ponía al término de sus films.
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«No estoy - me desvivo y soy» José Val del Omar
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http://es.youtube.com/watch?v=gGSSwxy9wzM Enlace con fragmento de su obra Fuego en Castilla
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«No estoy - me desvivo y soy» José Val del Omar
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:- - -
http://es.youtube.com/watch?v=gGSSwxy9wzM Enlace con fragmento de su obra Fuego en Castilla
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añadir que...
En la magnífica web http://www.valdelomar.com/ se puede profundizar en su vida y obra, incluída su faceta poética a través de las palabras. Y los valiosos estudios o/y homenajes que ha recibido por parte de Román Gubern en la crítica cinematográfica o por Lagartija Nick desde la música, además del film Ojalá, Val del Omar, de Cristina Esteban (1994).
En la magnífica web http://www.valdelomar.com/ se puede profundizar en su vida y obra, incluída su faceta poética a través de las palabras. Y los valiosos estudios o/y homenajes que ha recibido por parte de Román Gubern en la crítica cinematográfica o por Lagartija Nick desde la música, además del film Ojalá, Val del Omar, de Cristina Esteban (1994).
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..sin fin...
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24/4/08
directores para la historia: CHRIS MARKER
El escritor y cineasta Chris Marker es una figura especialmente misteriosa asociada con la nouvelle vague. Su verdadero nombre es Chistian François Boche-Villeneuve y nació en 1921 en Neuilly-sur-Seine, o quizás en Belleville, o según otra versión en Ulan Bator. Como el escritor estadounidiense Thomas Pynchon, nunca aparece en público. Marker es un maestro del cine discursivo y sus películas pasan fácilmente de la ficción al documental. Junto con La Jetée, sus trabajos más famosos son Le Joli Mai (1962) y El fondo del aire es rojo (1977) que tratan los acontecimientos políticos vividos en Francia en los sesenta y setenta. Sin sol (1982) y su continuación, Niveau cinq (1995), son dos estudios de Japón en los que trata la alienación y la búsqueda de la personalidad que no puede reflejar una película.
Cine de los 90, Jürgen Müller (Taschen, 2002)
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Añadir que...
La Jetée es un fotorelato que ya es todo un clásico de la ciencia-ficción a pesar de tratarse de una obra de apenas 28 minutos de duración.
Marker colaboró con Alain Resnais en varios de sus primeros trabajos documentales. Dos maestros vanguardistas e innovadores que han aportado a la historia del cine obras que han abierto nuevos caminos.
http://www.imdb.com/name/nm0003408/
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Cine de los 90, Jürgen Müller (Taschen, 2002)
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Añadir que...
La Jetée es un fotorelato que ya es todo un clásico de la ciencia-ficción a pesar de tratarse de una obra de apenas 28 minutos de duración.
Marker colaboró con Alain Resnais en varios de sus primeros trabajos documentales. Dos maestros vanguardistas e innovadores que han aportado a la historia del cine obras que han abierto nuevos caminos.
http://www.imdb.com/name/nm0003408/
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22/4/08
actrices para la historia: BARBARA STANWYCK
_Nacida el 16 de julio de 1907 en Brooklyn (Nueva York) con el nombre de Ruby Stevens, perdió a sus padres con sólo cuatro años. Más adelante, hizo de empaquetadora, telefonista y figurante en un espectáculo de revista. Su primer éxito en la gran pantalla llegó en 1930 de la mano de Frank Capra, quien la dirigió en Mujeres ligeras. Otros tres filmes del mismo director (The miracle woman, 1931; Amor prohibido, 1931, y La amargura del general Yen, 1932) la convirtieron en una de las grandes estrellas de Hollywood. Para entonces ya se había cambiado el nombre por el de Barbara Stanwyck.
_Su época dorada discurrió entre 1935 y 1957. A lo largo de once años fue candidata al oscar en cuatro ocasiones: en 1937 por Stella Dallas, de King Vidor; en 1941 por su papel de descarada novia de un gánster en la comedia negra Bola de fuego, de Howard Hawks; en 1944 por el que probablemente sea al mismo tiempo su personaje más importante y el más inmoral, el de la rubia, cruel y fría instigadora al asesinato en el clásico del cine negro Perdición, de Billy Wilder, y finalmente en 1948 por la intrigante millonaria postrada en cama de Voces de muerte, dirigida por Anatole Litvak.
_Sin embargo no se haría con el galardón hasta 1982, año en que lo recibió en reconocimiento a toda su trayectoría. Por aquel entonces la actriz ya había cambiado el cine por la televisión y había alcanzado enorme éxito con uno de sus personajes más paradigmáticos, el de terrateniente y propietaria de ganado de la serie The big valley (1965-69).
_Stanwyck resultó perfecta para el western -es el caso de Cuarenta rifles (1957), de Samuel Fuller-, el cine negro y la comedia negra gracias a una mezcla de "terciopelo y acero" (Anne Baxter) que nadie pudo superar. En una ocasión dijo: "¿No es una lástima que hoy en día las mujeres tengamos que llevar una polvera en el bolso cuando un revólver sería mucho más práctico?". En Clash by night (1952) de Fritz Lang, pronunciaba esta frase: "El hogar es a donde vamos cuando ya no nos quedan más sitios a los que ir".
_Barbara Stanwyck falleció en 1990 en su pequeña casa de Santa Mónica.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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_Su época dorada discurrió entre 1935 y 1957. A lo largo de once años fue candidata al oscar en cuatro ocasiones: en 1937 por Stella Dallas, de King Vidor; en 1941 por su papel de descarada novia de un gánster en la comedia negra Bola de fuego, de Howard Hawks; en 1944 por el que probablemente sea al mismo tiempo su personaje más importante y el más inmoral, el de la rubia, cruel y fría instigadora al asesinato en el clásico del cine negro Perdición, de Billy Wilder, y finalmente en 1948 por la intrigante millonaria postrada en cama de Voces de muerte, dirigida por Anatole Litvak.
_Sin embargo no se haría con el galardón hasta 1982, año en que lo recibió en reconocimiento a toda su trayectoría. Por aquel entonces la actriz ya había cambiado el cine por la televisión y había alcanzado enorme éxito con uno de sus personajes más paradigmáticos, el de terrateniente y propietaria de ganado de la serie The big valley (1965-69).
_Stanwyck resultó perfecta para el western -es el caso de Cuarenta rifles (1957), de Samuel Fuller-, el cine negro y la comedia negra gracias a una mezcla de "terciopelo y acero" (Anne Baxter) que nadie pudo superar. En una ocasión dijo: "¿No es una lástima que hoy en día las mujeres tengamos que llevar una polvera en el bolso cuando un revólver sería mucho más práctico?". En Clash by night (1952) de Fritz Lang, pronunciaba esta frase: "El hogar es a donde vamos cuando ya no nos quedan más sitios a los que ir".
_Barbara Stanwyck falleció en 1990 en su pequeña casa de Santa Mónica.
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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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20/4/08
directores para la historia: VITTORIO DE SICA
_Si las comedias le convirtieron en una estrella, la última parte de su carrera estuvo marcada por los melodramas. Entre sus primeras y sus últimas obras, trabajos como El limpiabotas (1946), Ladrón de bicicletas (1948) y Umberto D. (1951) le sirvieron para dejar huella en el neorrealismo italiano. Fue una de las principales personalidades del cine italiano como actor y como director.
_Nacido en 1902, creció en Nápoles. Para contribuir a mantener a su familia, estudió contabilidad a pesar de haber descubierto muy pronto su talento para el teatro. En 1932 dio el salto definitivo del escenario a la gran pantalla con ¡Qué sinvergüenzas son los hombres!, una comedia de Mario Camerini en la que creó el papel de joven lleno de vida que tantas veces repetiría a lo largo de su trayectoria.
_Convertido en uno de los actores más populares de Italia, a principios de los años cuarenta comenzó a dirigir sus propias películas. Su estrategia era actuar en cintas de calidad dudosa con el objetivo de lograr financiación para sus propios proyectos, más ambiciosos. Realizó también films que no se adscribían al movimiento neorrealista, entre los cuales destacan los que dirigió para el lucimiento de una estrella como Sophia Loren: la actriz obtuvo un oscar por el largometraje de De Sica Dos mujeres (1960) y protagonizó la película de episodios Ayer, hoy y mañana (1963), que le valió al director el Premio de la Academia a la mejor cinta extranjera. Fue el tercer galardón de este tipo para el realizador, tras los obtenidos por Ladrón de bicicletas y El limpiabotas. Más adelante volvería a alzarse con este trofeo por El jardín de los Finzi Contini (1970), una coproducción italo-germana sobre las vicisitudes de una familia judía en la época fascista. Cabe destacar que De Sica abordó este tema en varias ocasiones.
_Vittorio De Sica fue un vividor y un idealista que supo utilizar su popularidad para sacar a la luz los problemas de las personas que viven en las sombras de la sociedad. El cineasta, que actuó en más de 150 películas y dirigió más de 30, falleció en 1974 en Francia, su segunda patria. Es recordado sobre todo como humorista y humanista
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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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_Nacido en 1902, creció en Nápoles. Para contribuir a mantener a su familia, estudió contabilidad a pesar de haber descubierto muy pronto su talento para el teatro. En 1932 dio el salto definitivo del escenario a la gran pantalla con ¡Qué sinvergüenzas son los hombres!, una comedia de Mario Camerini en la que creó el papel de joven lleno de vida que tantas veces repetiría a lo largo de su trayectoria.
_Convertido en uno de los actores más populares de Italia, a principios de los años cuarenta comenzó a dirigir sus propias películas. Su estrategia era actuar en cintas de calidad dudosa con el objetivo de lograr financiación para sus propios proyectos, más ambiciosos. Realizó también films que no se adscribían al movimiento neorrealista, entre los cuales destacan los que dirigió para el lucimiento de una estrella como Sophia Loren: la actriz obtuvo un oscar por el largometraje de De Sica Dos mujeres (1960) y protagonizó la película de episodios Ayer, hoy y mañana (1963), que le valió al director el Premio de la Academia a la mejor cinta extranjera. Fue el tercer galardón de este tipo para el realizador, tras los obtenidos por Ladrón de bicicletas y El limpiabotas. Más adelante volvería a alzarse con este trofeo por El jardín de los Finzi Contini (1970), una coproducción italo-germana sobre las vicisitudes de una familia judía en la época fascista. Cabe destacar que De Sica abordó este tema en varias ocasiones.
_Vittorio De Sica fue un vividor y un idealista que supo utilizar su popularidad para sacar a la luz los problemas de las personas que viven en las sombras de la sociedad. El cineasta, que actuó en más de 150 películas y dirigió más de 30, falleció en 1974 en Francia, su segunda patria. Es recordado sobre todo como humorista y humanista
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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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17/4/08
directores para la historia: AKI KAURISMAKI
_Nacido en 1957, el finlandés autodidacta Aki Kaurismaki rueda desde hace décadas emociones casi de contrabando, con un estilo sencillo, lacónico, pues considera que en el mundo hay "demasiado movimiento, demasiadas palabras" en películas breves y maravillosas como Ariel (1988), La chica de la fábrica de cerillas (1989), Contraté un asesino a sueldo (1990), Agárrate el pañuelo, Tatiana (1994), o Nubes pasajeras (1996), en las que se expresa con honestidad, lejos de efectismos, con la pureza de una de las miradas más bellas y amorosas de nuestros días.
_Con sus películas la mayor queja es por qué duran tan poco (llegó a estrenar como largo un mediometraje de menos de una hora) pues su cine se mira, se admira, se vive, se siente el deseo de...¡que no termine la película! y seguir paladeando su esencia.
_Aki Kaurismaki es uno de los mejores directores de las últimas décadas, heredero de una larguísima tradición que se remonta incluso al mejor cine mudo, y sin embargo no es lo suficientemente conocido, aunque Un hombre sin pasado (2002) fue premiado en Cannes y candidata al oscar a mejor película extranjera, pero su cine está más allá de estas pequeñas cosas, y de alguna manera parece que las películas de Kaurismaki siempre han estado aquí.
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http://www.imdb.com/name/nm0442454/
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_Con sus películas la mayor queja es por qué duran tan poco (llegó a estrenar como largo un mediometraje de menos de una hora) pues su cine se mira, se admira, se vive, se siente el deseo de...¡que no termine la película! y seguir paladeando su esencia.
_Aki Kaurismaki es uno de los mejores directores de las últimas décadas, heredero de una larguísima tradición que se remonta incluso al mejor cine mudo, y sin embargo no es lo suficientemente conocido, aunque Un hombre sin pasado (2002) fue premiado en Cannes y candidata al oscar a mejor película extranjera, pero su cine está más allá de estas pequeñas cosas, y de alguna manera parece que las películas de Kaurismaki siempre han estado aquí.
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http://www.imdb.com/name/nm0442454/
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14/4/08
WOODY ALLEN, director, escritor y actor para la historia
_Nacido en 1935 en Nueva York, Allen Stewart Konigsberg, Woody Allen, empezó en los 50 escribiendo chistes para la prensa neoyorquina, luego para la televisión y al poco tiempo comenzó a hacer monólogos cómicos. Debutó como actor en ¿Qué tal, gatita? (1965) de Clive Donner, y se inició como director en Toma el dinero y corre (1969), y desde entonces este apasionado del mejor cine europeo y del jazz escribe, dirige y suele protagonizar sus propias películas, a un ritmo de casi una película por año.
_Aunque la mayoría son comedias del calibre de Annie Hall (1979), Hannah y sus hermanas (1986), Zelig (1983), Poderosa Afrodita (1995)..., también ha dirigido dramas (incluso con referencias a su admirado Bergman) como Interiores (1978) y su magistral reflexión sobre la importancia del azar Match point (2005).
_A lo largo de su larga, aunque irregular filmografía, sus obsesiones son constantes y reconocibles, así como su ingenio y agudo sentido del humor heredero de la magnífica tradición del humor judío (los Hermanos Marx sin ir más lejos) que va dejando perlas en forma de citas divertidas y lúcidas. Pocos artistas son tan citados en la actualidad como Woody Allen.
_Woody Allen lleva décadas siendo un resquicio de dignidad e inteligencia en el cine americano pero, paradójicamente, su cine es más apreciado en Europa, aunque casi toda su filmografía gira alrededor de su ciudad, Nueva York.
_En su filmografía también sobresalen películas de la maestría de La rosa púrpura del Cairo (1985) y Balas sobre Broadway (1994), aunque probablemente Woody Allen será siempre recordado por la maravillosa Manhattan (1979) cuya existencia justifica la existencia del cine. Manhattan es una obra maestra ya imprescindible en la historia del cine. Y Woody Allen uno de los cineastas sin los que al cine le faltaría algo: una de las cabezas más lúcidas y divertidas de las últimas décadas, aunque Allen afirma que el cerebro es su segundo órgano favorito...
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_Aunque la mayoría son comedias del calibre de Annie Hall (1979), Hannah y sus hermanas (1986), Zelig (1983), Poderosa Afrodita (1995)..., también ha dirigido dramas (incluso con referencias a su admirado Bergman) como Interiores (1978) y su magistral reflexión sobre la importancia del azar Match point (2005).
_A lo largo de su larga, aunque irregular filmografía, sus obsesiones son constantes y reconocibles, así como su ingenio y agudo sentido del humor heredero de la magnífica tradición del humor judío (los Hermanos Marx sin ir más lejos) que va dejando perlas en forma de citas divertidas y lúcidas. Pocos artistas son tan citados en la actualidad como Woody Allen.
_Woody Allen lleva décadas siendo un resquicio de dignidad e inteligencia en el cine americano pero, paradójicamente, su cine es más apreciado en Europa, aunque casi toda su filmografía gira alrededor de su ciudad, Nueva York.
_En su filmografía también sobresalen películas de la maestría de La rosa púrpura del Cairo (1985) y Balas sobre Broadway (1994), aunque probablemente Woody Allen será siempre recordado por la maravillosa Manhattan (1979) cuya existencia justifica la existencia del cine. Manhattan es una obra maestra ya imprescindible en la historia del cine. Y Woody Allen uno de los cineastas sin los que al cine le faltaría algo: una de las cabezas más lúcidas y divertidas de las últimas décadas, aunque Allen afirma que el cerebro es su segundo órgano favorito...
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28/3/08
directores para la historia: JUAN ANTONIO BARDEM
Juan Antonio Bardem, nacido en 1922, hijo de actores, hermano de Pilar Bardem y tío del actor Javier Bardem, fue una de las tres B (junto a Berlanga y al gran Buñuel) del cine español liberador, contestario y renovador durante la dictadura. Sin duda fue el más politizado de todos. Y junto a Berlanga el director más importante de su generación.
_Se inició en el cine codirigiendo con su amigo Luis García Berlanga una deliciosa y crítica película, Esa pareja feliz (1951) y junto a Berlanga y Miguel Mihura participó en el guión de la obra maestra de Berlanga, condecorada en Cannes, Bienvenido, Mister Marshall.
_Se estrenó en solitario con la magnífica Cómicos (1953), en la que abordó con maestría el mundo del espectáculo que por familia y vocación tan bien conocía. En 1955 dirigió su primera obra maestra, Muerte de un ciclista, que recibió el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, y poco después rodó su magistral Calle Mayor (1956), también galardonada en el Festival de Venecia con el Premio de la Crítica. Sin exagerar lo más mínimo se trata de dos películas para la historia, que demuestran un dominio del arte cinematográfico rara vez visto hasta entonces en una película española. Cine de calidad y con corazón.
_Sin embargo, el aprecio crítico por sus films fue menguando, tuvo especiales problemas con la censura debido a su militancia en el PCE, y en los 60 apenas pudo desarrollar algo interesante, con la excepción de Nunca pasa nada (1963). Con la excepción de El puente (1977), sus películas no volvieron a tener alguna repercusión crítica, aunque Siete días de enero (1979) fue galardonado en el Festival de Moscú.
_Se fue despidiendo, tristemente por la puerta pequeña, él que fue tan grande y recibió un brutal "Bardem está muerto" como crítica de Truffaut, porque Bardem estuvo muy vivo y creó, en los 50, películas que nada tenían que envidiar a las mejores que se hacían en el mundo. Buñuel, Berlanga y Bardem pusieron a España en el mapa cinematográfico mundial. Hoy su cine está poco reivindicado, pero sus películas hablan del talento y vitalidad de este gran director para la historia.
_Murió en 2002, a los 80 años. Poco antes había escrito un libro de memorias titulado Y todavía sigue.
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http://www.imdb.com/name/nm0054219/
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27/3/08
directores para la historia: LUIS GARCIA BERLANGA
Nacido en Valencia en 1921, Berlanga fue el director español que mejor reflejó y criticó la España de la dictadura, con sus privaciones y miserias morales. Su primera película, codirigida junto al otro gran director de su generación, Juan Antonio Bardem, "Esa pareja feliz" (1951) es un pequeño clásico y una película deliciosa.
_Su prestigio internacional se debe a "Bienvenido Mr. Marshall" (1952), condecorada en Cannes, una obra maestra que refleja con humor ácido y crítico aquella España. Le seguirían títulos apreciables como "Calabuch" (1956), "Los jueves, milagro" (1957), que darían paso a dos obras maestras de la envergadura de "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963), ambas con guión del gran Rafael Azcona, en las que la mirada crítica de Berlanga afronta la caridad poco cristiana y la poco humana pena muerte.
_Tras la estimable "La boutique", Berlanga rodó su película más polémica, la muy injustamente tratada e incomprendida "Tamaño natural" (1974). Tachada de mil cosas infundadas, apenas se la consideró algo parafílico cuando en realidad es una reflexión aguda sobre la incomunicación moderna y la soledad, la búsqueda de pareja, y los límites de ésta.
_Es cierto que Berlanga se hizo cargo de la colección de narrativa erótica "La sonrisa vertical", y que es bastante erotómano, pero "Tamaño natural" es para el propio director su mejor película, y es una película que merece ser reivindicada, es en cierto modo una pequeña (o no tan pequeña) obra maestra.
_Aunque después Berlanga tuvo gran éxito de público con la trilogía de la escopeta nacional, ya no se muestra en sus películas al mejor Berlanga, cuya despedida del cine fue impropia de alguien que por derecho propio fue, es y siempre será uno de los mejores directores de la historia del cine español.
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http://www.imdb.com/name/nm0305557/
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_Su prestigio internacional se debe a "Bienvenido Mr. Marshall" (1952), condecorada en Cannes, una obra maestra que refleja con humor ácido y crítico aquella España. Le seguirían títulos apreciables como "Calabuch" (1956), "Los jueves, milagro" (1957), que darían paso a dos obras maestras de la envergadura de "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963), ambas con guión del gran Rafael Azcona, en las que la mirada crítica de Berlanga afronta la caridad poco cristiana y la poco humana pena muerte.
_Tras la estimable "La boutique", Berlanga rodó su película más polémica, la muy injustamente tratada e incomprendida "Tamaño natural" (1974). Tachada de mil cosas infundadas, apenas se la consideró algo parafílico cuando en realidad es una reflexión aguda sobre la incomunicación moderna y la soledad, la búsqueda de pareja, y los límites de ésta.
_Es cierto que Berlanga se hizo cargo de la colección de narrativa erótica "La sonrisa vertical", y que es bastante erotómano, pero "Tamaño natural" es para el propio director su mejor película, y es una película que merece ser reivindicada, es en cierto modo una pequeña (o no tan pequeña) obra maestra.
_Aunque después Berlanga tuvo gran éxito de público con la trilogía de la escopeta nacional, ya no se muestra en sus películas al mejor Berlanga, cuya despedida del cine fue impropia de alguien que por derecho propio fue, es y siempre será uno de los mejores directores de la historia del cine español.
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http://www.imdb.com/name/nm0305557/
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25/3/08
RAFAEL AZCONA, guionista para la historia
Rafael Azcona, el mejor guionista de la historia del cine español, ha muerto a la edad de 81 años. Sus memorables guiones en los imprescindibles títulos de la historia del cine español El pisito, El cochecito, El verdugo, Plácido, La escopeta nacional, Belle epoque... y tantos más le hacen merecedor de que su nombre se escriba con pluma de pavo real, en letras de oro, en el libro de honor de la historia del cine español.
_Grande entre los grandes, se inició en el cine por casualidad, cuando a través del italiano Ferreri creó el guión de El pisito. Ferreri también contó con sus guiones en su etapa italiana.
_He aquí un poco más de su vida, que he extraído de la red. Recomiendo el enlace de cervantes virtual para profundizar en su faceta, menos conocida, pero que incluye, por ejemplo "Los europeos", como escritor. En sus propias palabras fue un hombre que se dedicó "a escribir cosas divertidas sobre cosas tristes".
En http://www.cervantestv.es/entrevistas/video_rafael_azcona_entrevista.htm su reciente entrevista con el instituto cervantes.
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_Nació el 24 de octubre de 1926 en Logroño. En 1951 se instaló en Madrid, donde colaboró en La Codorniz y otras revistas humorísticas. Quiso ser poeta y también novelista pero su labor esencial se centra en el mundo del cine.
_Según sus palabras.- "Escribo guiones porque me resulta más fácil que escribir novelas". Autor de diversos relatos y numerosos guiones, en los cuales domina el humor negro y macabro y la sátira mordaz, sus primeros guiones como, "El pisito", "El cochecito", "El verdugo" etc. tratan del retrato de una época, de la miseria moral y las carencias de aquel tiempo.
_De carácter tímido fue un hombre afable y de grata conversación. Entre los reconocimientos a su labor como guionista destacan el Premio Nacional de Cinematografía (1982), el Premio Goya mejor guión por "El bosque animado" (1988); Goya al mejor guión adaptado por "¡Ay Carmela!" (1991); Goya al mejor guión original por "Belle Époque" (1993); Goya al mejor guión adaptado por "Tirano Banderas" y la Medalla de oro de las Bellas Artes (1994); Goya honorífico a su carrera (1998) o el Goya al mejor guión adaptado por "La lengua de las mariposas" (2002).
_Grande entre los grandes, se inició en el cine por casualidad, cuando a través del italiano Ferreri creó el guión de El pisito. Ferreri también contó con sus guiones en su etapa italiana.
_He aquí un poco más de su vida, que he extraído de la red. Recomiendo el enlace de cervantes virtual para profundizar en su faceta, menos conocida, pero que incluye, por ejemplo "Los europeos", como escritor. En sus propias palabras fue un hombre que se dedicó "a escribir cosas divertidas sobre cosas tristes".
En http://www.cervantestv.es/entrevistas/video_rafael_azcona_entrevista.htm su reciente entrevista con el instituto cervantes.
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_Nació el 24 de octubre de 1926 en Logroño. En 1951 se instaló en Madrid, donde colaboró en La Codorniz y otras revistas humorísticas. Quiso ser poeta y también novelista pero su labor esencial se centra en el mundo del cine.
_Según sus palabras.- "Escribo guiones porque me resulta más fácil que escribir novelas". Autor de diversos relatos y numerosos guiones, en los cuales domina el humor negro y macabro y la sátira mordaz, sus primeros guiones como, "El pisito", "El cochecito", "El verdugo" etc. tratan del retrato de una época, de la miseria moral y las carencias de aquel tiempo.
_De carácter tímido fue un hombre afable y de grata conversación. Entre los reconocimientos a su labor como guionista destacan el Premio Nacional de Cinematografía (1982), el Premio Goya mejor guión por "El bosque animado" (1988); Goya al mejor guión adaptado por "¡Ay Carmela!" (1991); Goya al mejor guión original por "Belle Époque" (1993); Goya al mejor guión adaptado por "Tirano Banderas" y la Medalla de oro de las Bellas Artes (1994); Goya honorífico a su carrera (1998) o el Goya al mejor guión adaptado por "La lengua de las mariposas" (2002).
_Rafael Azcona fue uno de los guionistas más valorados en España porque sus guiones están entre los mejores. Trabajó con los más grandes directores españoles y sostenía que los personajes en sus diálogos deben ir por un lado y el argumento de la película por otro. La historia tiene que tirar del espectador a base de imágenes y situaciones mientras los personajes expresar su personalidad. Parece fácil pero no lo es.
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http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/Azcona/montaje.html
http://www.lavanguardia.es/lv24h/20080325/53448440875.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Azcona
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