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Surcos (1951) José Antonio Nieves Conde. Una obra maestra del cine español, que expresa el drama de una familia que abandona el campo atraída por el engañoso brillo de la gran ciudad. Soberbia en todos los sentidos, aún hoy sorprende la valentía del planteamiento y el latido de realidad que la recorre. Quizá la obra cumbre del neorrealismo español.
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Los amantes (1958) Louis Malle. Notable film del gran director francés que aborda con elegancia y pasión el final y el comienzo del amor, reivindicando el derecho de buscar la felicidad más allá de las rutinas y condicionamientos sociales. Soberbia en todos los aspectos, resultó audaz y liberadora la magistral secuencia en la que Moreau alcanza el éxtasis al ser complacida oralmente. El deseo y necesidad de alegría y placer de la mujer rara vez ha sido expresado con la maestría de este clásico imprescindible, quizá de las películas que más han hecho por la revolución sexual, y no sólo sexual, femenina. Y cine para amar el cine...
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Hatari! (1961) Howard Hawks. El maestro Hawks logra otra magnífica película, sin importarle el género, con esa sencillez, fluidez y alegría de vivir que sólo poseen los más grandes. Aventuras en el corazón de África con un gran sentido del humor, la melodiosa música de Henry Mancini, y con el gran John Wayne. Vitalidad a raudales.
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God's country (1985) Louis Malle. Excelente documental sobre un pueblo americano rural, que se adentra en la vida cotidiana de sus habitantes e indaga en el sentir popular y conflictos latentes. Además Malle realiza una segunda visita pasados unos años y contempla la nefasta repercusión de la política Reagan, un actor metido a presidente, en el pueblo. Y es que el Louis Malle documentalista merece ser más conocido y reivindicado.
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Mariposa negra (2006) Francisco J. Lombardi. Los crímenes contra la humanidad, la corrupción política y periodística, y el dolor que se vuelve una mezcla de justa indignación y cuestionable deseo de venganza recorren una película que no desarrolla todas sus posibilidades pero denuncia realidades nauseabundas y quizá plantea si hay algún grado de justicia en algunas venganzas.
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La banda nos visita (2007) Eran Kolirin. Una mirada serena y con sentido del humor sobre las peripecias humanas de una banda egipcia en Israel. Recorrida por un aliento vitalista resulta una película entrañable que diluye las fronteras y fomenta la comprensión, el respeto y el poder fraternal de la música.
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XXY (2007) Lucía Puenzo. Loable propósito humano para este film primerizo que aborda la condición hermafrodita. El propósito merecía quizá una dirección al estilo de Oshima en "El imperio de los sentidos", con esa franqueza sin velos, y menor gelidez plagada de innecesarios simbolismos, pero a pesar de la falta de naturalidad mostrada (siempre se elude visualmente lo que debería ser mostrado sin énfasis ni ocultado con mojigatería) apuesta por la riqueza de la vida en vez de por las castradoras normalizaciones sociales. La película acierta de pleno al plantear qué se espera socialmente de cada cual según el sexo al que pertenece, y cómo no encajar en estas exigencias suele acarrear desprecio o marginación. Aunque se trata de un film bastante fallido y mejorable revela que lo que suele fallar y ser mejorable es la comprensión humana.
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7/12/08
2/11/08
algunas películas más...
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La jungla de asfalto (1950) John Huston. Magistral clásico del cine negro al que no le falta ni sobra un solo fotograma. Admirable y con caracteres e interpretaciones sobresalientes. Para mitómanos y entusiastas de Marylin Monroe, además aparece en breve papel.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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Primavera en un lugar pequeño (2002) Tian Zhuangzhuang. Es una bella película, impregnada de una brisa de sensibilidad y un aliento intenso que desborda emociones contenidas, casi incontenibles. Talento a raudales y una cadencia digna de elogio.
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Shortbus (2006) John Cameron Mitchell. Una película que aborda la sexualidad de manera desenfadada, en realidad muy divertida, de manera lúdica pero no por ello superficial, a través de varias historias, a cada cual más impagable que la anterior, en un registro muy libre, con escenas de sexo real que no resultan (como suele ocurrir) aburridas, pedantes o pretenciosas. De lo más fresco y vitalista que se ha rodado en los últimos años, por fin una película no se queda en medias tintas sin realizar sencillamente una película porno. Alguien tenía que hacer una película así.
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El romance de Astrea y Celadón (2007) Eric Rohmer. Una bella y bucólica adaptación literaria, sensual, delicada y romántica.
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Rebobine, por favor (2007) Michel Gondry. Una nueva aventura desenfadada y luminosa de Gondry, con un deje nostálgico hacia el jazz clásico y un espíritu cinéfilo, imaginativo y también crítico respecto a los videoclubs mainstream. En cierto modo es una película impagable que alguien tenía que hacer.
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Lo mejor de mí (2007) Roser Aguilar. Una película que aborda con mucha sencillez y originalidad el amor, la pérdida de la inocencia, los avatares brutales de la vida y también, quizá el desamor o el final del amor. Un debut que apunta alto y fue premiado a la mejor intérprete femenina en el prestigioso Festival de Locarno. Una de esas películas pequeñas que se hacen grandes a base de esfuerzo, talento y cariño.
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La osa mayor menos dos (2008) David Reznak. Este magnífico documental intenta, en palabras de su director "legitimar el delirio" y se acerca a los internos de un psiquiátrico con una gran humanidad, con el espíritu respetuoso y comprensivo del que la propia sociedad en gran parte carece y por el que progresivamente van aumentando los trastornos mentales en este mundo. Da visibilidad y recuerda la vitalidad y dignidad que también late en las personas aquejadas de algún trastorno mental, y de alguna manera recuerda que el mejor tratamiento posible tiene su base en la ternura, la comunicación y la atención a la persona. Incluso a su aliento poético se le une cierto sentido del humor que aún humaniza más a quienes también son humanos, quizá más humanos o demasiado humanos. Vitalista y encomiable trabajo, cada vez más necesario en este mundo de locos, y hablo del mundo que está fuera de los psiquiátricos.
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La jungla de asfalto (1950) John Huston. Magistral clásico del cine negro al que no le falta ni sobra un solo fotograma. Admirable y con caracteres e interpretaciones sobresalientes. Para mitómanos y entusiastas de Marylin Monroe, además aparece en breve papel.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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Primavera en un lugar pequeño (2002) Tian Zhuangzhuang. Es una bella película, impregnada de una brisa de sensibilidad y un aliento intenso que desborda emociones contenidas, casi incontenibles. Talento a raudales y una cadencia digna de elogio.
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Shortbus (2006) John Cameron Mitchell. Una película que aborda la sexualidad de manera desenfadada, en realidad muy divertida, de manera lúdica pero no por ello superficial, a través de varias historias, a cada cual más impagable que la anterior, en un registro muy libre, con escenas de sexo real que no resultan (como suele ocurrir) aburridas, pedantes o pretenciosas. De lo más fresco y vitalista que se ha rodado en los últimos años, por fin una película no se queda en medias tintas sin realizar sencillamente una película porno. Alguien tenía que hacer una película así.
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El romance de Astrea y Celadón (2007) Eric Rohmer. Una bella y bucólica adaptación literaria, sensual, delicada y romántica.
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Rebobine, por favor (2007) Michel Gondry. Una nueva aventura desenfadada y luminosa de Gondry, con un deje nostálgico hacia el jazz clásico y un espíritu cinéfilo, imaginativo y también crítico respecto a los videoclubs mainstream. En cierto modo es una película impagable que alguien tenía que hacer.
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Lo mejor de mí (2007) Roser Aguilar. Una película que aborda con mucha sencillez y originalidad el amor, la pérdida de la inocencia, los avatares brutales de la vida y también, quizá el desamor o el final del amor. Un debut que apunta alto y fue premiado a la mejor intérprete femenina en el prestigioso Festival de Locarno. Una de esas películas pequeñas que se hacen grandes a base de esfuerzo, talento y cariño.
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La osa mayor menos dos (2008) David Reznak. Este magnífico documental intenta, en palabras de su director "legitimar el delirio" y se acerca a los internos de un psiquiátrico con una gran humanidad, con el espíritu respetuoso y comprensivo del que la propia sociedad en gran parte carece y por el que progresivamente van aumentando los trastornos mentales en este mundo. Da visibilidad y recuerda la vitalidad y dignidad que también late en las personas aquejadas de algún trastorno mental, y de alguna manera recuerda que el mejor tratamiento posible tiene su base en la ternura, la comunicación y la atención a la persona. Incluso a su aliento poético se le une cierto sentido del humor que aún humaniza más a quienes también son humanos, quizá más humanos o demasiado humanos. Vitalista y encomiable trabajo, cada vez más necesario en este mundo de locos, y hablo del mundo que está fuera de los psiquiátricos.
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29/9/08
películas
Algunas películas que me han llamado la atención últimamente son:
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Liros rotos / La culpa ajena (1919) D.W. Griffith. Una obra maestra llena de sensibilidad, romanticismo y un dramatismo sobrecogedor. Inolvidable, maravillosa, uno de los pilares que hacen y harán del cine un arte y una expresión de la poesía de la vida.
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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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Los animales son gente maravillosa (1975) Jamie Uys. En este documental la vida animal en el desierto depara muchas sorpresas, pues la mirada del director está llena de sentido del humor y muestra curiosos paralelismos con nosotros mismos. Asombra y tiene chispa, es divertida.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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El aceite de la vida (1992) George Miller. Esta película es un canto a la lucha, la esperanza, el coraje, el inconformismo, la fe en la vida y la perseverancia. A través del caso verídico de unos padres que no se resignaron a perder su hijo sin hacer por él todo lo humanamente posible, asistimos a lo más noble que late en el espíritu humano, y a las habituales dificultades que encuentra la vitalidad a su paso, la inercia, la resignación, la incredulidad, los egos perezosos y cobardes... pero la salvación del espíritu humano está en no dejar de serlo. Imprescindible para seres humanos.
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Memoria y deseo (1997) Niki Caro. Bien interpretada y dirigida con habilidad y frescura es un título más que digno que relata una historia de amor que el mar no lleva a buen puerto sino que hace naufragar de la forma más dolorosa posible. Una película que muestra las delicadas, deliciosas, pero también dolorosas y desesperadas texturas de la pasión amorosa.
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Las aceras de Nueva York (2001) Edward Burns. Aportando autenticidad y altas dosis de humor agridulce esta estimable película aborda las relaciones personales que giran en torno al amor y el sexo. Con interpretaciones más que convincentes se adentra con una sonrisa lúcida y vitalista en estos caminos del corazón, a menudo tratados con gran banalidad o una excesiva grandilocuencia. -
Whale rider (2002) Niki Caro. Maravillosa película que trasciende ancestrales costumbres de los maoríes neozelandeses para ser un vigoroso canto a la fe y a lo sagrado. Más humanista y mística que feminista (lo que no sería poco), de ahí su entidad poética y artística, respira sensibilidad, dignidad y vitalidad.
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No es país para viejos (2007) Joel y Ethan Coen. Javier Bardem se llevó el oscar al actor secundario con esta película que discurre por las fronteras morales y criminales de la América profunda.
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Liros rotos / La culpa ajena (1919) D.W. Griffith. Una obra maestra llena de sensibilidad, romanticismo y un dramatismo sobrecogedor. Inolvidable, maravillosa, uno de los pilares que hacen y harán del cine un arte y una expresión de la poesía de la vida.
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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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Los animales son gente maravillosa (1975) Jamie Uys. En este documental la vida animal en el desierto depara muchas sorpresas, pues la mirada del director está llena de sentido del humor y muestra curiosos paralelismos con nosotros mismos. Asombra y tiene chispa, es divertida.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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El aceite de la vida (1992) George Miller. Esta película es un canto a la lucha, la esperanza, el coraje, el inconformismo, la fe en la vida y la perseverancia. A través del caso verídico de unos padres que no se resignaron a perder su hijo sin hacer por él todo lo humanamente posible, asistimos a lo más noble que late en el espíritu humano, y a las habituales dificultades que encuentra la vitalidad a su paso, la inercia, la resignación, la incredulidad, los egos perezosos y cobardes... pero la salvación del espíritu humano está en no dejar de serlo. Imprescindible para seres humanos.
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Memoria y deseo (1997) Niki Caro. Bien interpretada y dirigida con habilidad y frescura es un título más que digno que relata una historia de amor que el mar no lleva a buen puerto sino que hace naufragar de la forma más dolorosa posible. Una película que muestra las delicadas, deliciosas, pero también dolorosas y desesperadas texturas de la pasión amorosa.
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Las aceras de Nueva York (2001) Edward Burns. Aportando autenticidad y altas dosis de humor agridulce esta estimable película aborda las relaciones personales que giran en torno al amor y el sexo. Con interpretaciones más que convincentes se adentra con una sonrisa lúcida y vitalista en estos caminos del corazón, a menudo tratados con gran banalidad o una excesiva grandilocuencia. -
Whale rider (2002) Niki Caro. Maravillosa película que trasciende ancestrales costumbres de los maoríes neozelandeses para ser un vigoroso canto a la fe y a lo sagrado. Más humanista y mística que feminista (lo que no sería poco), de ahí su entidad poética y artística, respira sensibilidad, dignidad y vitalidad.
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No es país para viejos (2007) Joel y Ethan Coen. Javier Bardem se llevó el oscar al actor secundario con esta película que discurre por las fronteras morales y criminales de la América profunda.
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17/9/08
algunas pelis
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El cantor de jazz (1927) Alan Crosland. La primera película hablada, parcialmente, de la historia del cine es al mismo tiempo un clásico del musical que ha sido reeditado en doble dvd con interesantes extras.
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Como un torrente (1958) Vincente Minnelli. El talento de su director extrae a este magnífico melodrama audaces propuestas visuales (como la sensacional escena en la feria) e interpretaciones que rezuman autenticidad. Una pequeña joya que merece ser más conocida.
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Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1982) Nagisa Oshima. Una historia muy particular entre militares japoneses y sus prisioneros ingleses, también militares. Con interpretaciones de los músicos David Bowie y Ryuchi Sakamoto, y del director Takeshi Kitano, flotan en esta película, con la franqueza cruda y lírica de Oshima, el sentido del honor, la lealtad, la amistad e incluso algo más allá de la amistad entre hombres... Una película que sin duda era para el transgresor director de la paradójicamente púdica "El imperio de los sentidos".
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La fortuna de vivir (1999) Jean Becker. Una espléndida película que expresa la alegría de vivir, la felicidad de ser libre y la libertad de ser feliz, además del valor de la amistad y el valor del humor y la ternura. Por suerte aún hay quien tiene como fórmula magistral para la vida el "amor y humor". Una de esas películas que hacen más grande el corazón.
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El último harén (1999) Ferzan Ozpetek. En el femenino mundo del último harén turco la sensualidad, el placer y las riquezas materiales se enfrentaban a las bajezas morales, disputas y traiciones femeninas. ¡Muchas mujeres en poco espacio! Un relato evocador, clásico y nostálgico que recrea el auge y declive, con sensibilidad, de aquella fantasía masculina.
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Veinte años no es nada (2004) Joaquim Jordà. A finales de los 70 Jordà filmó la experiencia de autogestión de los trabajadores de la empresa Numax. Más de 20 años después el director filma este documental en el que se reencuentra con muchos de aquellos trabajadores de espíritu libre que creyeron que podrían cambiar el mundo. Evidentemente no cambiaron el mundo pero no dejaron que el mundo les cambiara, no lograron quizá sus sueños pero no se resignaron a la pesadilla capitalista, dijeron no a la explotación y emprendieron sus vidas con autenticidad, mucho más allá del suicidio de la resignación y de la "patología de la normalidad" de la que habló Erich Fromm. Por desgracia experiencias de tal capacidad de empatía, solidaridad y esperanza parecen casi utópicas en este mundo actual poseído por el individualismo a ultranza, pero quizá el cambio climático también nos cambie como personas, ¡ya sería hora!.
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Caramel (2007) Nadine Labaki. Maravillosa película ambientada en Beirut alrededor de un salón de belleza femenino. Llena de frescura, buen humor y sensibilidad, renombrados directores podrían aprender mucho sobre cómo abordar con chispa el universo femenino gracias a esta deliciosa (pero no empalagosa) película.
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El cantor de jazz (1927) Alan Crosland. La primera película hablada, parcialmente, de la historia del cine es al mismo tiempo un clásico del musical que ha sido reeditado en doble dvd con interesantes extras.
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Como un torrente (1958) Vincente Minnelli. El talento de su director extrae a este magnífico melodrama audaces propuestas visuales (como la sensacional escena en la feria) e interpretaciones que rezuman autenticidad. Una pequeña joya que merece ser más conocida.
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Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1982) Nagisa Oshima. Una historia muy particular entre militares japoneses y sus prisioneros ingleses, también militares. Con interpretaciones de los músicos David Bowie y Ryuchi Sakamoto, y del director Takeshi Kitano, flotan en esta película, con la franqueza cruda y lírica de Oshima, el sentido del honor, la lealtad, la amistad e incluso algo más allá de la amistad entre hombres... Una película que sin duda era para el transgresor director de la paradójicamente púdica "El imperio de los sentidos".
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La fortuna de vivir (1999) Jean Becker. Una espléndida película que expresa la alegría de vivir, la felicidad de ser libre y la libertad de ser feliz, además del valor de la amistad y el valor del humor y la ternura. Por suerte aún hay quien tiene como fórmula magistral para la vida el "amor y humor". Una de esas películas que hacen más grande el corazón.
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El último harén (1999) Ferzan Ozpetek. En el femenino mundo del último harén turco la sensualidad, el placer y las riquezas materiales se enfrentaban a las bajezas morales, disputas y traiciones femeninas. ¡Muchas mujeres en poco espacio! Un relato evocador, clásico y nostálgico que recrea el auge y declive, con sensibilidad, de aquella fantasía masculina.
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Veinte años no es nada (2004) Joaquim Jordà. A finales de los 70 Jordà filmó la experiencia de autogestión de los trabajadores de la empresa Numax. Más de 20 años después el director filma este documental en el que se reencuentra con muchos de aquellos trabajadores de espíritu libre que creyeron que podrían cambiar el mundo. Evidentemente no cambiaron el mundo pero no dejaron que el mundo les cambiara, no lograron quizá sus sueños pero no se resignaron a la pesadilla capitalista, dijeron no a la explotación y emprendieron sus vidas con autenticidad, mucho más allá del suicidio de la resignación y de la "patología de la normalidad" de la que habló Erich Fromm. Por desgracia experiencias de tal capacidad de empatía, solidaridad y esperanza parecen casi utópicas en este mundo actual poseído por el individualismo a ultranza, pero quizá el cambio climático también nos cambie como personas, ¡ya sería hora!.
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Caramel (2007) Nadine Labaki. Maravillosa película ambientada en Beirut alrededor de un salón de belleza femenino. Llena de frescura, buen humor y sensibilidad, renombrados directores podrían aprender mucho sobre cómo abordar con chispa el universo femenino gracias a esta deliciosa (pero no empalagosa) película.
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27/8/08
películas
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Los cuatro cocos (1929) Joseph Stanley y Robert Florey. La primera película protagonizada por los Hnos. Marx es un tesoro medio escondido, del que rara vez se habla pero que posee el talento irreverente que les hizo imprescindibles ya en nuestras vidas.
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Muchachas de uniforme (1931) Leontine Sagan. Una de las películas más sublimes de su época, este alegato a favor de la pasión, del amor, más allá de las rígidas convenciones y la cortedad de miras, supone un hito en la representación del deseo femenino hacia otras mujeres, pero sobre todo es una película que trasciende las épocas e incluso su argumento (sensual y delicadamente desarrollado con una labor de dirección magistral) alcanzando lo universal a través de lo particular.
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La alegre divorciada (1934) Mark Sandrich. Un gran clásico del musical con la mítica pareja Fred Astaire y Ginger Rogers, magníficos secundarios y una combinación con la comedia muy lograda. Una delicia inolvidable.
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Eternamente tuya (1939) Tay Garnett. Esta película es una de las joyas escondidas en la filmografía de Garnett, con un argumento original, atractivo, que el director sabe llevar sacándole todo el partido posible. Muy bien interpretada, se trata de una comedia muy agradable.
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El arca de oro (1941) George Marshall. Una película que posee ese toque de la comedia americana clásica, alegre y chispeante, con un James Stewart tan apropiado como siempre.
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Latido (1946) Sam Wood. Agradable comedia, que empieza en una academia de carteristas y continúa en ambientes elegantes, con Ginger Rogers, en la que esta actriz tan dotada para la la comedia despliega su don bajo el buen hacer de uno de esos directores a los que hay que reivindicar: Sam Wood.
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Más dura será la caída (1956) Mark Robson. Uno de los clásicos del cine de boxeo, que refleja abiertamente las prácticas sucias y desvergonzadas de las mafias del ring, y que lamentablemente cuenta con la última interpretación del mítico Humphrey Bogart.
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Zorba el griego (1964) Michael Cacoyannis. Momentos inolvidables en la historia del cine coronados por una música ya casi eterna y una interpretación soberbia de Anthony Quinn, en el papel de su vida.
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La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Mataharis (2007) Icíar Bollaín. Magnífica película con un logrado pulso narrativo, que no decae en todo el metraje, y un guión interesante y original, que abarca mucha vida.
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Los cuatro cocos (1929) Joseph Stanley y Robert Florey. La primera película protagonizada por los Hnos. Marx es un tesoro medio escondido, del que rara vez se habla pero que posee el talento irreverente que les hizo imprescindibles ya en nuestras vidas.
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Muchachas de uniforme (1931) Leontine Sagan. Una de las películas más sublimes de su época, este alegato a favor de la pasión, del amor, más allá de las rígidas convenciones y la cortedad de miras, supone un hito en la representación del deseo femenino hacia otras mujeres, pero sobre todo es una película que trasciende las épocas e incluso su argumento (sensual y delicadamente desarrollado con una labor de dirección magistral) alcanzando lo universal a través de lo particular.
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La alegre divorciada (1934) Mark Sandrich. Un gran clásico del musical con la mítica pareja Fred Astaire y Ginger Rogers, magníficos secundarios y una combinación con la comedia muy lograda. Una delicia inolvidable.
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Eternamente tuya (1939) Tay Garnett. Esta película es una de las joyas escondidas en la filmografía de Garnett, con un argumento original, atractivo, que el director sabe llevar sacándole todo el partido posible. Muy bien interpretada, se trata de una comedia muy agradable.
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El arca de oro (1941) George Marshall. Una película que posee ese toque de la comedia americana clásica, alegre y chispeante, con un James Stewart tan apropiado como siempre.
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Latido (1946) Sam Wood. Agradable comedia, que empieza en una academia de carteristas y continúa en ambientes elegantes, con Ginger Rogers, en la que esta actriz tan dotada para la la comedia despliega su don bajo el buen hacer de uno de esos directores a los que hay que reivindicar: Sam Wood.
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Más dura será la caída (1956) Mark Robson. Uno de los clásicos del cine de boxeo, que refleja abiertamente las prácticas sucias y desvergonzadas de las mafias del ring, y que lamentablemente cuenta con la última interpretación del mítico Humphrey Bogart.
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Zorba el griego (1964) Michael Cacoyannis. Momentos inolvidables en la historia del cine coronados por una música ya casi eterna y una interpretación soberbia de Anthony Quinn, en el papel de su vida.
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La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Mataharis (2007) Icíar Bollaín. Magnífica película con un logrado pulso narrativo, que no decae en todo el metraje, y un guión interesante y original, que abarca mucha vida.
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1/6/08
algunas películas
Siempre me quedo con ganas de ver muchas más películas de las que consigo ver, pero entre las que he visto últimamente me han parecido interesantes:
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La venganza del cámara (1912) Ladislas Starevicz. Esta obra maestra de la animación es un logro artístico impresionante, desbordante por su sentido del humor y habilidad técnica. Resumiendo: de lo más maravilloso que se ha rodado jamás.
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La brujería a través de los tiempos (1923) Benjamin Christensen. El recorrido de antología que hace Christensen coloca esta película como uno de los tesoros de la época muda.
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Vampyr (1931) Carl Dreyer. Del maestro Dreyer sólo se puede esperar una película magnífica o una obra maestra, un auténtico monumento al cine y a la vida. Clásico del terror.
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Sinfonía de la vida (1947) Sam Wood. Una buena película, llena de ternura, sobre esas pequeñas cosas de la vida que suceden a los habitantes de una ciudad de antaño. Sensible, deliciosa y llena de vitalidad, merece ser mucho más conocida.
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La puerta del infierno (1953) Teinosuke Kinugasa. Una de las películas que abrieron los ojos a Occidente: en Japón el cine estaba más que maduro y sus obras y maestros a destacar aumentan conforme mengua nuestra enorme ignorancia.
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20.000 leguas de viaje submarino (1954) Richard Fleischer. Una de las mejores películas de aventuras jamás realizadas, sencillamente un clásico lleno del esplendor de lo maravilloso.
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Cenizas y diamantes (1958) Andrzej Wajda. Un clásico que sigue fascinando con su historia inolvidable y una habilidad cinematográfica que alzan esta película a la categoría de obra maestra.
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El silencio de un hombre (1967) Jean-Pierre Melville. Una película de una textura muy especial, en parte gracias a la magnífica fotografía de Henri Decae, que supone una de las cimas del cine policíaco, aunque trascendiéndolo, y mucho, con la historia de un moderno seguidor del Bushido, el libro de los samurais.
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La misa ha terminado (1985) Nanni Moretti. Si a Moretti se le considera una especie de Allen italiano, es por películas como ésta, en la que aborda con inteligencia y humor, además de una rebeldía vitalista, multitud de cuestiones. El resultado es magnífico y revela a un autor consolidado y con cosas valiosas que aportar al mundo del cine, y a la vida.
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Bagdad café (1987) Percy Adlon. Una película que tiene un regusto especial, que deja un agradable sabor de boca, y habla de la bondad y la magia de la vida.
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Underground (1995) Emir Kusturica. Muy personal, y al tiempo universal historia, que Kusturica sirve con su estilo de una arrolladora imaginería visual y desenfrenada vitalidad.
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Así reían (1998) Gianni Amelio. Una película de calibre que muestra una vez más el talento de su director, esta vez abordando las complicaciones de la inmigración interior y las complejidades de una relación entre hermanos.
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Tierra (2007) Alastair Fothercill y Mark Linfield. Este documental afirma la belleza de la vida en el planeta, y los ciclos de vida que está amenazando el cambio climático, que de no rectificar y pronto, convertirá la lucha por la supervivencia en un camino a la extinción, primero de las especies que el documental muestra con amor, y después poco a poco de todo. Aún estamos a tiempo, http://www.loveearth.es/
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La venganza del cámara (1912) Ladislas Starevicz. Esta obra maestra de la animación es un logro artístico impresionante, desbordante por su sentido del humor y habilidad técnica. Resumiendo: de lo más maravilloso que se ha rodado jamás.
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La brujería a través de los tiempos (1923) Benjamin Christensen. El recorrido de antología que hace Christensen coloca esta película como uno de los tesoros de la época muda.
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Vampyr (1931) Carl Dreyer. Del maestro Dreyer sólo se puede esperar una película magnífica o una obra maestra, un auténtico monumento al cine y a la vida. Clásico del terror.
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Sinfonía de la vida (1947) Sam Wood. Una buena película, llena de ternura, sobre esas pequeñas cosas de la vida que suceden a los habitantes de una ciudad de antaño. Sensible, deliciosa y llena de vitalidad, merece ser mucho más conocida.
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La puerta del infierno (1953) Teinosuke Kinugasa. Una de las películas que abrieron los ojos a Occidente: en Japón el cine estaba más que maduro y sus obras y maestros a destacar aumentan conforme mengua nuestra enorme ignorancia.
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20.000 leguas de viaje submarino (1954) Richard Fleischer. Una de las mejores películas de aventuras jamás realizadas, sencillamente un clásico lleno del esplendor de lo maravilloso.
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Cenizas y diamantes (1958) Andrzej Wajda. Un clásico que sigue fascinando con su historia inolvidable y una habilidad cinematográfica que alzan esta película a la categoría de obra maestra.
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El silencio de un hombre (1967) Jean-Pierre Melville. Una película de una textura muy especial, en parte gracias a la magnífica fotografía de Henri Decae, que supone una de las cimas del cine policíaco, aunque trascendiéndolo, y mucho, con la historia de un moderno seguidor del Bushido, el libro de los samurais.
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La misa ha terminado (1985) Nanni Moretti. Si a Moretti se le considera una especie de Allen italiano, es por películas como ésta, en la que aborda con inteligencia y humor, además de una rebeldía vitalista, multitud de cuestiones. El resultado es magnífico y revela a un autor consolidado y con cosas valiosas que aportar al mundo del cine, y a la vida.
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Bagdad café (1987) Percy Adlon. Una película que tiene un regusto especial, que deja un agradable sabor de boca, y habla de la bondad y la magia de la vida.
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Underground (1995) Emir Kusturica. Muy personal, y al tiempo universal historia, que Kusturica sirve con su estilo de una arrolladora imaginería visual y desenfrenada vitalidad.
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Así reían (1998) Gianni Amelio. Una película de calibre que muestra una vez más el talento de su director, esta vez abordando las complicaciones de la inmigración interior y las complejidades de una relación entre hermanos.
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Tierra (2007) Alastair Fothercill y Mark Linfield. Este documental afirma la belleza de la vida en el planeta, y los ciclos de vida que está amenazando el cambio climático, que de no rectificar y pronto, convertirá la lucha por la supervivencia en un camino a la extinción, primero de las especies que el documental muestra con amor, y después poco a poco de todo. Aún estamos a tiempo, http://www.loveearth.es/
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películas 1895-1929
Viaje a la luna (1902) George Meliès. Los pioneros como Meliés merecen ser recordados y conocidos y este corto es quizá el mejor ejemplo de su vasta e imaginativa obra.
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El hotel eléctrico (1905) Segundo de Chomón. En palabras del crítico Carlos Aguilar en su Guía del cine español "auténtica obra maestra del cine de la imaginación, de la Animación a escala mundial". Imperdonable que Chomón no sea conocido y valorado justamente, pues fue un genio pionero a la altura de Meliés, y su contribución en todo tipo de desarrollos técnicos del medio fue impresionante.
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La venganza del cámara (1912) Ladislas Starevicz. Esta obra maestra de la animación es un logro artístico impresionante, desbordante por su sentido del humor y habilidad técnica. Resumiendo: de lo más maravilloso que se ha rodado jamás.
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Liros rotos / La culpa ajena (1919) D.W. Griffith. Una obra maestra llena de sensibilidad, romanticismo y un dramatismo sobrecogedor. Inolvidable, maravillosa, uno de los pilares que hacen y harán del cine un arte y una expresión de la poesía de la vida.
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Las tres luces (1921) de Fritz Lang. Esta película despertó la vocación a Luis Buñuel, pero claro, Lang era muy grande, y lo demostró en muchas ocasiones.
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Nosferatu (1922) de F.W. Murnau es una de las obras maestras de la historia del cine. Murnau creó una obra de una maestría tal que sigue deslumbrando, asombrando y aterrando a pesar de los años.
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Una mujer de París (1923) Charles Chaplin. Este magnífico drama romántico demuestra una vez más que Chaplin (que aparece unos segundos como mozo) era un director de cine con un talento innegable. Incluso el maestro Yasujiro Ozu dijo "La única utilización conseguida del fundido se encuentra en "Una mujer de París" de Chaplin. No se ve una utilización tan perfecta de la técnica más de una vez cada veinte años. Todos los demás hacen trampa". Obra maestra absoluta.
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La brujería a través de los tiempos (1923) Benjamin Christensen. El recorrido de antología que hace Christensen coloca esta película como uno de los tesoros de la época muda.
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El moderno Sherlock Holmes (1924) de Buster Keaton es una obra maestra del cine cómico mudo, dirigida por el gran Buster Keaton. Una joya.
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Entreacto (1924) René Clair. Es una obra audaz y sugerente como pocas, muy surrealista, sin argumento lineal. Un cortometraje vigoroso y vanguardista.
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El ladrón de Bagdad (1924) de Raoul Walsh. Es un clásico del cine mudo que en su momento deslumbró por su ambientación cuidada y exótica y sus efectos especiales novedosos. Está bien llevada por el director y posee el encanto de las leyendas árabes de las mil y una noches.
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El amo de la casa (1925) de Dreyer (maestro entre los maestros, "La palabra" (Ordet) me parece su mayor obra maestra, pero también lo son "Gertrud", "La pasión de Juana de Arco"...)
filmó este largometraje aún en la época muda, dejando muestra de su sobrada maestría y afinidad con los problemas de las mujeres.
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Metrópolis (1926) de Fritz Lang. Es la gran superproducción del cine mudo alemán, con una ambientación y efectos especiales que aún sorprenden hoy en día, aunque por desgracia la copia actual está incompleta probablemente en una cuarta parte. Existe una edición en doble dvd con documental, fotografías, carteles y sobre todo una restauración de la imagen y la partitura original que dan a esta obra,considerada por la UNESCO patrimonio de la humanidad, la textura visual más fiel posible a la original. Un clásico del cine.
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::: fausto / faust, de F.W. Murnau (1926) Una de las mayores tragedias de la historia del cine fue la muerte a tan corta edad de Murnau, tragedia incalculable para quien nos ha dejado obras maestras tan maravillosas como Nosferatu, El último, Amanecer y Fausto. Fausto es arrebatadora, sublime, maravillosa, fascinante, soberbia... Un canto a la belleza y al amor, un reencuentro con lo maravilloso desde las cloacas, un recorrido inolvidable creado por uno de los mayores poetas de este divino arte que es el cine.
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el enemigo de las rubias (1926) de Alfred Hitchcock, no es la primera de sus películas mudas pero sí la que el propio director reconoce como tal, y con razón pues en ella se oye la personal y magistral voz del gran director que fue Hitchcock, con su innegable talento y su perpetua obsesión por los personajes que son acusados injustamente. Por desgracia no la he podido disfrutar sino en una copia en dvd muy deficiente. Lo suyo sería restaurarla y esmerarse en que los intertítulos no tengan erratas. Un poco de cariño y de amor por el buen cine.
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El cantor de jazz (1927) Alan Crosland. La primera película hablada, parcialmente, de la historia del cine es al mismo tiempo un clásico del musical que ha sido reeditado en doble dvd con interesantes extras.
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Amanecer (1927) de F.W. Murnau. Es una obra maestra del cine, con una sensibilidad especial, con todo el talento del gran director al servicio de una historia romántica, maravillosa. Una de esas películas que justifican la existencia del cine y de la especie humana.
Amanecer (1927) de F.W. Murnau. Es una obra maestra del cine. El talento de Murrnau florece en una película maravillosa, magníficamente fotografiada, siendo una historia tan sencilla e inolvidable que el romanticismo rara vez ha tenido mayor expresión cinematográfica. Poco después apareció el cine sonoro, pero esta película muda en realidad podía hablar sin sonido.
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Napoleón (1927) Abel Gance. Una obra maestra del cine visualmente fascinante, innovadora y arrolladora, como la personalidad retratada quizá con demasiada admiración. A Coppola debemos una versión remasterizada de menos de 4 horas, pero la cinemateca francesa ha recuperado una versión de 333 minutos con la partitura original.
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Garras humanas (1927) de Browning es una película bien llevada por el director de la inolvidable obra maestra "La parada de los monstruos"
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El viento (1927) Victor Sjöstrom. Es un clásico del cine mudo con la interpretación de Lilian Gish y una narrativa tan lograda que se oye el viento. Magistral.
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El fin de San Petersburgo (1927) Vslevolod Pudovkin. Un film admirable, digno representante del poderoso, revolucionario y poético cine soviético de los 20 (cuya cima es La tierra, de Dovzhenko de 1930). A las inquietudes obreras y sociales se unen un montaje vivo y vibrante, y momentos de un gran lirismo.
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La caja de Pandora (1929) G.W. Pabst. Uno de los clásicos más memorables y arrebatadores del cine mudo, cuenta con una Louise Brooks que, con todo merecimiento, ha entrado en los anales del cine por el personaje de Lulú, encantadora y peligrosa, ambigua femme fatale símbolo extremo de la feminidad, frágil e ingenua pero también manipuladora y trepadora. Adaptando con licencias a Wedekind, el director G.W. Pabst logró una película magistral que posee una sensualidad y erotismo latentes nada despreciables. Louise Brooks con un arma humeante en sus manos no se queda corta ante Rita Hayworth en Gilda...
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El hombre de la cámara (1929) Dziga Vertov. A la historia del cine le faltaría algo sin esta película única, que hermana el documental con la experimentación, la vanguardia y con el propio medio cinematográfico, se alza como un vigoroso fresco con un aliento poético propio. Y con un humor muy particular.
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Los cuatro cocos (1929) Joseph Stanley y Robert Florey. La primera película protagonizada por los Hnos. Marx es un tesoro medio escondido, del que rara vez se habla pero que posee el talento irreverente que les hizo imprescindibles ya en nuestras vidas.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1895-1929
La salida de los obreros de la fábrica Lumière // La Sortie des usines Lumière (1895) Hermanos Lumiére
La llegada del tren // L’arrivée d’un train en gare de la Ciotât (1895) Hermanos Lumiére
El regador regado // L’arroseur arrosé (1895) Hermanos Lumiére
Viaje a la Luna // Le voyage dans la Lune (1902) George Meliés
Asalto y robo de un tren // The great train robbery (1903) Porter
Eclipse de sol // = (1905) Segundo de Chomón
El hotel eléctrico // Electric Hôtel (1905) Segundo de Chomón
La licuefacción de los cuerpos duros // =? (1909) Segundo de Chomón
Los últimos días de Pompeya // Gli ultimi di Pompei (1908) Maggi
Cabiria // = (1914) Giovani Pastrone
El nacimiento de una nación // The birth of a nation (1915) D.W. Griffith
Intolerancia // Intolerance (1916) D.W. Griffith
El gabinete del doctor Caligari // Das Kabinett des Dr. Caligari (1919) R. Wiene.
El chico // The kid (1920) Charles Chaplin
La carreta fantástica // Körkarlen (1920) Victor Sjöstrom
Las tres luces // Der müde tod (1921) Fritz Lang
Nosferatu // Nosferatu, Eine Synfonie des Grauens (1922) F.W. Murnau
Nanuk el esquimal // Nanook of the north (1922) Robert J. Flaherty
El último // Der letzte mann (1924) F.W. Murnau
Entreacto // Entreacte (1924) René Clair
El acorazado Potemkin // Bronenosez Potemkin (1925) Sergei Eisenstein
Avaricia // Greed (1925) Erich Von Stroheim
Metrópolis // Metrópolis (1926) Fritz Lang
Amanecer // Sunrise (1927) F.W. Murnau
El maquinista de la general // The general (1927) Buster Keaton
La pasión de Juana de Arco // La passion de Jeanne d’Arc (1928) Carl Dreyer
El hombre de la cámara // Celovek kinoapparatom (1929) Dziga Vertov
Un perro andaluz // Un chien andalou (1929) Luis Buñuel
-
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El hotel eléctrico (1905) Segundo de Chomón. En palabras del crítico Carlos Aguilar en su Guía del cine español "auténtica obra maestra del cine de la imaginación, de la Animación a escala mundial". Imperdonable que Chomón no sea conocido y valorado justamente, pues fue un genio pionero a la altura de Meliés, y su contribución en todo tipo de desarrollos técnicos del medio fue impresionante.
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La venganza del cámara (1912) Ladislas Starevicz. Esta obra maestra de la animación es un logro artístico impresionante, desbordante por su sentido del humor y habilidad técnica. Resumiendo: de lo más maravilloso que se ha rodado jamás.
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Liros rotos / La culpa ajena (1919) D.W. Griffith. Una obra maestra llena de sensibilidad, romanticismo y un dramatismo sobrecogedor. Inolvidable, maravillosa, uno de los pilares que hacen y harán del cine un arte y una expresión de la poesía de la vida.
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Las tres luces (1921) de Fritz Lang. Esta película despertó la vocación a Luis Buñuel, pero claro, Lang era muy grande, y lo demostró en muchas ocasiones.
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Nosferatu (1922) de F.W. Murnau es una de las obras maestras de la historia del cine. Murnau creó una obra de una maestría tal que sigue deslumbrando, asombrando y aterrando a pesar de los años.
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Una mujer de París (1923) Charles Chaplin. Este magnífico drama romántico demuestra una vez más que Chaplin (que aparece unos segundos como mozo) era un director de cine con un talento innegable. Incluso el maestro Yasujiro Ozu dijo "La única utilización conseguida del fundido se encuentra en "Una mujer de París" de Chaplin. No se ve una utilización tan perfecta de la técnica más de una vez cada veinte años. Todos los demás hacen trampa". Obra maestra absoluta.
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La brujería a través de los tiempos (1923) Benjamin Christensen. El recorrido de antología que hace Christensen coloca esta película como uno de los tesoros de la época muda.
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El moderno Sherlock Holmes (1924) de Buster Keaton es una obra maestra del cine cómico mudo, dirigida por el gran Buster Keaton. Una joya.
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Entreacto (1924) René Clair. Es una obra audaz y sugerente como pocas, muy surrealista, sin argumento lineal. Un cortometraje vigoroso y vanguardista.
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El ladrón de Bagdad (1924) de Raoul Walsh. Es un clásico del cine mudo que en su momento deslumbró por su ambientación cuidada y exótica y sus efectos especiales novedosos. Está bien llevada por el director y posee el encanto de las leyendas árabes de las mil y una noches.
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El amo de la casa (1925) de Dreyer (maestro entre los maestros, "La palabra" (Ordet) me parece su mayor obra maestra, pero también lo son "Gertrud", "La pasión de Juana de Arco"...)
filmó este largometraje aún en la época muda, dejando muestra de su sobrada maestría y afinidad con los problemas de las mujeres.
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Metrópolis (1926) de Fritz Lang. Es la gran superproducción del cine mudo alemán, con una ambientación y efectos especiales que aún sorprenden hoy en día, aunque por desgracia la copia actual está incompleta probablemente en una cuarta parte. Existe una edición en doble dvd con documental, fotografías, carteles y sobre todo una restauración de la imagen y la partitura original que dan a esta obra,considerada por la UNESCO patrimonio de la humanidad, la textura visual más fiel posible a la original. Un clásico del cine.
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::: fausto / faust, de F.W. Murnau (1926) Una de las mayores tragedias de la historia del cine fue la muerte a tan corta edad de Murnau, tragedia incalculable para quien nos ha dejado obras maestras tan maravillosas como Nosferatu, El último, Amanecer y Fausto. Fausto es arrebatadora, sublime, maravillosa, fascinante, soberbia... Un canto a la belleza y al amor, un reencuentro con lo maravilloso desde las cloacas, un recorrido inolvidable creado por uno de los mayores poetas de este divino arte que es el cine.
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el enemigo de las rubias (1926) de Alfred Hitchcock, no es la primera de sus películas mudas pero sí la que el propio director reconoce como tal, y con razón pues en ella se oye la personal y magistral voz del gran director que fue Hitchcock, con su innegable talento y su perpetua obsesión por los personajes que son acusados injustamente. Por desgracia no la he podido disfrutar sino en una copia en dvd muy deficiente. Lo suyo sería restaurarla y esmerarse en que los intertítulos no tengan erratas. Un poco de cariño y de amor por el buen cine.
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El cantor de jazz (1927) Alan Crosland. La primera película hablada, parcialmente, de la historia del cine es al mismo tiempo un clásico del musical que ha sido reeditado en doble dvd con interesantes extras.
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Amanecer (1927) de F.W. Murnau. Es una obra maestra del cine, con una sensibilidad especial, con todo el talento del gran director al servicio de una historia romántica, maravillosa. Una de esas películas que justifican la existencia del cine y de la especie humana.
Amanecer (1927) de F.W. Murnau. Es una obra maestra del cine. El talento de Murrnau florece en una película maravillosa, magníficamente fotografiada, siendo una historia tan sencilla e inolvidable que el romanticismo rara vez ha tenido mayor expresión cinematográfica. Poco después apareció el cine sonoro, pero esta película muda en realidad podía hablar sin sonido.
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Napoleón (1927) Abel Gance. Una obra maestra del cine visualmente fascinante, innovadora y arrolladora, como la personalidad retratada quizá con demasiada admiración. A Coppola debemos una versión remasterizada de menos de 4 horas, pero la cinemateca francesa ha recuperado una versión de 333 minutos con la partitura original.
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Garras humanas (1927) de Browning es una película bien llevada por el director de la inolvidable obra maestra "La parada de los monstruos"
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El viento (1927) Victor Sjöstrom. Es un clásico del cine mudo con la interpretación de Lilian Gish y una narrativa tan lograda que se oye el viento. Magistral.
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El fin de San Petersburgo (1927) Vslevolod Pudovkin. Un film admirable, digno representante del poderoso, revolucionario y poético cine soviético de los 20 (cuya cima es La tierra, de Dovzhenko de 1930). A las inquietudes obreras y sociales se unen un montaje vivo y vibrante, y momentos de un gran lirismo.
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La caja de Pandora (1929) G.W. Pabst. Uno de los clásicos más memorables y arrebatadores del cine mudo, cuenta con una Louise Brooks que, con todo merecimiento, ha entrado en los anales del cine por el personaje de Lulú, encantadora y peligrosa, ambigua femme fatale símbolo extremo de la feminidad, frágil e ingenua pero también manipuladora y trepadora. Adaptando con licencias a Wedekind, el director G.W. Pabst logró una película magistral que posee una sensualidad y erotismo latentes nada despreciables. Louise Brooks con un arma humeante en sus manos no se queda corta ante Rita Hayworth en Gilda...
-
El hombre de la cámara (1929) Dziga Vertov. A la historia del cine le faltaría algo sin esta película única, que hermana el documental con la experimentación, la vanguardia y con el propio medio cinematográfico, se alza como un vigoroso fresco con un aliento poético propio. Y con un humor muy particular.
-
Los cuatro cocos (1929) Joseph Stanley y Robert Florey. La primera película protagonizada por los Hnos. Marx es un tesoro medio escondido, del que rara vez se habla pero que posee el talento irreverente que les hizo imprescindibles ya en nuestras vidas.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1895-1929
La salida de los obreros de la fábrica Lumière // La Sortie des usines Lumière (1895) Hermanos Lumiére
La llegada del tren // L’arrivée d’un train en gare de la Ciotât (1895) Hermanos Lumiére
El regador regado // L’arroseur arrosé (1895) Hermanos Lumiére
Viaje a la Luna // Le voyage dans la Lune (1902) George Meliés
Asalto y robo de un tren // The great train robbery (1903) Porter
Eclipse de sol // = (1905) Segundo de Chomón
El hotel eléctrico // Electric Hôtel (1905) Segundo de Chomón
La licuefacción de los cuerpos duros // =? (1909) Segundo de Chomón
Los últimos días de Pompeya // Gli ultimi di Pompei (1908) Maggi
Cabiria // = (1914) Giovani Pastrone
El nacimiento de una nación // The birth of a nation (1915) D.W. Griffith
Intolerancia // Intolerance (1916) D.W. Griffith
El gabinete del doctor Caligari // Das Kabinett des Dr. Caligari (1919) R. Wiene.
El chico // The kid (1920) Charles Chaplin
La carreta fantástica // Körkarlen (1920) Victor Sjöstrom
Las tres luces // Der müde tod (1921) Fritz Lang
Nosferatu // Nosferatu, Eine Synfonie des Grauens (1922) F.W. Murnau
Nanuk el esquimal // Nanook of the north (1922) Robert J. Flaherty
El último // Der letzte mann (1924) F.W. Murnau
Entreacto // Entreacte (1924) René Clair
El acorazado Potemkin // Bronenosez Potemkin (1925) Sergei Eisenstein
Avaricia // Greed (1925) Erich Von Stroheim
Metrópolis // Metrópolis (1926) Fritz Lang
Amanecer // Sunrise (1927) F.W. Murnau
El maquinista de la general // The general (1927) Buster Keaton
La pasión de Juana de Arco // La passion de Jeanne d’Arc (1928) Carl Dreyer
El hombre de la cámara // Celovek kinoapparatom (1929) Dziga Vertov
Un perro andaluz // Un chien andalou (1929) Luis Buñuel
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películas 1930-39
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La Tierra (1930) Alexander Dovhzenko. Dijo Petrarca que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. Esta magnífica sinfonía de la tierra y la alegría de vivir deja en evidencia a las palabras, que se desmayan ante su grandeza. No se le puede hacer algo de justicia a esta obra maestra del cine por la que uno siente la enorme gratitud de estar aún vivo. Poesía desde las entrañas de la tierra y del corazón humano.
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La edad de oro (1930) de Luis Buñuel es la película surrealista por antonomasia, profundamente subversiva y liberadora, en la que el gran director español crea algunas de las imágenes más memorables de la historia del cine.
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El ángel azul (1930) de Josef Von Sternberg es el descubrimiento de Marlene Dietrich en un papel de mujer fatal y seductora, hábilmente dirigida y fotografiada por su mentor.
El ángel azul (1930) Josef Von Sternberg. Con el sonoro, durante un breve período, se rodaron versiones de una misma película en varios idiomas. Gracias a su restaurada edición en doble dvd se puede disfrutar (y padecer) con la versión original en alemán y la versión original en inglés de este clásico en el que un maduro Emil Jannings cae en las redes de una mujer fatal, Lola Lola, interpretada por Marlene Dietrich.
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Bajo los techos de París (1930) René Clair. Una película con encanto, que siendo sonora utiliza sobre todo los recursos propios del cine mudo, y resulta un verdadero placer. Deliciosa.
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Vampyr (1931) Carl Dreyer. Del maestro Dreyer sólo se puede esperar una película magnífica o una obra maestra, un auténtico monumento al cine y a la vida. Clásico del terror.
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Tabú (1931) F.W. Murnau. La última de las obras maestras de Murnau contó con la producción y colaboración del pionero del documental Robert J. Flaherty. Es una película maravillosa, llena de la gloriosa poesía que hizo de Murnau uno de los directores imprescindibles de la historia del cine. Murnau murió poco antes del estreno de la película... se dice que profanó un lugar considerado tabú.
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M, El vampiro de Duseldorf (1931) de Fritz Lang, pocos directores tienen tantas obras maestras como el inquietante Lang, y ésta joya terrorífica, lóbrega, refleja los temores de una época con una profundidad y una maestría apabullantes.
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Muchachas de uniforme (1931) Leontine Sagan. Una de las películas más sublimes de su época, este alegato a favor de la pasión, del amor, más allá de las rígidas convenciones y la cortedad de miras, supone un hito en la representación del deseo femenino hacia otras mujeres, pero sobre todo es una película que trasciende las épocas e incluso su argumento (sensual y delicadamente desarrollado con una labor de dirección magistral) alcanzando lo universal a través de lo particular.
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La parada de los monstruos (1932) de Tod Browning. Una obra maestra del séptimo arte (o quizá octavo que la fotografía nació antes) y una cima humana de envergadura. Sus personajes y la historia son inolvidables.
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Boudú salvado de las aguas (1932) Jean Renoir. Deliciosa, desenfadada, encantadora y pícara película que es una pequeña maravilla del maestro Renoir, que con tanta genialidad logró transmitir la alegría de vivir.
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Scarface. El terror del hampa (1932) Howard Hawks. Una obra maestra del cine sobre gánsteres, una demostración más del talento de uno de los mejores directores de la historia del cine. No hay más que ver su abundante y magnífica filmografía para descubrir, sin dudarlo dos veces, a un director enorme, a un maestro
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King Kong (1933) Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Las modernas versiones de King Kong, por muchos efectos sofisticados que empleen, incluso las técnicas digitales, carecen del encanto y aliento lírico de este clásico que conjuga la aventura, el terror, la exuberancia poética y un latente erotismo que hacen de esta obra imperecedera (y que nunca podrá ser igualada o superada) una de las películas imprescindibles en la historia del cine.
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L'atalante (1934) Jean Vigo. Maravilloso clásico del cine francés que arrebata de pura poesía. La prematura muerte de Vigo fue una tragedia. Esta bella y poética película se compara a veces con la también maravillosa Amanecer de Murnau.
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La cena de los acusados (1934) W.S. Van Dyke. Una deliciosa comedia detectivesca que es un pequeño clásico de las grandiosas comedias americanas de los 30. Además el comienzo de una exitosa saga.
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La alegre divorciada (1934) Mark Sandrich. Un gran clásico del musical con la mítica pareja Fred Astaire y Ginger Rogers, magníficos secundarios y una combinación con la comedia muy lograda. Una delicia inolvidable.
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La gran aventura de Silvia (1935) de Cukor, es una pequeña joya en las magníficas filmografías de George Cukor, Katherine Hepburn y Cary Grant. Deliciosa, divertida y hecha con ese cariño tan especial de tantas películas antiguas rodadas en blanco y negro.
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Una partida de campo (1936) de Renoir, es una de las películas de las que llevaba años oyendo hablar maravillas, y con toda la razón. Es deliciosa, una joya del cine como quizá no haya otra jamás. Me ha dejado tanta miel en el alma... Me parece poco decir que es una obra maestra, es un canto a la vida tan delicado, fluye en ella tanta poesía, belleza y ternura que se siente la dulce brisa del campo y la verdadera alegría de vivir. Y es extraña la vida, pues esta película la hicieron entre Renoir y el azar, pues en realidad no llegó a terminarse y se quedó así, realmente sin un segundo de más ni de menos, apenas un mediometraje, pero de una hondura conmovedora, de una belleza tan desbordante... Me ha costado verla con subtítulos porque cada palabra me robaba parte de imágenes dignas sucesoras de Renoir padre, y perderme las maravillosas interpretaciones en francés también es derramar miel al mar... realmente ¡qué pena no saber francés para disfrutarla del todo! Ah, ahora que recuerdo... hay otra película que tampoco está terminada y es una obra maestra, se trata de El sur, de Erice, que debía tener toda una segunda parte casi de la duración de la actual, pero el productor dijo que hasta ahí y así se quedó... desde entonces Erice y el productor, ya no hacen migas, claro, sin embargo quizá así hemos ganado una película a la que en realidad no parece faltarle, valga el fácil juego de palabras, el norte.
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::: en alas de la danza / swing time, de George Stevens (1936)
El cine puede ser testimonial, realista y comprometido, o un entretenimiento sin más, lo que no es poco cuando esa diversión, alegría, esos momentos deliciosos nos los ofrecen una pareja tan maravillosa como Fred Astaire y Ginger Rogers en esta comedia musical. Aunque esta gran pareja de bailarines quizá tuvo en "Sombrero de copa" su obra maestra, "En alas de la danza" tiene el encanto que les hizo famosos, y se ve con una sonrisa... Ah, no me resisto a dejar de reivindicar el gran talento para la comedia de Ginger Rogers, que demostró sobre todo en el clásico "Me siento rejuvenecer", allí junto al gran Cary Grant...
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Al servicio de las damas (1936) de Gregory La Cava. Es una comedia clásica, que merecería ser más conocida, pues está muy lograda, posee un toque propio que no se queda corto ante el gran maestro Lubitsch. Una maravilla.
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El bosque petrificado (1936) de Archie L. Mayo es una insólita película basada en una obra de teatro en la que aparece una Bette Davis soñadora (alejada de sus célebres papeles) y un actor entonces desconocido en busca de una oportunidad (que le llegó de la mano de Leslie Howard) un tal Humphrey Bogart, que hace de tipo malo.
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Sabotaje (1936) Alfred Hitchcock. Una de las mejores películas de la etapa inglesa del maestro del suspense. Puro Hitchcock, cine del que hace amar el cine.
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la reina de Nueva York (1937) de William A. Wellman, es un ácido y desternillante clásico de la comedia americana de los 30, interpretada maravillosamente por la magnífica Carole Lombard y por un no menos estupendo Fredric March. Aunque no lo bastante conocida, es una joya.
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Damas del teatro (1937) Gregory La cava. Es una obra clásica de la comedia americana, con grandísimas actrices como Katherine Hepburn y Ginger Rogers, además de unos chispeantes diálogos que hacen las delicias del público gracias también a la habilidad de un director de indiscutible talento (como corrobora su clásico Al servicio de las damas) aunque no lo bastante valorado como La Cava. Una joya.
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ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman, es una buena película (aunque es más conocida la versión del mismo título dirigida por Cukor, de quien parte en cierto modo la historia) sobre la decadencia y ascensión a la fama, en este caso en Hollywood. Un drama bien interpretado por Fredrich March y Janet Gaynor. Una versión restaurada haría justicia a la calidad del film.
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Alexander Nevski (1938) Sergei Eisenstein. La magnífica simbiosis entre imagen y música, muestras depuradas del talento de dos creadores del talento de Eisenstein y Prokofiev, no es la única razón que eleva esta película a la categoría de clásico, pues para la historia del cine queda la secuencia de la batalla...
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Eternamente tuya (1939) Tay Garnett. Esta película es una de las joyas escondidas en la filmografía de Garnett, con un argumento original, atractivo, que el director sabe llevar sacándole todo el partido posible. Muy bien interpretada, se trata de una comedia muy agradable.
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Mamá a la fuerza (1939) Garson Kanin es una comedia muy digna con David Niven y una estupenda actriz muy dotada para la comedia, Ginger Rogers, a quien sin embargo se recuerda sólo como pareja de baile de Fred Astaire, ¡qué injusticia!
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locos del aire (1939) con Laurel y Hardy, dirigida por Eadward Sutherland, es un clásico de la comedia con la irrepetible pareja del gordo y el flaco, que hacen de las suyas en la legión extranjera. Es más famosa su época con Hal Roach, pero esta película tiene momentos geniales y posee verdadera alegría de vivir.
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Sólo los ángeles tienen alas (1939) de Hawks, (con Cary Grant, Jean Arthur y una Rita Hayworth que no puede dejar indiferente a ningún hombre al que le gusten las mujeres) es una película ágil, dinámica, física e incluso tópicamente masculina en la tradición clásica del director, pero también aborda con bastante franqueza las cosas verdaderamente importantes y trascendentes en la vida, la amistad, el amor, la lealtad, el deber, y sus contrarios, la traición, el odio... Sentimientos y vida sin maquillaje.
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Amarga victoria (1939) Edmund Goulding. Una de las interpretaciones más memorables de Bette Davis en esta obra maestra del melodrama rodada en uno de los mejores años del Hollywood clásico, quizá por eso algo a la sombra de películas más recordadas.
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::: la historia del último crisantemo / zangiku monogatari, de Kenji Mizoguchi (1939)
El cine japonés, y el oriental en su conjunto, fue ignorado en occidente hasta los años 50, pero esta magnífica película demuestra no sólo el talento y la delicadeza de Mizoguchi sino lo que el resto del mundo nos estábamos perdiendo. La historia del último crisantemo es una película tan humana, profunda y bien hecha que hace palidecer por su maestría a tantas que carecen de su sensibilidad y amor por el detalle, la historia, la composición, la fotografía y los personajes. Aunque las películas de Mizoguchi pueden calificarse como dramas, su mirada humanista hace del camino del corazón, por adverso que sea, una victoria sobre las mediocridades, mezquindades y obstáculos sociales o familiares. Sólo añadir que Mizoguchi es un director excelente y esta película una obra maestra.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1930-1939
La edad de oro // L’age d’or (1930) Luis Buñuel
El conflicto de los Marx // Animal crackers (1930) Victor Heerman
Un ladrón en la alcoba // Trouble in paradise (1932) Ernst Lubitsch
Sopa de ganso // Duck soup (1933) Leo McCarey
La patrulla perdida // The lost patrol (1934) John Ford
Una noche en la ópera // A night at the opera (1935) Sam Wood
Tiempos modernos // Modern times (1935) Charles Chaplin
La feria de la vanidad // Becky Sharp (1935) Rouben Mamoulian
El delator // The informer (1935) John Ford
Furia // Fury (1936) Fritz Lang
Robin de los bosques // The adventures of Robin Hood (1937) Michael Curtiz
Lo que el viento se llevó // Gone with the wind (1939) Victor Fleming
Ninotchka // = (1939) Ernst Lubitsch
La diligencia // Stagecoach (1939) John Ford
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La Tierra (1930) Alexander Dovhzenko. Dijo Petrarca que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. Esta magnífica sinfonía de la tierra y la alegría de vivir deja en evidencia a las palabras, que se desmayan ante su grandeza. No se le puede hacer algo de justicia a esta obra maestra del cine por la que uno siente la enorme gratitud de estar aún vivo. Poesía desde las entrañas de la tierra y del corazón humano.
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La edad de oro (1930) de Luis Buñuel es la película surrealista por antonomasia, profundamente subversiva y liberadora, en la que el gran director español crea algunas de las imágenes más memorables de la historia del cine.
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El ángel azul (1930) de Josef Von Sternberg es el descubrimiento de Marlene Dietrich en un papel de mujer fatal y seductora, hábilmente dirigida y fotografiada por su mentor.
El ángel azul (1930) Josef Von Sternberg. Con el sonoro, durante un breve período, se rodaron versiones de una misma película en varios idiomas. Gracias a su restaurada edición en doble dvd se puede disfrutar (y padecer) con la versión original en alemán y la versión original en inglés de este clásico en el que un maduro Emil Jannings cae en las redes de una mujer fatal, Lola Lola, interpretada por Marlene Dietrich.
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Bajo los techos de París (1930) René Clair. Una película con encanto, que siendo sonora utiliza sobre todo los recursos propios del cine mudo, y resulta un verdadero placer. Deliciosa.
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Vampyr (1931) Carl Dreyer. Del maestro Dreyer sólo se puede esperar una película magnífica o una obra maestra, un auténtico monumento al cine y a la vida. Clásico del terror.
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Tabú (1931) F.W. Murnau. La última de las obras maestras de Murnau contó con la producción y colaboración del pionero del documental Robert J. Flaherty. Es una película maravillosa, llena de la gloriosa poesía que hizo de Murnau uno de los directores imprescindibles de la historia del cine. Murnau murió poco antes del estreno de la película... se dice que profanó un lugar considerado tabú.
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M, El vampiro de Duseldorf (1931) de Fritz Lang, pocos directores tienen tantas obras maestras como el inquietante Lang, y ésta joya terrorífica, lóbrega, refleja los temores de una época con una profundidad y una maestría apabullantes.
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Muchachas de uniforme (1931) Leontine Sagan. Una de las películas más sublimes de su época, este alegato a favor de la pasión, del amor, más allá de las rígidas convenciones y la cortedad de miras, supone un hito en la representación del deseo femenino hacia otras mujeres, pero sobre todo es una película que trasciende las épocas e incluso su argumento (sensual y delicadamente desarrollado con una labor de dirección magistral) alcanzando lo universal a través de lo particular.
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La parada de los monstruos (1932) de Tod Browning. Una obra maestra del séptimo arte (o quizá octavo que la fotografía nació antes) y una cima humana de envergadura. Sus personajes y la historia son inolvidables.
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Boudú salvado de las aguas (1932) Jean Renoir. Deliciosa, desenfadada, encantadora y pícara película que es una pequeña maravilla del maestro Renoir, que con tanta genialidad logró transmitir la alegría de vivir.
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Scarface. El terror del hampa (1932) Howard Hawks. Una obra maestra del cine sobre gánsteres, una demostración más del talento de uno de los mejores directores de la historia del cine. No hay más que ver su abundante y magnífica filmografía para descubrir, sin dudarlo dos veces, a un director enorme, a un maestro
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King Kong (1933) Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Las modernas versiones de King Kong, por muchos efectos sofisticados que empleen, incluso las técnicas digitales, carecen del encanto y aliento lírico de este clásico que conjuga la aventura, el terror, la exuberancia poética y un latente erotismo que hacen de esta obra imperecedera (y que nunca podrá ser igualada o superada) una de las películas imprescindibles en la historia del cine.
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L'atalante (1934) Jean Vigo. Maravilloso clásico del cine francés que arrebata de pura poesía. La prematura muerte de Vigo fue una tragedia. Esta bella y poética película se compara a veces con la también maravillosa Amanecer de Murnau.
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La cena de los acusados (1934) W.S. Van Dyke. Una deliciosa comedia detectivesca que es un pequeño clásico de las grandiosas comedias americanas de los 30. Además el comienzo de una exitosa saga.
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La alegre divorciada (1934) Mark Sandrich. Un gran clásico del musical con la mítica pareja Fred Astaire y Ginger Rogers, magníficos secundarios y una combinación con la comedia muy lograda. Una delicia inolvidable.
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La gran aventura de Silvia (1935) de Cukor, es una pequeña joya en las magníficas filmografías de George Cukor, Katherine Hepburn y Cary Grant. Deliciosa, divertida y hecha con ese cariño tan especial de tantas películas antiguas rodadas en blanco y negro.
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Una partida de campo (1936) de Renoir, es una de las películas de las que llevaba años oyendo hablar maravillas, y con toda la razón. Es deliciosa, una joya del cine como quizá no haya otra jamás. Me ha dejado tanta miel en el alma... Me parece poco decir que es una obra maestra, es un canto a la vida tan delicado, fluye en ella tanta poesía, belleza y ternura que se siente la dulce brisa del campo y la verdadera alegría de vivir. Y es extraña la vida, pues esta película la hicieron entre Renoir y el azar, pues en realidad no llegó a terminarse y se quedó así, realmente sin un segundo de más ni de menos, apenas un mediometraje, pero de una hondura conmovedora, de una belleza tan desbordante... Me ha costado verla con subtítulos porque cada palabra me robaba parte de imágenes dignas sucesoras de Renoir padre, y perderme las maravillosas interpretaciones en francés también es derramar miel al mar... realmente ¡qué pena no saber francés para disfrutarla del todo! Ah, ahora que recuerdo... hay otra película que tampoco está terminada y es una obra maestra, se trata de El sur, de Erice, que debía tener toda una segunda parte casi de la duración de la actual, pero el productor dijo que hasta ahí y así se quedó... desde entonces Erice y el productor, ya no hacen migas, claro, sin embargo quizá así hemos ganado una película a la que en realidad no parece faltarle, valga el fácil juego de palabras, el norte.
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::: en alas de la danza / swing time, de George Stevens (1936)
El cine puede ser testimonial, realista y comprometido, o un entretenimiento sin más, lo que no es poco cuando esa diversión, alegría, esos momentos deliciosos nos los ofrecen una pareja tan maravillosa como Fred Astaire y Ginger Rogers en esta comedia musical. Aunque esta gran pareja de bailarines quizá tuvo en "Sombrero de copa" su obra maestra, "En alas de la danza" tiene el encanto que les hizo famosos, y se ve con una sonrisa... Ah, no me resisto a dejar de reivindicar el gran talento para la comedia de Ginger Rogers, que demostró sobre todo en el clásico "Me siento rejuvenecer", allí junto al gran Cary Grant...
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Al servicio de las damas (1936) de Gregory La Cava. Es una comedia clásica, que merecería ser más conocida, pues está muy lograda, posee un toque propio que no se queda corto ante el gran maestro Lubitsch. Una maravilla.
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El bosque petrificado (1936) de Archie L. Mayo es una insólita película basada en una obra de teatro en la que aparece una Bette Davis soñadora (alejada de sus célebres papeles) y un actor entonces desconocido en busca de una oportunidad (que le llegó de la mano de Leslie Howard) un tal Humphrey Bogart, que hace de tipo malo.
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Sabotaje (1936) Alfred Hitchcock. Una de las mejores películas de la etapa inglesa del maestro del suspense. Puro Hitchcock, cine del que hace amar el cine.
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la reina de Nueva York (1937) de William A. Wellman, es un ácido y desternillante clásico de la comedia americana de los 30, interpretada maravillosamente por la magnífica Carole Lombard y por un no menos estupendo Fredric March. Aunque no lo bastante conocida, es una joya.
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Damas del teatro (1937) Gregory La cava. Es una obra clásica de la comedia americana, con grandísimas actrices como Katherine Hepburn y Ginger Rogers, además de unos chispeantes diálogos que hacen las delicias del público gracias también a la habilidad de un director de indiscutible talento (como corrobora su clásico Al servicio de las damas) aunque no lo bastante valorado como La Cava. Una joya.
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ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman, es una buena película (aunque es más conocida la versión del mismo título dirigida por Cukor, de quien parte en cierto modo la historia) sobre la decadencia y ascensión a la fama, en este caso en Hollywood. Un drama bien interpretado por Fredrich March y Janet Gaynor. Una versión restaurada haría justicia a la calidad del film.
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Alexander Nevski (1938) Sergei Eisenstein. La magnífica simbiosis entre imagen y música, muestras depuradas del talento de dos creadores del talento de Eisenstein y Prokofiev, no es la única razón que eleva esta película a la categoría de clásico, pues para la historia del cine queda la secuencia de la batalla...
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Eternamente tuya (1939) Tay Garnett. Esta película es una de las joyas escondidas en la filmografía de Garnett, con un argumento original, atractivo, que el director sabe llevar sacándole todo el partido posible. Muy bien interpretada, se trata de una comedia muy agradable.
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Mamá a la fuerza (1939) Garson Kanin es una comedia muy digna con David Niven y una estupenda actriz muy dotada para la comedia, Ginger Rogers, a quien sin embargo se recuerda sólo como pareja de baile de Fred Astaire, ¡qué injusticia!
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locos del aire (1939) con Laurel y Hardy, dirigida por Eadward Sutherland, es un clásico de la comedia con la irrepetible pareja del gordo y el flaco, que hacen de las suyas en la legión extranjera. Es más famosa su época con Hal Roach, pero esta película tiene momentos geniales y posee verdadera alegría de vivir.
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Sólo los ángeles tienen alas (1939) de Hawks, (con Cary Grant, Jean Arthur y una Rita Hayworth que no puede dejar indiferente a ningún hombre al que le gusten las mujeres) es una película ágil, dinámica, física e incluso tópicamente masculina en la tradición clásica del director, pero también aborda con bastante franqueza las cosas verdaderamente importantes y trascendentes en la vida, la amistad, el amor, la lealtad, el deber, y sus contrarios, la traición, el odio... Sentimientos y vida sin maquillaje.
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Amarga victoria (1939) Edmund Goulding. Una de las interpretaciones más memorables de Bette Davis en esta obra maestra del melodrama rodada en uno de los mejores años del Hollywood clásico, quizá por eso algo a la sombra de películas más recordadas.
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::: la historia del último crisantemo / zangiku monogatari, de Kenji Mizoguchi (1939)
El cine japonés, y el oriental en su conjunto, fue ignorado en occidente hasta los años 50, pero esta magnífica película demuestra no sólo el talento y la delicadeza de Mizoguchi sino lo que el resto del mundo nos estábamos perdiendo. La historia del último crisantemo es una película tan humana, profunda y bien hecha que hace palidecer por su maestría a tantas que carecen de su sensibilidad y amor por el detalle, la historia, la composición, la fotografía y los personajes. Aunque las películas de Mizoguchi pueden calificarse como dramas, su mirada humanista hace del camino del corazón, por adverso que sea, una victoria sobre las mediocridades, mezquindades y obstáculos sociales o familiares. Sólo añadir que Mizoguchi es un director excelente y esta película una obra maestra.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1930-1939
La edad de oro // L’age d’or (1930) Luis Buñuel
El conflicto de los Marx // Animal crackers (1930) Victor Heerman
Un ladrón en la alcoba // Trouble in paradise (1932) Ernst Lubitsch
Sopa de ganso // Duck soup (1933) Leo McCarey
La patrulla perdida // The lost patrol (1934) John Ford
Una noche en la ópera // A night at the opera (1935) Sam Wood
Tiempos modernos // Modern times (1935) Charles Chaplin
La feria de la vanidad // Becky Sharp (1935) Rouben Mamoulian
El delator // The informer (1935) John Ford
Furia // Fury (1936) Fritz Lang
Robin de los bosques // The adventures of Robin Hood (1937) Michael Curtiz
Lo que el viento se llevó // Gone with the wind (1939) Victor Fleming
Ninotchka // = (1939) Ernst Lubitsch
La diligencia // Stagecoach (1939) John Ford
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películas 1940-49
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Los viajes de Sullivan (1941) Preston Sturges. Una obra maestra del gran Sturges. Una película maravillosamente divertida, con trasfondo social y reflexión sobre el quehacer cinematográfico, además de una vitalidad realista, apabullante y gozosa. ¡Qué bonito es reír!
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Bola de fuego (1941) Howard Hawks. Obra maestra de un maestro, con guión del maestro Billy Wilder, fotografía del maestro Gregg Toland... interpretaciones de Gary Cooper y Barbara Stanwyck y un genio en la dirección llamado Howard Hawks... Con todos estos ingredientes el resultado es un plato delicioso, una espléndida y arrebatadora comedia que sin duda pertenece al selecto club de las mejores películas de la historia del cine.
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::: las tres noches de Eva / the lady Eve, de Preston Sturges (1941)
Barbara Stanwyck y Henry Fonda protagonizan esta deliciosa, sensual, ingeniosa y gran comedia, picarona y llena de delicadeza, del gran director y guionista (antes guionista y luego ambas cosas) Preston Sturges. Con momentos sublimes, diálogos maravillosos e interpretaciones magníficas esta película hace honor al talento y prestigio de Sturges. Telegráficamente: una obra maestra.
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Serenata nostálgica (1941) de Stevens, es una película que engrandece el corazón y emociona hasta el último fotograma, que hace sonreír, pero puede hacer llorar por las cosas que hacen reír y luchar y llorar a tantas mujeres y tantos hombres... una película preciosa, bonita y buena.
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El último refugio (1941) Raoul Walsh. La película que lanzó al estrellato a Humphrey Bogart, con Ida Lupino, guión adaptado por John Huston, la sabia dirección del gran Walsh, y un final, en todos los sentidos, en la cumbre. Sin paliativos, ni en su negrura ni en su ternura. Magnífica película.
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El arca de oro (1941) George Marshall. Una película que posee ese toque de la comedia americana clásica, alegre y chispeante, con un James Stewart tan apropiado como siempre.
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La mujer pantera (1942) de Jacques Tourneur es un clásico el cine de terror, pero clásico con mayúsculas, una película enorme y sin embargo sencilla y sin efectismos, sino sutil y embriagadora, en la que el uso de la elipsis y de la imaginación del espectador son fundamentales. Una obra maestra de un autor que merece ser mucho más reconocido de lo que lo es.
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Meshes of the afternoon (1943) Maya Deren y Alexander Hammid. Un corto clásico, fascinante, surrealista, gótico, poético, y quizá reivindicativo y feminista...
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::: la mitad del paraíso / the demi-paradise, de Anthony Asquith (1943)
¿Se puede hacer una película propagandística, hacerla en mitad de una guerra y que resulte una comedia ingeniosa, alegre, que trascienda lo panfletario para ir más allá, al ser humano, a las relaciones personales, al carácter de una nación que hace gala de sus mejores armas? Si, claro que se puede... esta película afirma los lazos entre ingleses y rusos enmedio de la segunda guerra mundial y utiliza el humor inglés (¡qué gran arma!) para hacerlo, y de paso, como quien no quiere la cosa, nos desvela que el humor es un arma sólo comparable a la templanza. En pocas palabras, una delicia.
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Arsénico por compasión (1944) de Frank Capra. Es una obra maestra de la comedia con toques de ambientación terrorífica y una historia indeleble, entre negra y luminosa. Además cuenta con una de las interpretaciones más divertidas del grandísimo Cary Grant. Una maravilla.
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Detour (1945) Edgar G. Ulmer. Es una de las obras maestras del cine negro, y una de las películas más fatalistas de la historia del cine. Un halo de emboscada del destino se cierne como algo más que una amenaza sobre unos personajes abocados a la perdición sin posibilidad alguna de hallar un final feliz. Casi existencialista, es un film memorable y milagroso en cierto modo, a pesar de su negrura, pues se trata de una obra realizada en una productora de ni se sabe qué categoría, con medios ínfimos pero que confirma de nuevo que lo más importante en el cine es el talento. Y Detour es una magnífica muestra del talento cinematográfico de Ulmer.
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Recuerda (1945) Alfred Hitchcock. Al magisterio de Hitchcock (tardíamente reconocido por la nouvelle vague, pues durante décadas se le vio como un mero autor comercial) y su constante del falso culpable se unen en esta película los decorados oníricos de Salvador Dalí (a quien acusaban de Avida Dollars) y las interpretaciones de Gregory Peck y la maravillosa Ingrid Bergman. Valga el juego de palabras, pero es de las películas que se recuerdan.
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Breve encuentro (1945) David Lean. Es una magnífica película con momentos inolvidables que han quedado grabados en la historia del cine. Un retrato de la pequeña burguesía británica de la época minucioso y admirable. Una historia sentimental desarrollada con un estilo narrativo soberbio. Una joya que hizo pensar a Wilder en el personaje que les presta "El apartamento".
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::: tierra generosa / canyon passage, de Jacques Tourneur (1946)
Jacques Tourneur ha pasado a la historia del cine y al altar de tantos cinéfilos gracias a clásicos del terror como "La mujer pantera" o del cine negro como "Retorno al pasado", pero también realizó este western en color con una fotografía y narrativa alegre, luminosa, viva, que se disfruta con agrado porque es encantador, y muestra una vez más el don de Tourneur para realizar magníficas películas independientemente del género de la película. Un tesoro escondido esperando ser descubierto.
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Narciso negro (1946) de Michael Powell y Emeric Pressburger. Un clásico del cine inglés bastante perturbador con una atmósfera enigmática muy lograda.
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El pecado de Cluny Brown (1946) de Lubitsch es, por desgracia, la última de las obras maestras de un director que tuvo varias... Hace falta decir poco más. Maravilllosa.
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forajidos (1946) de Robert Siodmak, es una obra maestra del cine negro con una magnífica dirección (¡qué poco reconocido el indudable talento de Siodmak!) y las interpretaciones de dos estrellas emergentes: Burt Lancaster y Ava Gardner. El guión se basa en un relato de Hemingway. Un trabajo formidable, impecable.
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La escalera de caracol (1946) de Siodmak, es un clásico del cine de intriga con buenas interpretaciones y audaces recursos visuales para narrar una historia enfermiza de asesinatos en serie. Inolvidable.
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cadenas rotas (1946) de David Lean, es la adaptación de Grandes esperanzas de Dickens. Un relato maravilloso e inolvidable, con magníficas interpretaciones.
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Latido (1946) Sam Wood. Agradable comedia, que empieza en una academia de carteristas y continúa en ambientes elegantes, con Ginger Rogers, en la que esta actriz tan dotada para la la comedia despliega su don bajo el buen hacer de uno de esos directores a los que hay que reivindicar: Sam Wood.
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::: el beso de la muerte / kiss of death, de Henry Hathaway (1947)
Este clásico del cine negro está sólidamente realizado y magníficamente interpretado, siendo además un ejemplo algo esperanzador en un género tan poblado de mujeres fatales, traiciones, pesimismo, fatalismo y amargura ante un destino más que mortal. El beso de la muerte, a pesar de su título sombrío, es un soplo de vida surgido de las tinieblas, una muestra de algo que es posible en la vida de toda persona: la redención y el cambio, una nueva oportunidad y una vida alejada de la escoria y los bajos fondos, no sólo físicos sino morales. Cinematográficamente hay escenas realmente bien construidas que alcanzan una tensión, latente desde cierto giro argumental, que desencadena el final, que no desvelaré, claro. Pero, cuando escribo esta crítica es porque siento que vale la pena ver esta película hasta el final.
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El fantasma y la Sra Muir (1947) de J.L. Mankievick es una joya más para añadir a la colección del gran director, en esta ocasión con un relato magnífico y tan romántico, misterioso, y magistralmente interpretado y desarrollado que se convierte en un espíritu sutil y profundo que se respira hasta lo más profundo del alma, y allí permanece en una bendita cadena perpetua. Una obra maestra como hay muy pocas, como no hay ninguna, pues tiene un alma propia, tiene vida propia.
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Sinfonía de la vida (1947) Sam Wood. Una buena película, llena de ternura, sobre esas pequeñas cosas de la vida que suceden a los habitantes de una ciudad de antaño. Sensible, deliciosa y llena de vitalidad, merece ser mucho más conocida.
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El asesino poeta (1947) Douglas Sirk. Una joya escondida en la filmografía del maestro del melodrama, esta magnífica película, que es un verdadero placer, plantea una intriga sobre un criminal que se obsesiona con unir belleza y muerte. Soberbia, ágil, viva y magníficamente interpretada. Casi es un crimen perdérsela.
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Cuerpo y alma (1947) Robert Rossen. Quizá la mejor película de un director que merece ser reivindicado, refleja el mundo del boxeo con una intensidad y habilidad memorables.
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Retorno al pasado (1947) de Jacques Tourneur es otra joya de la filmografía de Tourneur, siendo un clásico del cine negro con una atmósfera muy lograda.
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Los amantes de la noche (1947) Nicholas Ray. Rara vez una película logra fundir lo delictivo y lo romántico con la poesía y maestría con las que Nicholas Ray alumbró esta primera joya de su filmografía. Arrebatadora, sublime, descorazonadora, sublime.
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Berlín exprés (1948) Jacques Tourneur. El talento de Tourneur era capaz de afrontar con garantías y algo más que solvencia cualquier género. Esta película de suspense es una nueva prueba de su gran valía cinematográfica.
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Louisiana story (1948) Robert J. Flaherty. El pionero del documental presta su aliento poético a un documental financiado por una petrolera, en la que afirma la posibilidad de una armonía entre la naturaleza y el desarrollo industrializado moderno. Su celebración de la belleza y la vitalidad, siempre presentes en su obra, aquí sin embargo está al servicio de una industria que en nada beneficia a la naturaleza. Admirable cinematográficamente y con el talento y sensibilidad de un poeta de la imagen, aunque iluso en su planteamiento.
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El amor (1948) de Roberto Rossellini. Es un homenaje a Anna Magnani compuesto por dos episodios, uno basado en Jean Cocteau y otro en Fellini, que también actúa. Inolvidable.
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fort apache (1948) de John Ford, es una película magistral llena del talento y generosidad del gran director, con sus personajes maravillosamente retratados y su gran don para hacer de una película no sólo un auténtico acontecimiento sino algo que late con vida propia, better than life! como dicen los americanos. ¡Qué grande! Un western memorable con Henry Fonda, John Wayne y Monument Valley.
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Al rojo vivo (1949) de Raoul Walsh. Es un clásico interpretado magníficamente por el gran James Cagney, un tipo de mucho cuidado, patológicamente influido por su madre. Inolvidable y sobrecogedora su reacción a cierta noticia en la cárcel.
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el perro rabioso (1949) de Akira Kurosawa, es una película policíaca con influencias neorrealistas en la que se deja traslucir el humanismo del gran director, es este caso incidiendo en el sentido de la responsabilidad y en la virtud de la perseverancia. Al año siguiente el mundo entero descubrió a Kurosawa gracias a Rashomon.
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La carta (1949) de William Wyler, es un magnífico melodrama con excelentes interpretaciones, inolvidable Bette Davis en un papel de los que la hicieron célebre, y la sabia dirección de un director quizá algo subestimado como William Wyler.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1940-1949
Las uvas de la ira // The grapes of wrath (1940) John Ford
El gran dictador // The great dictator (1940) Charles Chaplin
El halcón maltés // The maltese falcon (1941) John Huston
Ciudadano Kane // Citizen Kane (1941) Orson Welles
Casablanca // = (1942) Michael Curtiz
Ser o no ser // To be or not to be (1942) Ernst Lubitsch
Obsesión // Ossessione (1942) Luchino Visconti
La mujer del cuadro // The woman in the window (1944) Fritz Lang
Perdición // Double indemnity (1944) Billy Wilder
Roma, ciudad abierta // Roma città aperta (1945) Roberto Rossellini
Ladrón de bicicletas // Ladri di biciclete (1948) Vittorio de Sica
Macbeth // = (1948) Orson Welles
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Los viajes de Sullivan (1941) Preston Sturges. Una obra maestra del gran Sturges. Una película maravillosamente divertida, con trasfondo social y reflexión sobre el quehacer cinematográfico, además de una vitalidad realista, apabullante y gozosa. ¡Qué bonito es reír!
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Bola de fuego (1941) Howard Hawks. Obra maestra de un maestro, con guión del maestro Billy Wilder, fotografía del maestro Gregg Toland... interpretaciones de Gary Cooper y Barbara Stanwyck y un genio en la dirección llamado Howard Hawks... Con todos estos ingredientes el resultado es un plato delicioso, una espléndida y arrebatadora comedia que sin duda pertenece al selecto club de las mejores películas de la historia del cine.
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::: las tres noches de Eva / the lady Eve, de Preston Sturges (1941)
Barbara Stanwyck y Henry Fonda protagonizan esta deliciosa, sensual, ingeniosa y gran comedia, picarona y llena de delicadeza, del gran director y guionista (antes guionista y luego ambas cosas) Preston Sturges. Con momentos sublimes, diálogos maravillosos e interpretaciones magníficas esta película hace honor al talento y prestigio de Sturges. Telegráficamente: una obra maestra.
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Serenata nostálgica (1941) de Stevens, es una película que engrandece el corazón y emociona hasta el último fotograma, que hace sonreír, pero puede hacer llorar por las cosas que hacen reír y luchar y llorar a tantas mujeres y tantos hombres... una película preciosa, bonita y buena.
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El último refugio (1941) Raoul Walsh. La película que lanzó al estrellato a Humphrey Bogart, con Ida Lupino, guión adaptado por John Huston, la sabia dirección del gran Walsh, y un final, en todos los sentidos, en la cumbre. Sin paliativos, ni en su negrura ni en su ternura. Magnífica película.
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El arca de oro (1941) George Marshall. Una película que posee ese toque de la comedia americana clásica, alegre y chispeante, con un James Stewart tan apropiado como siempre.
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La mujer pantera (1942) de Jacques Tourneur es un clásico el cine de terror, pero clásico con mayúsculas, una película enorme y sin embargo sencilla y sin efectismos, sino sutil y embriagadora, en la que el uso de la elipsis y de la imaginación del espectador son fundamentales. Una obra maestra de un autor que merece ser mucho más reconocido de lo que lo es.
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Meshes of the afternoon (1943) Maya Deren y Alexander Hammid. Un corto clásico, fascinante, surrealista, gótico, poético, y quizá reivindicativo y feminista...
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::: la mitad del paraíso / the demi-paradise, de Anthony Asquith (1943)
¿Se puede hacer una película propagandística, hacerla en mitad de una guerra y que resulte una comedia ingeniosa, alegre, que trascienda lo panfletario para ir más allá, al ser humano, a las relaciones personales, al carácter de una nación que hace gala de sus mejores armas? Si, claro que se puede... esta película afirma los lazos entre ingleses y rusos enmedio de la segunda guerra mundial y utiliza el humor inglés (¡qué gran arma!) para hacerlo, y de paso, como quien no quiere la cosa, nos desvela que el humor es un arma sólo comparable a la templanza. En pocas palabras, una delicia.
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Arsénico por compasión (1944) de Frank Capra. Es una obra maestra de la comedia con toques de ambientación terrorífica y una historia indeleble, entre negra y luminosa. Además cuenta con una de las interpretaciones más divertidas del grandísimo Cary Grant. Una maravilla.
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Detour (1945) Edgar G. Ulmer. Es una de las obras maestras del cine negro, y una de las películas más fatalistas de la historia del cine. Un halo de emboscada del destino se cierne como algo más que una amenaza sobre unos personajes abocados a la perdición sin posibilidad alguna de hallar un final feliz. Casi existencialista, es un film memorable y milagroso en cierto modo, a pesar de su negrura, pues se trata de una obra realizada en una productora de ni se sabe qué categoría, con medios ínfimos pero que confirma de nuevo que lo más importante en el cine es el talento. Y Detour es una magnífica muestra del talento cinematográfico de Ulmer.
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Recuerda (1945) Alfred Hitchcock. Al magisterio de Hitchcock (tardíamente reconocido por la nouvelle vague, pues durante décadas se le vio como un mero autor comercial) y su constante del falso culpable se unen en esta película los decorados oníricos de Salvador Dalí (a quien acusaban de Avida Dollars) y las interpretaciones de Gregory Peck y la maravillosa Ingrid Bergman. Valga el juego de palabras, pero es de las películas que se recuerdan.
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Breve encuentro (1945) David Lean. Es una magnífica película con momentos inolvidables que han quedado grabados en la historia del cine. Un retrato de la pequeña burguesía británica de la época minucioso y admirable. Una historia sentimental desarrollada con un estilo narrativo soberbio. Una joya que hizo pensar a Wilder en el personaje que les presta "El apartamento".
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::: tierra generosa / canyon passage, de Jacques Tourneur (1946)
Jacques Tourneur ha pasado a la historia del cine y al altar de tantos cinéfilos gracias a clásicos del terror como "La mujer pantera" o del cine negro como "Retorno al pasado", pero también realizó este western en color con una fotografía y narrativa alegre, luminosa, viva, que se disfruta con agrado porque es encantador, y muestra una vez más el don de Tourneur para realizar magníficas películas independientemente del género de la película. Un tesoro escondido esperando ser descubierto.
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Narciso negro (1946) de Michael Powell y Emeric Pressburger. Un clásico del cine inglés bastante perturbador con una atmósfera enigmática muy lograda.
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El pecado de Cluny Brown (1946) de Lubitsch es, por desgracia, la última de las obras maestras de un director que tuvo varias... Hace falta decir poco más. Maravilllosa.
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forajidos (1946) de Robert Siodmak, es una obra maestra del cine negro con una magnífica dirección (¡qué poco reconocido el indudable talento de Siodmak!) y las interpretaciones de dos estrellas emergentes: Burt Lancaster y Ava Gardner. El guión se basa en un relato de Hemingway. Un trabajo formidable, impecable.
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La escalera de caracol (1946) de Siodmak, es un clásico del cine de intriga con buenas interpretaciones y audaces recursos visuales para narrar una historia enfermiza de asesinatos en serie. Inolvidable.
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cadenas rotas (1946) de David Lean, es la adaptación de Grandes esperanzas de Dickens. Un relato maravilloso e inolvidable, con magníficas interpretaciones.
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Latido (1946) Sam Wood. Agradable comedia, que empieza en una academia de carteristas y continúa en ambientes elegantes, con Ginger Rogers, en la que esta actriz tan dotada para la la comedia despliega su don bajo el buen hacer de uno de esos directores a los que hay que reivindicar: Sam Wood.
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::: el beso de la muerte / kiss of death, de Henry Hathaway (1947)
Este clásico del cine negro está sólidamente realizado y magníficamente interpretado, siendo además un ejemplo algo esperanzador en un género tan poblado de mujeres fatales, traiciones, pesimismo, fatalismo y amargura ante un destino más que mortal. El beso de la muerte, a pesar de su título sombrío, es un soplo de vida surgido de las tinieblas, una muestra de algo que es posible en la vida de toda persona: la redención y el cambio, una nueva oportunidad y una vida alejada de la escoria y los bajos fondos, no sólo físicos sino morales. Cinematográficamente hay escenas realmente bien construidas que alcanzan una tensión, latente desde cierto giro argumental, que desencadena el final, que no desvelaré, claro. Pero, cuando escribo esta crítica es porque siento que vale la pena ver esta película hasta el final.
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El fantasma y la Sra Muir (1947) de J.L. Mankievick es una joya más para añadir a la colección del gran director, en esta ocasión con un relato magnífico y tan romántico, misterioso, y magistralmente interpretado y desarrollado que se convierte en un espíritu sutil y profundo que se respira hasta lo más profundo del alma, y allí permanece en una bendita cadena perpetua. Una obra maestra como hay muy pocas, como no hay ninguna, pues tiene un alma propia, tiene vida propia.
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Sinfonía de la vida (1947) Sam Wood. Una buena película, llena de ternura, sobre esas pequeñas cosas de la vida que suceden a los habitantes de una ciudad de antaño. Sensible, deliciosa y llena de vitalidad, merece ser mucho más conocida.
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El asesino poeta (1947) Douglas Sirk. Una joya escondida en la filmografía del maestro del melodrama, esta magnífica película, que es un verdadero placer, plantea una intriga sobre un criminal que se obsesiona con unir belleza y muerte. Soberbia, ágil, viva y magníficamente interpretada. Casi es un crimen perdérsela.
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Cuerpo y alma (1947) Robert Rossen. Quizá la mejor película de un director que merece ser reivindicado, refleja el mundo del boxeo con una intensidad y habilidad memorables.
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Retorno al pasado (1947) de Jacques Tourneur es otra joya de la filmografía de Tourneur, siendo un clásico del cine negro con una atmósfera muy lograda.
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Los amantes de la noche (1947) Nicholas Ray. Rara vez una película logra fundir lo delictivo y lo romántico con la poesía y maestría con las que Nicholas Ray alumbró esta primera joya de su filmografía. Arrebatadora, sublime, descorazonadora, sublime.
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Berlín exprés (1948) Jacques Tourneur. El talento de Tourneur era capaz de afrontar con garantías y algo más que solvencia cualquier género. Esta película de suspense es una nueva prueba de su gran valía cinematográfica.
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Louisiana story (1948) Robert J. Flaherty. El pionero del documental presta su aliento poético a un documental financiado por una petrolera, en la que afirma la posibilidad de una armonía entre la naturaleza y el desarrollo industrializado moderno. Su celebración de la belleza y la vitalidad, siempre presentes en su obra, aquí sin embargo está al servicio de una industria que en nada beneficia a la naturaleza. Admirable cinematográficamente y con el talento y sensibilidad de un poeta de la imagen, aunque iluso en su planteamiento.
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El amor (1948) de Roberto Rossellini. Es un homenaje a Anna Magnani compuesto por dos episodios, uno basado en Jean Cocteau y otro en Fellini, que también actúa. Inolvidable.
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fort apache (1948) de John Ford, es una película magistral llena del talento y generosidad del gran director, con sus personajes maravillosamente retratados y su gran don para hacer de una película no sólo un auténtico acontecimiento sino algo que late con vida propia, better than life! como dicen los americanos. ¡Qué grande! Un western memorable con Henry Fonda, John Wayne y Monument Valley.
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Al rojo vivo (1949) de Raoul Walsh. Es un clásico interpretado magníficamente por el gran James Cagney, un tipo de mucho cuidado, patológicamente influido por su madre. Inolvidable y sobrecogedora su reacción a cierta noticia en la cárcel.
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el perro rabioso (1949) de Akira Kurosawa, es una película policíaca con influencias neorrealistas en la que se deja traslucir el humanismo del gran director, es este caso incidiendo en el sentido de la responsabilidad y en la virtud de la perseverancia. Al año siguiente el mundo entero descubrió a Kurosawa gracias a Rashomon.
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La carta (1949) de William Wyler, es un magnífico melodrama con excelentes interpretaciones, inolvidable Bette Davis en un papel de los que la hicieron célebre, y la sabia dirección de un director quizá algo subestimado como William Wyler.
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pequeña historia del cine
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1940-1949
Las uvas de la ira // The grapes of wrath (1940) John Ford
El gran dictador // The great dictator (1940) Charles Chaplin
El halcón maltés // The maltese falcon (1941) John Huston
Ciudadano Kane // Citizen Kane (1941) Orson Welles
Casablanca // = (1942) Michael Curtiz
Ser o no ser // To be or not to be (1942) Ernst Lubitsch
Obsesión // Ossessione (1942) Luchino Visconti
La mujer del cuadro // The woman in the window (1944) Fritz Lang
Perdición // Double indemnity (1944) Billy Wilder
Roma, ciudad abierta // Roma città aperta (1945) Roberto Rossellini
Ladrón de bicicletas // Ladri di biciclete (1948) Vittorio de Sica
Macbeth // = (1948) Orson Welles
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películas 1950-59
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La jungla de asfalto (1950) John Huston. Magistral clásico del cine negro al que no le falta ni sobra un solo fotograma. Admirable y con caracteres e interpretaciones sobresalientes. Para mitómanos y entusiastas de Marylin Monroe, además aparece en breve papel.
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Surcos (1951) José Antonio Nieves Conde. Una obra maestra del cine español, que expresa el drama de una familia que abandona el campo atraída por el engañoso brillo de la gran ciudad. Soberbia en todos los sentidos, aún hoy sorprende la valentía del planteamiento y el latido de realidad que la recorre. Quizá la obra cumbre del neorrealismo español.
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Esa pareja feliz (1951) Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem. Una gran película con la que debutaron conjuntamente dos de los autores más importantes de la historia del cine español. Es una comedia magnífica, ingeniosa, inteligente, con chispa... Una obra maestra.
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París, bajos fondos (1951) de Jacques Becker. Es una de las mejores películas de su autor, que merece un reconocimiento mayor del que se le ha dado, al menos en mi opinión. Una gran película.
París, bajos fondos (1951) Jacques Becker. Es una película espléndida, un gran clásico del cine francés, muy bien interpretada y con una admirable textura visual.
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El gran carnaval (1951) de Billy Wilder. Un retrato ácido del sensacionalismo periodístico y del lado morboso y ruin del ser humano. Inapelable.
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Brigada 21 (1951) de Wyler, es una magnífica película muy bien interpretada pero injustamente poco conocida, aunque es una pequeña e intensa joya
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Encubridora (1952) de Fritz Lang. Es un western fascinante del gran director alemán, con una no menos magnética Marlene Dietrich en un papel poderoso. Rezuma talento, belleza e intensidad.
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Vivir (1952) de Kurosawa, y no quiero desvelar la historia pero supone un alegato vitalista y también una denuncia de alcance sobre lo que es funcionar sin más en el sistema. Quizá no sea la mayor obra maestra del autor pero es tan bella incluso en su dramatismo...
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Un verano con Mónica (1953) Ingmar Bergman. Es la película que reveló internacionalmente al maestro sueco, un film vivo, bien rodado, y con la encantadora Harriet Andersson. Aunque empieza destilando una sensualidad gozosa, el recuerdo indeleble que deja es más seco. Bergman.
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Niágara (1953) Henry Hathaway. Es un film que sorprende por su rara habilidad al combinar magníficamente la trama policíaca, la ambientación con el paisaje rodada en estilo documental y la sensualidad insinuante de Marylin Monroe. Aparentemente una película comercial, en su interior una muestra de que Hathaway era un director que sabía lo que se hacía.
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la burla del diablo (1953) de John Huston, es una película llena de bromas, diabluras, un delirante disparate que es puro juego, e incluso autoparodia. Muy divertida, excéntrica y singular. Con Bogart, Peter Lorre, Jennifer Jones...
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::: Les vacances de M. Hulot / Las vacaciones de M. Hulot, de Jacques Tati (1953)
Esta deliciosa y delicada obra maestra sigue, cincuenta años después de su estreno, tan fresca como una rosa, tan jovial como una quinceañera, y todavía lúcida, ingeniosa e inteligente. Y una comedia inteligente es quizá lo más parecido al paraíso en la tierra. El talento de Tati es desbordante. Las escenas divertidas se suceden como si tal cosa en este gran desfile de sentido del humor. Su lucidez observadora ante la vida cotidiana es increíble.Tati agotaría los adjetivos elogiosos, pero por suerte su don no se agotó y siguió floreciendo, por ejemplo en la audaz y genial Playtime, aunque su primer film ya anunciaba en lo que se convierte un día en que vemos una obra maestra de Tati: en un Día de fiesta.
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La puerta del infierno (1953) Teinosuke Kinugasa. Una de las películas que abrieron los ojos a Occidente: en Japón el cine estaba más que maduro y sus obras y maestros a destacar aumentan conforme mengua nuestra enorme ignorancia.
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20.000 leguas de viaje submarino (1954) Richard Fleischer. Una de las mejores películas de aventuras jamás realizadas, sencillamente un clásico lleno del esplendor de lo maravilloso.
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::: rififi / du rififi chez les hommes, de Jules Dassin (1954)
Esta película negra, escrita con letras de oro en la historia del cine, tiene momentos impresionantes, siendo la obra maestra de Jules Dassin (que tuvo que salir de la supuesta cuna de la libertad debido a sus ideas progresistas) en Francia. El film narra con maestría un robo y sus consecuencias. Las interpretaciones, el montaje, la fotografía, la música, el guión... en fin, todo queda maravillosamente engarzado como en un collar. La película sorprendió en su momento y sigue fascinando hoy en día. Entonces ganó en Cannes y provocó una oleada de imitaciones, hoy en día sorprende por su violencia, pero también por su audacia y cierta jovialidad que aún hace más dramática la historia.
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El hombre de Laramie (1955) de Anthony Mann. Es una obra maestra del western, con James Stewart, con una historia maravillosamente narrada en toda su complejidad, ternura y violencia.
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Tierras lejanas (1955) Anthony Mann. Es un clásico del western con magníficos intérpretes de la categoría de James Stewart y el soberbio actor de reparto Walter Brennan. Además muy bellamente fotografiada, y con una historia sólida muy bien desarrollada por Mann.
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Historias de la radio (1955) de José Luis Saénz de Heredia. Es una buena película que retrata con humor, y un reparto de los que hacen época, la España de la época, en la que la radio era importantísima.
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Las amigas (1955) de Antonioni, es un film poco conocido del autor, aunque digno, pues su fama se debe a los caminos que abrieron sus obras sobre la incomunicación, sobre todo "La aventura". Es una película en la que se apuntan las motivaciones y constantes de su obra más famosa.
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El beso mortal (1955) Robert Aldrich. Una gran película de cine negro con interpretaciones soberbias y una magnífica labor de dirección, una atmósfera lograda, densa, violenta y uno de los finales más impactantes que jamás se han rodado.
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La canción del camino (1955) de Satyajit Ray es una obra maestra absoluta de la historia del cine. Magistral en todos los aspectos, inolvidable y maravillosa. El maestro Kurosawa admiraba profundamente la trilogía de Apu, que empieza con esta joya.
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La casa de bambú (1955) de Samuel Fuller es una de las películas más logradas de un director que no fue profeta en su tierra, que fue admirado y reivindicado por la nouvelle vague francesa y curiosamente (o no tanto) poco valorado o vituperado en su país, Estados Unidos.
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Ellos y ellas (1955) Joseph L. Mankiewicz. Deliciosa comedia musical con Frank Sinatra y Marlon Brando, y también con la chispa y diálogos ingeniosos, brillantes, del genial Mankiewicz. Y romántica.
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::: escrito sobre el viento / written on the wind, de Douglas Sirk (1956)
Esta magnífica película eleva el melodrama a la categoría de arte. No sólo dignifica un género que en manos menos hábiles acaba siendo sensiblero y vulgar sino que hace de una historia propensa al efectismo todo un tratado de contención y maestría. Maestría en cada plano, en cada composición, en cada detalle, en cada interpretación, todas soberbias... Esta película ostenta con todo merecimiento el honor de ser la cumbre del género, gracias a la labor de un maestro, no sólo del melodrama sino del cine, como demuestra en este film sobre la decadencia de una sociedad y las pasiones que la recorren.
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Alta sociedad (1956) es el remake musical de la obra maestra "Historias de Filadelfia". Dejando de lado las odiosas comparaciones, es una película agradable y divertida que deja buen sabor de boca y cuenta con canciones de Bing Crosby acompañado del gran Louis Armstrong, y a Grace Kelly en el papel protagonista.
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La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) de Don Siegel, que marcó una época y sigue aterrando hoy en día. Don Siegel es otro gran director que aún no ha sido lo suficientemente valorado, y esta película es un clásico.
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El loco del pelo rojo (1956) Vincente Minnelli, es una magnífica biografía del gran pintor Vincent Van Gogh, que desborda la vitalidad luminosa y torturada del genio holandés gracias a las grandes interpretaciones de Kirk Douglas como Van Gogh y Anthony Quinn como Gaughin, dirigida con maestría por el gran Minnelli.
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Más dura será la caída (1956) Mark Robson. Uno de los clásicos del cine de boxeo, que refleja abiertamente las prácticas sucias y desvergonzadas de las mafias del ring, y que lamentablemente cuenta con la última interpretación del mítico Humphrey Bogart.
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Doce hombres sin piedad (1957), un clásico, que es un juicio del jurado, bien dirigida por Lumet, una película lúcida y que da mucho que pensar sobre la naturaleza humana... Y con interpretaciones soberbias.
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Chantaje en Broadway (1957) Alexander Mackendrick. Una magnífica película que muestra las miserias morales de agentes y periodistas que se mueven en el mundo del espectáculo. Interpretaciones espléndidas y gran dirección de Mackendrick, aderezada además con una una música que le va como anillo al dedo y la maravilllosa fotografía del maestro Wong Howe. Como poco un pequeño clásico.
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Noches blancas (1957) Luchino Visconti. La obra original de Dostoyevski es inolvidable y casi rompe el corazón, en su adaptación Visconti se permite licencias con cambios cronológicos, de lugar e incluso en matices de los personajes, pero aún prefiriendo el relato original del gran escritor ruso, la película posee una vitalidad encomiable, interpretaciones soberbias, música, fotografía y ambientación magníficas y una sólida dirección que desemboca admirablemente en un final que es a un tiempo pudoroso y emotivo.
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Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini. Una obra maestra de Fellini, llena de humanidad maltratada, de almas cándidas y también desaprensivas. Un drama, una comedia, una película inolvidable.
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::: mon oncle / mi tío, de Jacques Tati (1958)
La delicadeza de Tati es maravillosa. Es un poeta. Esta encantadora obra maestra del genial Tati sólo tiene una pega: que una película así sólo se hace una vez en la vida. Se puede hacer una lista de virtudes y empezar a enumerar... tanto talento, tanta calidez, tanto encanto, buen humor... En fin, las palabras deben quedarse cortas ante algo tan grande. En el fondo, ¡qué gran suerte que hayan películas como Mi tío y darse cuenta de lo limitadas que son las palabras y lo maravillosa que es la vida vista por Tati!. Es casi una tragedia que existan tan pocas comedias con el toque Tati. Además, por si fuera poco, Mi tío es en color y con una música maravillosa deAlain Romans y Frank Barcellini, digna del lúcido y sutil observador que, además de divertido, también es Tati. Lástima que dirigiera tan poco (Playtime, Día de fiesta, Las vacaciones de M. Hulot y, claro, Mi tío, son patrimonio de la humanidad) aunque por suerte aún tenemos ojos, oídos y corazón para disfrutar con sus películas.
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Como un torrente (1958) Vincente Minnelli. El talento de su director extrae a este magnífico melodrama audaces propuestas visuales (como la sensacional escena en la feria) e interpretaciones que rezuman autenticidad. Una pequeña joya que merece ser más conocida.
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Cenizas y diamantes (1958) Andrzej Wajda. Un clásico que sigue fascinando con su historia inolvidable y una habilidad cinematográfica que alzan esta película a la categoría de obra maestra.
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El pisito (1958) Marco Ferreri. La primera colaboración entre el genial guionista Rafael Azcona y el director italiano es una comedia con mucho humor negro sobre la triste realidad de la España franquista. Una obra imprescindible del cine español.
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Rufufú (1958) Mario Monicelli. Clásico de la comedia a la italiana con un reparto excelente (Mastroiani, Gassman, Cardinale...) que da vida a un grupo inolvidable de ladronzuelos y sus andanzas.
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Hiroshima mon amour (1959) Alain Resnais. Esta magnífica e innovadora película crea un tiempo mental a partir de un relato de Marguerite Duras que en las sabias manos de Alain Resnais se convierte en un hito de la historia del cine. Talento, originalidad y un halo especial recorren esta película inolvidable.
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Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminger es un clásico del cine judicial, intenso y memorable.
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pequeña historia del cine
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1950-1959
El crepúsculo de los dioses // Sunset boulevard (1950) Billy Wilder
Rashomon // = (1951) Akira Kurosawa
Eva al desnudo // All about Eve (1951) Joseph L. Mankievick
Los sobornados // The big heat (1952) Fritz Lang
El hombre tranquilo // The quiet man (1952) John Ford
Otelo // Othello (1952) Orson Welles
Cantando bajo la lluvia // Singin’ in the rain (1952) Stanley Donen y Gene Kelly
Bienvenido Mr. Marshall // = (1952) Luis G. Berlanga
Vida de O-Haru, mujer galante // Saikaku ichidai onna (1952) Kenji Mizoguchi
Los amantes crucificados // Chikamatsu monogatari (1954) Kenji Mizoguchi
Viaje a Tokio // Tokyo monogatari (1953) Yasujiro Ozu
La strada // = (1954) Federico Fellini
Los siete samuráis // Shichinin no samurai (1954) Akira Kurosawa
La palabra // Ordet (1955) Carl Dreyer
La noche del cazador // The night of the hunter (1955) Charles Laughton
Muerte de un ciclista // = (1955) Juan Antonio Bardem
Lola Montes // Lola Montès (1955) Max Ophüls
Centauros del desierto // The searchers (1956) John Ford
Calle Mayor // = (1956) Juan Antonio Bardem
El séptimo sello // Det sjunde inseglet (1956) Ingmar Bergman
Fresas salvajes // Smultronstallet (1957) Ingmar Bergman
Senderos de gloria // Paths of glory (1957) Stanley Kubrick
Nazarín // = (1958) Luis Buñuel
Vértigo // Vertigo (1958) Alfred Hitchcock
Sed de mal // Touch of evil (1958) Orson Welles
El mundo de Apu // Apur sansar (1959) Satyahit Ray
Al final de la escapada // A bout de soufflé (1959) Jean-Luc Godard
Los cuatrocientos golpes // Les quatre cents coups (1959) François Truffaut
Hiroshima mon amour // = (1959) Alain Resnais
La aventura // L’avventura (1959) Michaelangelo Antonioni
Con faldas y a lo loco // Some like it hot (1959) Billy Wilder
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La jungla de asfalto (1950) John Huston. Magistral clásico del cine negro al que no le falta ni sobra un solo fotograma. Admirable y con caracteres e interpretaciones sobresalientes. Para mitómanos y entusiastas de Marylin Monroe, además aparece en breve papel.
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Surcos (1951) José Antonio Nieves Conde. Una obra maestra del cine español, que expresa el drama de una familia que abandona el campo atraída por el engañoso brillo de la gran ciudad. Soberbia en todos los sentidos, aún hoy sorprende la valentía del planteamiento y el latido de realidad que la recorre. Quizá la obra cumbre del neorrealismo español.
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Esa pareja feliz (1951) Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem. Una gran película con la que debutaron conjuntamente dos de los autores más importantes de la historia del cine español. Es una comedia magnífica, ingeniosa, inteligente, con chispa... Una obra maestra.
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París, bajos fondos (1951) de Jacques Becker. Es una de las mejores películas de su autor, que merece un reconocimiento mayor del que se le ha dado, al menos en mi opinión. Una gran película.
París, bajos fondos (1951) Jacques Becker. Es una película espléndida, un gran clásico del cine francés, muy bien interpretada y con una admirable textura visual.
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El gran carnaval (1951) de Billy Wilder. Un retrato ácido del sensacionalismo periodístico y del lado morboso y ruin del ser humano. Inapelable.
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Brigada 21 (1951) de Wyler, es una magnífica película muy bien interpretada pero injustamente poco conocida, aunque es una pequeña e intensa joya
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Encubridora (1952) de Fritz Lang. Es un western fascinante del gran director alemán, con una no menos magnética Marlene Dietrich en un papel poderoso. Rezuma talento, belleza e intensidad.
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Vivir (1952) de Kurosawa, y no quiero desvelar la historia pero supone un alegato vitalista y también una denuncia de alcance sobre lo que es funcionar sin más en el sistema. Quizá no sea la mayor obra maestra del autor pero es tan bella incluso en su dramatismo...
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Un verano con Mónica (1953) Ingmar Bergman. Es la película que reveló internacionalmente al maestro sueco, un film vivo, bien rodado, y con la encantadora Harriet Andersson. Aunque empieza destilando una sensualidad gozosa, el recuerdo indeleble que deja es más seco. Bergman.
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Niágara (1953) Henry Hathaway. Es un film que sorprende por su rara habilidad al combinar magníficamente la trama policíaca, la ambientación con el paisaje rodada en estilo documental y la sensualidad insinuante de Marylin Monroe. Aparentemente una película comercial, en su interior una muestra de que Hathaway era un director que sabía lo que se hacía.
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la burla del diablo (1953) de John Huston, es una película llena de bromas, diabluras, un delirante disparate que es puro juego, e incluso autoparodia. Muy divertida, excéntrica y singular. Con Bogart, Peter Lorre, Jennifer Jones...
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::: Les vacances de M. Hulot / Las vacaciones de M. Hulot, de Jacques Tati (1953)
Esta deliciosa y delicada obra maestra sigue, cincuenta años después de su estreno, tan fresca como una rosa, tan jovial como una quinceañera, y todavía lúcida, ingeniosa e inteligente. Y una comedia inteligente es quizá lo más parecido al paraíso en la tierra. El talento de Tati es desbordante. Las escenas divertidas se suceden como si tal cosa en este gran desfile de sentido del humor. Su lucidez observadora ante la vida cotidiana es increíble.Tati agotaría los adjetivos elogiosos, pero por suerte su don no se agotó y siguió floreciendo, por ejemplo en la audaz y genial Playtime, aunque su primer film ya anunciaba en lo que se convierte un día en que vemos una obra maestra de Tati: en un Día de fiesta.
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La puerta del infierno (1953) Teinosuke Kinugasa. Una de las películas que abrieron los ojos a Occidente: en Japón el cine estaba más que maduro y sus obras y maestros a destacar aumentan conforme mengua nuestra enorme ignorancia.
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20.000 leguas de viaje submarino (1954) Richard Fleischer. Una de las mejores películas de aventuras jamás realizadas, sencillamente un clásico lleno del esplendor de lo maravilloso.
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::: rififi / du rififi chez les hommes, de Jules Dassin (1954)
Esta película negra, escrita con letras de oro en la historia del cine, tiene momentos impresionantes, siendo la obra maestra de Jules Dassin (que tuvo que salir de la supuesta cuna de la libertad debido a sus ideas progresistas) en Francia. El film narra con maestría un robo y sus consecuencias. Las interpretaciones, el montaje, la fotografía, la música, el guión... en fin, todo queda maravillosamente engarzado como en un collar. La película sorprendió en su momento y sigue fascinando hoy en día. Entonces ganó en Cannes y provocó una oleada de imitaciones, hoy en día sorprende por su violencia, pero también por su audacia y cierta jovialidad que aún hace más dramática la historia.
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El hombre de Laramie (1955) de Anthony Mann. Es una obra maestra del western, con James Stewart, con una historia maravillosamente narrada en toda su complejidad, ternura y violencia.
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Tierras lejanas (1955) Anthony Mann. Es un clásico del western con magníficos intérpretes de la categoría de James Stewart y el soberbio actor de reparto Walter Brennan. Además muy bellamente fotografiada, y con una historia sólida muy bien desarrollada por Mann.
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Historias de la radio (1955) de José Luis Saénz de Heredia. Es una buena película que retrata con humor, y un reparto de los que hacen época, la España de la época, en la que la radio era importantísima.
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Las amigas (1955) de Antonioni, es un film poco conocido del autor, aunque digno, pues su fama se debe a los caminos que abrieron sus obras sobre la incomunicación, sobre todo "La aventura". Es una película en la que se apuntan las motivaciones y constantes de su obra más famosa.
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El beso mortal (1955) Robert Aldrich. Una gran película de cine negro con interpretaciones soberbias y una magnífica labor de dirección, una atmósfera lograda, densa, violenta y uno de los finales más impactantes que jamás se han rodado.
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La canción del camino (1955) de Satyajit Ray es una obra maestra absoluta de la historia del cine. Magistral en todos los aspectos, inolvidable y maravillosa. El maestro Kurosawa admiraba profundamente la trilogía de Apu, que empieza con esta joya.
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La casa de bambú (1955) de Samuel Fuller es una de las películas más logradas de un director que no fue profeta en su tierra, que fue admirado y reivindicado por la nouvelle vague francesa y curiosamente (o no tanto) poco valorado o vituperado en su país, Estados Unidos.
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Ellos y ellas (1955) Joseph L. Mankiewicz. Deliciosa comedia musical con Frank Sinatra y Marlon Brando, y también con la chispa y diálogos ingeniosos, brillantes, del genial Mankiewicz. Y romántica.
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::: escrito sobre el viento / written on the wind, de Douglas Sirk (1956)
Esta magnífica película eleva el melodrama a la categoría de arte. No sólo dignifica un género que en manos menos hábiles acaba siendo sensiblero y vulgar sino que hace de una historia propensa al efectismo todo un tratado de contención y maestría. Maestría en cada plano, en cada composición, en cada detalle, en cada interpretación, todas soberbias... Esta película ostenta con todo merecimiento el honor de ser la cumbre del género, gracias a la labor de un maestro, no sólo del melodrama sino del cine, como demuestra en este film sobre la decadencia de una sociedad y las pasiones que la recorren.
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Alta sociedad (1956) es el remake musical de la obra maestra "Historias de Filadelfia". Dejando de lado las odiosas comparaciones, es una película agradable y divertida que deja buen sabor de boca y cuenta con canciones de Bing Crosby acompañado del gran Louis Armstrong, y a Grace Kelly en el papel protagonista.
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La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) de Don Siegel, que marcó una época y sigue aterrando hoy en día. Don Siegel es otro gran director que aún no ha sido lo suficientemente valorado, y esta película es un clásico.
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El loco del pelo rojo (1956) Vincente Minnelli, es una magnífica biografía del gran pintor Vincent Van Gogh, que desborda la vitalidad luminosa y torturada del genio holandés gracias a las grandes interpretaciones de Kirk Douglas como Van Gogh y Anthony Quinn como Gaughin, dirigida con maestría por el gran Minnelli.
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Más dura será la caída (1956) Mark Robson. Uno de los clásicos del cine de boxeo, que refleja abiertamente las prácticas sucias y desvergonzadas de las mafias del ring, y que lamentablemente cuenta con la última interpretación del mítico Humphrey Bogart.
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Doce hombres sin piedad (1957), un clásico, que es un juicio del jurado, bien dirigida por Lumet, una película lúcida y que da mucho que pensar sobre la naturaleza humana... Y con interpretaciones soberbias.
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Chantaje en Broadway (1957) Alexander Mackendrick. Una magnífica película que muestra las miserias morales de agentes y periodistas que se mueven en el mundo del espectáculo. Interpretaciones espléndidas y gran dirección de Mackendrick, aderezada además con una una música que le va como anillo al dedo y la maravilllosa fotografía del maestro Wong Howe. Como poco un pequeño clásico.
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Noches blancas (1957) Luchino Visconti. La obra original de Dostoyevski es inolvidable y casi rompe el corazón, en su adaptación Visconti se permite licencias con cambios cronológicos, de lugar e incluso en matices de los personajes, pero aún prefiriendo el relato original del gran escritor ruso, la película posee una vitalidad encomiable, interpretaciones soberbias, música, fotografía y ambientación magníficas y una sólida dirección que desemboca admirablemente en un final que es a un tiempo pudoroso y emotivo.
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Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini. Una obra maestra de Fellini, llena de humanidad maltratada, de almas cándidas y también desaprensivas. Un drama, una comedia, una película inolvidable.
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::: mon oncle / mi tío, de Jacques Tati (1958)
La delicadeza de Tati es maravillosa. Es un poeta. Esta encantadora obra maestra del genial Tati sólo tiene una pega: que una película así sólo se hace una vez en la vida. Se puede hacer una lista de virtudes y empezar a enumerar... tanto talento, tanta calidez, tanto encanto, buen humor... En fin, las palabras deben quedarse cortas ante algo tan grande. En el fondo, ¡qué gran suerte que hayan películas como Mi tío y darse cuenta de lo limitadas que son las palabras y lo maravillosa que es la vida vista por Tati!. Es casi una tragedia que existan tan pocas comedias con el toque Tati. Además, por si fuera poco, Mi tío es en color y con una música maravillosa deAlain Romans y Frank Barcellini, digna del lúcido y sutil observador que, además de divertido, también es Tati. Lástima que dirigiera tan poco (Playtime, Día de fiesta, Las vacaciones de M. Hulot y, claro, Mi tío, son patrimonio de la humanidad) aunque por suerte aún tenemos ojos, oídos y corazón para disfrutar con sus películas.
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Como un torrente (1958) Vincente Minnelli. El talento de su director extrae a este magnífico melodrama audaces propuestas visuales (como la sensacional escena en la feria) e interpretaciones que rezuman autenticidad. Una pequeña joya que merece ser más conocida.
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Cenizas y diamantes (1958) Andrzej Wajda. Un clásico que sigue fascinando con su historia inolvidable y una habilidad cinematográfica que alzan esta película a la categoría de obra maestra.
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El pisito (1958) Marco Ferreri. La primera colaboración entre el genial guionista Rafael Azcona y el director italiano es una comedia con mucho humor negro sobre la triste realidad de la España franquista. Una obra imprescindible del cine español.
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Rufufú (1958) Mario Monicelli. Clásico de la comedia a la italiana con un reparto excelente (Mastroiani, Gassman, Cardinale...) que da vida a un grupo inolvidable de ladronzuelos y sus andanzas.
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Hiroshima mon amour (1959) Alain Resnais. Esta magnífica e innovadora película crea un tiempo mental a partir de un relato de Marguerite Duras que en las sabias manos de Alain Resnais se convierte en un hito de la historia del cine. Talento, originalidad y un halo especial recorren esta película inolvidable.
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Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminger es un clásico del cine judicial, intenso y memorable.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1950-1959
El crepúsculo de los dioses // Sunset boulevard (1950) Billy Wilder
Rashomon // = (1951) Akira Kurosawa
Eva al desnudo // All about Eve (1951) Joseph L. Mankievick
Los sobornados // The big heat (1952) Fritz Lang
El hombre tranquilo // The quiet man (1952) John Ford
Otelo // Othello (1952) Orson Welles
Cantando bajo la lluvia // Singin’ in the rain (1952) Stanley Donen y Gene Kelly
Bienvenido Mr. Marshall // = (1952) Luis G. Berlanga
Vida de O-Haru, mujer galante // Saikaku ichidai onna (1952) Kenji Mizoguchi
Los amantes crucificados // Chikamatsu monogatari (1954) Kenji Mizoguchi
Viaje a Tokio // Tokyo monogatari (1953) Yasujiro Ozu
La strada // = (1954) Federico Fellini
Los siete samuráis // Shichinin no samurai (1954) Akira Kurosawa
La palabra // Ordet (1955) Carl Dreyer
La noche del cazador // The night of the hunter (1955) Charles Laughton
Muerte de un ciclista // = (1955) Juan Antonio Bardem
Lola Montes // Lola Montès (1955) Max Ophüls
Centauros del desierto // The searchers (1956) John Ford
Calle Mayor // = (1956) Juan Antonio Bardem
El séptimo sello // Det sjunde inseglet (1956) Ingmar Bergman
Fresas salvajes // Smultronstallet (1957) Ingmar Bergman
Senderos de gloria // Paths of glory (1957) Stanley Kubrick
Nazarín // = (1958) Luis Buñuel
Vértigo // Vertigo (1958) Alfred Hitchcock
Sed de mal // Touch of evil (1958) Orson Welles
El mundo de Apu // Apur sansar (1959) Satyahit Ray
Al final de la escapada // A bout de soufflé (1959) Jean-Luc Godard
Los cuatrocientos golpes // Les quatre cents coups (1959) François Truffaut
Hiroshima mon amour // = (1959) Alain Resnais
La aventura // L’avventura (1959) Michaelangelo Antonioni
Con faldas y a lo loco // Some like it hot (1959) Billy Wilder
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películas 1960-69
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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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::: tirad sobre el pianista / tirez sur le pianiste, de François Truffaut (1960)
La nouvelle vague francesa tuvo su razón de ser con películas como ésta, en la que hay tanta vivacidad y frescura, rodada por el operador Raoul Coutard con un dinamismo y agilidad fascinantes, y dirigida por Truffaut, que dio rienda suelta a su talento, su buen humor y su buen hacer como director. El resultado es un clásico del cine negro, aunque Tirad sobre el pianista no es sólo cine negro, es cine.Truffaut, se nota, se divirtió como un niño rodando esta joya que, sin embargo, suele quedar a la sombra de otras películas del autor (Los cuatrocientos golpes, Jules y Jim, El pequeño salvaje...) aunque Tirad sobre el pianista es una gran película, una pequeña obra maestra.
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El fotógrafo del pánico (1960) Michael Powell. Un clásico del terror, del cine sobre psicópatas, del análisis del voyeurismo e incluso de la reflexión sobre el propio cine y la condición cinéfila. Perturbador, insano, magnético, un film del que han bebido sangre directores como Scorsese y Polanski. Imprescindible en la historia del cine y de la cinefilia.
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::: ojos sin rostro / les yeux sans visage, de Georges Franju (1960)
Este film de terror de uno de los fundadores de la Cinematèque francesa es perturbador, y sin embargo, como la belleza de Alida Valli o la deliciosa e inquietante música de Maurice Jarre, posee cierto encanto a pesar de la obsesión malsana del doctor que intenta reconstruir la cara de su hija... Pero este encanto es breve, claro, porque esta película es de horror y precursora de numerosas cintas del género. El argumento es lo bastante aterrador para inquietar y Franju tampoco elude algunos pormenores sangrientos ni descuida un final feroz como pocos. La película, sin embargo, posee un halo romántico que la recorre entre el espanto, la fatalidad y la demencia, que hacen de Ojos sin rostro un clásico.
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El apartamento (1960) Billy Wilder. Un día Billy Wilder tras ver la magnífica "Breve encuentro" de David Lean se preguntó sobre el tipo que les dejaba el piso. Así nació esta película, agridulce, inolvidable, que es una pequeña joya nacida lateralmente de otra.
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La evasión (1960) Jacques Becker. Esta película inolvidable es un clásico del género carcelario. Cine sin artificios, elaborado con firmeza, pero con tanta sensibilidad como pulso por el maestro Becker.
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El año pasado en Marienbad (1961) Alain Resnais. Tras una fructífera carrera en el documental que incluye el clásico Noche y niebla (1955) y un debut en la ficción con otro clásico innovador de la magnitud de Hiroshima mon amour, Alain Resnais realizó esta película fascinante, enigmática, misteriosa, magistral... Una película magnética y cautivadora. Una lección de cine, en especial sobre el montaje cinematográfico, y una película que amalgama a las demás artes en una obra total. Rebasa la categoría de obra maestra: desprende algo indefinible y especial, un poso de reflexión e indagación vital, existencial, filosófica... y una vigorosa, profunda y sutil poesía del misterio. Inolvidable e imprescindible, justifica la existencia del cine. Mítica.
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La chica con la maleta (1961) Valerio Zulini. Uno de los clásicos del cine italiano de los 60, con sentimientos agridulces muy bien expresados y magníficas interpretaciones... inolvidable Claudia Cardinale.
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Hatari! (1961) Howard Hawks. El maestro Hawks logra otra magnífica película, sin importarle el género, con esa sencillez, fluidez y alegría de vivir que sólo poseen los más grandes. Aventuras en el corazón de África con un gran sentido del humor, la melodiosa música de Henry Mancini, y con el gran John Wayne. Vitalidad a raudales.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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::: il posto / el empleo, de Emmano Olmi (1961)
Este film del posterior realizador de "El árbol de los zuecos" es al mismo tiempo tierno y simpático pero también ácido, crítico y realista, además de una película bien interpretada. Un joven busca su primer empleo en unas oficinas, conoce a una chica el día de las pruebas de selección de personal, y algo bello y dulce surge entre ellos. Cada cual consigue empleo en un departamento distinto... El final, realista y aterrador, es notable y revela una gran maestría en el uso del sonido, que es el reflejo del porvenir sin alegría que le espera al muchacho. Una película magnífica, sin narcótico final feliz porque el director, aunque no ignora la ternura y la alegría, sabe que la vida es complicada y la vida laboral a menudo deshumanizada.
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Todo el oro del mundo (1961) de René Clair. Es una comedia muy ácida y crítica con determinadas actitudes y comportamientos de baja moralidad, muy apropiada en estos tiempos de saqueo urbanístico y mentiras constantes.
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::: jules y jim / jules et jim, de françois truffaut (1961)
Obra maestra, clásico del cine mundial, exponente supremo de la nouvelle vague... ¿qué se puede decir para hacer justicia a Jules y Jim? Truffaut filmó tan magistral y vivamente este relato de un trio amoroso que de no existir esta película a quienes la hemos disfrutado nos faltaría algo... Cuesta imaginar un fotógrafo mejor que Raoul Coutard, un músico mejor que Georges Delerue o una Catherine mejor que Jeanne Moreau (¡qué gran mujer!) para esta película, que sólo podía realizar alguien con tanto amor por las mujeres, el amor y el cine como François Truffaut. Algo más que una joya, esta película es un auténtico collar de diamantes.
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El terror de las chicas (1961) de Jerry Lewis, es una comedia paradigmática del cómico aderezada con una música viva y alegre y una puesta en escena muy musical, aunque quizá irregular es fresca y optimista
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Accatone (1961) Pier Paolo Pasolini. La primera obra del autor italiano es tan personal y religiosa, tal y como entendía la religiosidad Pasolini, como sus obras posteriores. Marginal, naturalista, dramática, cruda, virginal...
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Cléo de 5 a 7 (1962) de Agnés Vardá. Una muestra viva y vibrante de la nouvelle vague francesa a cargo de la interesante directora.
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Sanjuro (1962) de Kurosawa, quizá sea considerada una película menor dentro de la valiosa filmografía del maestro, pero es una película divertida, entretenida y agradable, ¡y eso ya es mucho!
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La soledad del corredor de fondo (1962) de Tony Richardson, es un clásico del renovador free cinema inglés, y está bien rodado con modernidad y frescura.
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Vivir su vida (1962) de Godard, es interesante, requiere atención y posee momentos muy logrados, aunque quizá el final... y hay una edición en doble dvd con un interesante documental y sobre todo dos buenos cortos del primer Godard, rodados en los 50
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Atraco a las 3 (1962) de José María Forqué es una buena comedia con un elenco de excepción en el cine español de la época.
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Flaming creatures (1963), de Jack Smith, es uno de los films más emblemáticos del underground americano, atacada incluso judicialmente en su momento, defendida con entusiasmo por Jonas Mekas (ver su Diario de cine) y rodada en blanco y negro, puede verse en http://www.ubu.com/ en el rincón dedicado al artista. Se trata de una película maravillosa y arrebatadora, lírica, fresca, humana, llena de un vigor sensual y poético que trasciende los superficiales y reduccionistas ataques por obscenidad, perversidad y demás a las que es completamente ajena. Es antes que nada y sobre todo una juguetona celebración de la vida. Y una liberación dionisíaca por encima de la consideración que tiene como film de culto queer. Una película que me recuerda a la magnífica película de Sjöstrom titulada "El viento", si en aquella obra maestra del mudo se oía el viento, en esta obra maestra del underground rodada en blanco y negro se ven los colores de la vida.
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Corredor sin retorno (1963) de Samuel Fuller es la obra maestra del director, y un clásico del cine psiquiátrico, con una atmósfera fascinante y delirante muy apropiada para la historia, intensa e indeleble que plantea.
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El milagro de Ana Sullivan, (1963) de Penn, es un relato sobre la fuerza de la ternura que se halla dentro de la perseverancia. Narra vigorosamente una historia de coraje y crecimiento.
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La jetée (1963) Chris Marker. Este corto o mediometraje de apenas 30 minutos es sin embargo un clásico imprescindible e inolvidable. La narrativa es provocadora y la historia misteriosa y fascinante. Décadas después Terry Gillian realizó 12 monos sobre el mismo argumento, aunque con resultados inferiores.
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Tom Jones (1963) de Tony Richadson, es una comedia satírica bastante irreverente. Un divertido clásico del renovador free cinema inglés.
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Lio en los grandes almacenes (1963) de Tashlin, es una película divertida y quizá una pequeña obra maestra, con un Jerry Lewis en uno de sus mejores trabajos, y para mí una película que me pone una sonrisa en los labios y en el corazón, porque la descubrí de pequeño...
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Cortometrajes 1957-1963 (1957-63) Roman Polanski. A propósito de la edición en dvd de estos cortos de Polanski quiero reivindicar el formato de cortometraje como algo autónomo, no una mera cantera para el rodaje de cineastas, y hacer notar que al igual que un aforismo puede contener una maestría y sabiduría admirables, existen cortos tan notables e inolvidables que uno desearía que fueran más largos. Y entre estos cortos de Polanski, con sus señas de identidad indudables, hay alguna que otra joya.
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Muriel o el tiempo de un retorno (1963) Alain Resnais. Una película singular, como sus films anteriores. Formalmente es muy original, aunque extraña, y sin dudas es una experiencia cinematográfica desafiante. Algo irregular, sin embargo, tiene momentos llenos del talento e ingenio del mejor Resnais.
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El extraño viaje (1964) de Fernando Fernán Gómez. Descubrir o volver a paladear esta obra magistral es quizá el mejor homenaje que se le puede hacer al gran escritor, director y escritor. Se trata de una obra cumbre del cine español, y en ella, como detalle cinéfilo se puede ver actuar al director de culto Jesús Franco.
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Gertrud (1964) Carl Theodor Dreyer. La última obra maestra de uno de los directores imprescindibles de la historia del cine. La historia queda indeleblemente marcada en el alma gracias al talento de Dreyer.
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Lilith (1964) de Rossen, otro director que hizo películas interesantes, y ésta es bella y perturbadora, romántica hasta la locura, ambientada en un sanatorio...
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Zorba el griego (1964) Michael Cacoyannis. Momentos inolvidables en la historia del cine coronados por una música ya casi eterna y una interpretación soberbia de Anthony Quinn, en el papel de su vida.
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la muerte tenía un precio (1965) de Sergio Leone, es el segundo western de los tres que interpretó Clint Eastwood a las órdenes del director que replanteó el género. Las buenas interpretaciones y la magnífica música de Morricone se unen como la uña y la carne en un relato bien urdido, quizá inolvidable. Ah, como curiosidad deshacer el tópico despectivo sobre el spaghetti-western, además es una coproducción italo-hispano-germana hasta tal punto que Klaus Kinski aparece en un papel.
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Simón del desierto (1965) de Luis Buñuel es un film impactante y poderoso del gran maestro Buñuel, rodado en México y con secuencias inolvidables. Un mártir en vida es tentado... ¿será vencido por el diabólico (para Buñuel) rock and roll? La respuesta: ver la película.
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El tren (1965) John Frankenheimer. Un reparto excelente para una magnífica realización que narra el recorrido de un tren lleno de tesoros artísticos saqueados por los nazis en la Francia ocupada. Un tesoro escondido.
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Viva María (1965) de Louis Malle. Una oportunidad de reírse mucho con la gran irreverencia de una película que se burla de casi todo, incluso de los estereotipos de sex-symbol, y que cuenta con Jeanne Moreau y Brigitte Bardot, dos sex-symbol.
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Pajaritos y pajarracos (1965) Pier Paolo Pasolini. Magnífica e inolvidable película con un universo muy particular y un lirismo desenfadado y sutilmente reflexivo. Un genial Totó aún hace más entrañable esta gran comedia.
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La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.
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Viento en las velas, (1965) de Mackendrick es un relato de piratas que pecan de ingenuos. Una película digna y bien dirigida.
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Andrei Rublev (1966) Andrei Tarkovski. El magnífico fresco del director ruso sobre una parte de la edad media aborda la figura del pintor de iconos Andrei Rublev, que sufrió una grave crisis de fe y abandonó su don. La resurrección de su fe le conduce al florecimiento de su arte. Profunda y poética revela el talento y personalidad de un ser tan espiritual como Tarkovski.
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El joven Törless (1966) Volker Schlöndorff. Es quizá el comienzo del nuevo cine alemán, con una portentosa adaptación del relato de Musil.
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Nacida libre (1965) James Hill. Un clásico del cine familiar con la conmovedora historia de una leona criada por un matrimonio. La magnífica música de John Barry redondea esta simpática y emotiva película.
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Cul de sac, callejón sin salida (1966) de Polanski, es una película muy pero que muy especial, rara, con un humor y acidez considerables, pero también tenebrosa, loca, enigmática, desconcertante, pero me parece un gran trabajo de Polanski, una película bien llevada, y sorprendente.
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La jauría humana (1966) de Arthur Penn. Es un retrato más realista que pesimista sobre la honestidad, la mala suerte y la estupidez, locura y maldad humanas. Con Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, Angie Dickinson...
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El silencio de un hombre (1967) Jean-Pierre Melville. Una película de una textura muy especial, en parte gracias a la magnífica fotografía de Henri Decae, que supone una de las cimas del cine policíaco, aunque trascendiéndolo, y mucho, con la historia de un moderno seguidor del Bushido, el libro de los samurais.
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Necronomicón (1967) Jesús Franco. Es una película con aspectos visuales muy interesantes en las escenas oníricas, que despertaron la admiración del gran Fritz Lang en su presentación en el Festival de Berlín. Tiene un halo especial.
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::: besos robados / baisers volés, de François Truffaut (1968)
Esta es una película que se disfruta, que se tararea, una comedia alegre, muy divertida aunque también tenga un halo de nostalgia amable. Es un film juguetón, vivo, se de trata de una obra fresca que no ha perdido su encanto con el paso del tiempo. Una joya más de la filmografía de Truffaut, que tiene varias, porque era alguien que no podía haber sido otra cosa en la vida. Truffaut nació para hacer películas así, y para regalarnos estos besos, y bastantes más.
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::: grupo salvaje / the wild bunch, de Sam Peckinpah (1969)
Este clásico del western tiene momentos memorables, de gran cine, y unas interpretaciones dignas de una obra maestra, además de una violencia y crudeza bastante sangrientas.El film, aunque especialmente salvaje en el tratamiento de la violencia, probablemente es más realista que la mayoría de westerns anteriores. Los personajes no están idealizados ni son héroes, carecen del encanto que transmiten las películas (no sólo los westerns) de Ford, pero a pesar de la brutalidad que muestra el film, y el grupo en concreto también, sí existe un espíritu de grupo y cierta nobleza entre la persecución y la masacre... hay algo del valor de luchar por quien se aprecia, o se ama, por quien se ha cogido cariño, con quien se ha estrechado un lazo, y por ese alguien se está dispuesto a luchar e incluso a morir en la lucha... El grupo salvaje, bien mirado, no es tan salvaje.
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Los desafíos (1969) VV.AA. Esta película colectiva es una buena oportunidad para disfrutar del talento cinematográfico de Víctor Erice, que es el autor del último episodio. Se trata de una producción de Querejeta con su equipo habitual de colaboradores (Luis de Pablo, Luis Cuadrado, Teo Escamilla y el gran guionista Rafael Azcona) que destaca por su crítica al prototipo ibérico más tradicionalista
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Danzad, danzad, malditos (1969) Sydney Pollack. Un clásico que, adentrándose en el característico suceso de los maratones de baile de la depresión americana, brinda a Pollack la ocasión de diseccionar la mentalidad americana y realizar una desasosegante reflexión sobre el vampirismo humano y el lado salvaje y maldito de la vida. El título original viene a decir que a los caballos también los matan cuando sufren. Un drama terrible como pocos, con tintes casi existencialistas y seres humanos arrojados a un mundo que parece la cloaca horadada de dientes de la que habló Artaud. Jamás ver en un mal momento.
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Calcuta (1969) Louis Malle. Magnífico documental sobre la populosa ciudad hindú, que recorre sus calles, indaga en su historia, expresa sus tradiciones y costumbres, problemas... Un recorrido, a pesar de tanta precariedad, lleno de vitalidad.
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pequeña historia del cine
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1960-1969
El apartamento // The apartment (1960) Billy Wilder
Los siete magníficos // The magnificient seven (1960) John Sturges
Psicosis // Psyco (1960) Alfred Hitchcock
Plácido // = (1961) Luis G. Berlanga
Uno, dos, tres // One, two, three (1961) Billy Wilder
La noche // La notte (1961) Michaelangelo Antonioni
Viridiana // = (1961) Luis Buñuel
El ángel exterminador // = (1962) Luis Buñuel
El proceso // Le procès (1962) Orson Welles
El cuchillo en el agua // Noz W Wodzie (1963) Roman Polanski
El verdugo // = (1963) Luis G. Berlanga
El gatopardo // Il gatopardo (1963) Luchino Visconti
Gertrud // = (1964) Carl Dreyer
Repulsión // Repulsión (1965) Roman Polanski
Pierrot el loco // Pierrot le fou (1965) Jean-Luc Godard
Alphaville // = (1965) Jean-Luc Godard
Campanadas a medianoche // = (1966) Orson Welles
2001, una odisea del espacio // 2001: a space odyssey (1968) Stanley Kubrick
La semilla del diablo // Rosemary’s baby (1968) Roman Polanski
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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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::: tirad sobre el pianista / tirez sur le pianiste, de François Truffaut (1960)
La nouvelle vague francesa tuvo su razón de ser con películas como ésta, en la que hay tanta vivacidad y frescura, rodada por el operador Raoul Coutard con un dinamismo y agilidad fascinantes, y dirigida por Truffaut, que dio rienda suelta a su talento, su buen humor y su buen hacer como director. El resultado es un clásico del cine negro, aunque Tirad sobre el pianista no es sólo cine negro, es cine.Truffaut, se nota, se divirtió como un niño rodando esta joya que, sin embargo, suele quedar a la sombra de otras películas del autor (Los cuatrocientos golpes, Jules y Jim, El pequeño salvaje...) aunque Tirad sobre el pianista es una gran película, una pequeña obra maestra.
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El fotógrafo del pánico (1960) Michael Powell. Un clásico del terror, del cine sobre psicópatas, del análisis del voyeurismo e incluso de la reflexión sobre el propio cine y la condición cinéfila. Perturbador, insano, magnético, un film del que han bebido sangre directores como Scorsese y Polanski. Imprescindible en la historia del cine y de la cinefilia.
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::: ojos sin rostro / les yeux sans visage, de Georges Franju (1960)
Este film de terror de uno de los fundadores de la Cinematèque francesa es perturbador, y sin embargo, como la belleza de Alida Valli o la deliciosa e inquietante música de Maurice Jarre, posee cierto encanto a pesar de la obsesión malsana del doctor que intenta reconstruir la cara de su hija... Pero este encanto es breve, claro, porque esta película es de horror y precursora de numerosas cintas del género. El argumento es lo bastante aterrador para inquietar y Franju tampoco elude algunos pormenores sangrientos ni descuida un final feroz como pocos. La película, sin embargo, posee un halo romántico que la recorre entre el espanto, la fatalidad y la demencia, que hacen de Ojos sin rostro un clásico.
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El apartamento (1960) Billy Wilder. Un día Billy Wilder tras ver la magnífica "Breve encuentro" de David Lean se preguntó sobre el tipo que les dejaba el piso. Así nació esta película, agridulce, inolvidable, que es una pequeña joya nacida lateralmente de otra.
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La evasión (1960) Jacques Becker. Esta película inolvidable es un clásico del género carcelario. Cine sin artificios, elaborado con firmeza, pero con tanta sensibilidad como pulso por el maestro Becker.
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El año pasado en Marienbad (1961) Alain Resnais. Tras una fructífera carrera en el documental que incluye el clásico Noche y niebla (1955) y un debut en la ficción con otro clásico innovador de la magnitud de Hiroshima mon amour, Alain Resnais realizó esta película fascinante, enigmática, misteriosa, magistral... Una película magnética y cautivadora. Una lección de cine, en especial sobre el montaje cinematográfico, y una película que amalgama a las demás artes en una obra total. Rebasa la categoría de obra maestra: desprende algo indefinible y especial, un poso de reflexión e indagación vital, existencial, filosófica... y una vigorosa, profunda y sutil poesía del misterio. Inolvidable e imprescindible, justifica la existencia del cine. Mítica.
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La chica con la maleta (1961) Valerio Zulini. Uno de los clásicos del cine italiano de los 60, con sentimientos agridulces muy bien expresados y magníficas interpretaciones... inolvidable Claudia Cardinale.
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Hatari! (1961) Howard Hawks. El maestro Hawks logra otra magnífica película, sin importarle el género, con esa sencillez, fluidez y alegría de vivir que sólo poseen los más grandes. Aventuras en el corazón de África con un gran sentido del humor, la melodiosa música de Henry Mancini, y con el gran John Wayne. Vitalidad a raudales.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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::: il posto / el empleo, de Emmano Olmi (1961)
Este film del posterior realizador de "El árbol de los zuecos" es al mismo tiempo tierno y simpático pero también ácido, crítico y realista, además de una película bien interpretada. Un joven busca su primer empleo en unas oficinas, conoce a una chica el día de las pruebas de selección de personal, y algo bello y dulce surge entre ellos. Cada cual consigue empleo en un departamento distinto... El final, realista y aterrador, es notable y revela una gran maestría en el uso del sonido, que es el reflejo del porvenir sin alegría que le espera al muchacho. Una película magnífica, sin narcótico final feliz porque el director, aunque no ignora la ternura y la alegría, sabe que la vida es complicada y la vida laboral a menudo deshumanizada.
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Todo el oro del mundo (1961) de René Clair. Es una comedia muy ácida y crítica con determinadas actitudes y comportamientos de baja moralidad, muy apropiada en estos tiempos de saqueo urbanístico y mentiras constantes.
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::: jules y jim / jules et jim, de françois truffaut (1961)
Obra maestra, clásico del cine mundial, exponente supremo de la nouvelle vague... ¿qué se puede decir para hacer justicia a Jules y Jim? Truffaut filmó tan magistral y vivamente este relato de un trio amoroso que de no existir esta película a quienes la hemos disfrutado nos faltaría algo... Cuesta imaginar un fotógrafo mejor que Raoul Coutard, un músico mejor que Georges Delerue o una Catherine mejor que Jeanne Moreau (¡qué gran mujer!) para esta película, que sólo podía realizar alguien con tanto amor por las mujeres, el amor y el cine como François Truffaut. Algo más que una joya, esta película es un auténtico collar de diamantes.
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El terror de las chicas (1961) de Jerry Lewis, es una comedia paradigmática del cómico aderezada con una música viva y alegre y una puesta en escena muy musical, aunque quizá irregular es fresca y optimista
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Accatone (1961) Pier Paolo Pasolini. La primera obra del autor italiano es tan personal y religiosa, tal y como entendía la religiosidad Pasolini, como sus obras posteriores. Marginal, naturalista, dramática, cruda, virginal...
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Cléo de 5 a 7 (1962) de Agnés Vardá. Una muestra viva y vibrante de la nouvelle vague francesa a cargo de la interesante directora.
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Sanjuro (1962) de Kurosawa, quizá sea considerada una película menor dentro de la valiosa filmografía del maestro, pero es una película divertida, entretenida y agradable, ¡y eso ya es mucho!
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La soledad del corredor de fondo (1962) de Tony Richardson, es un clásico del renovador free cinema inglés, y está bien rodado con modernidad y frescura.
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Vivir su vida (1962) de Godard, es interesante, requiere atención y posee momentos muy logrados, aunque quizá el final... y hay una edición en doble dvd con un interesante documental y sobre todo dos buenos cortos del primer Godard, rodados en los 50
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Atraco a las 3 (1962) de José María Forqué es una buena comedia con un elenco de excepción en el cine español de la época.
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Flaming creatures (1963), de Jack Smith, es uno de los films más emblemáticos del underground americano, atacada incluso judicialmente en su momento, defendida con entusiasmo por Jonas Mekas (ver su Diario de cine) y rodada en blanco y negro, puede verse en http://www.ubu.com/ en el rincón dedicado al artista. Se trata de una película maravillosa y arrebatadora, lírica, fresca, humana, llena de un vigor sensual y poético que trasciende los superficiales y reduccionistas ataques por obscenidad, perversidad y demás a las que es completamente ajena. Es antes que nada y sobre todo una juguetona celebración de la vida. Y una liberación dionisíaca por encima de la consideración que tiene como film de culto queer. Una película que me recuerda a la magnífica película de Sjöstrom titulada "El viento", si en aquella obra maestra del mudo se oía el viento, en esta obra maestra del underground rodada en blanco y negro se ven los colores de la vida.
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Corredor sin retorno (1963) de Samuel Fuller es la obra maestra del director, y un clásico del cine psiquiátrico, con una atmósfera fascinante y delirante muy apropiada para la historia, intensa e indeleble que plantea.
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El milagro de Ana Sullivan, (1963) de Penn, es un relato sobre la fuerza de la ternura que se halla dentro de la perseverancia. Narra vigorosamente una historia de coraje y crecimiento.
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La jetée (1963) Chris Marker. Este corto o mediometraje de apenas 30 minutos es sin embargo un clásico imprescindible e inolvidable. La narrativa es provocadora y la historia misteriosa y fascinante. Décadas después Terry Gillian realizó 12 monos sobre el mismo argumento, aunque con resultados inferiores.
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Tom Jones (1963) de Tony Richadson, es una comedia satírica bastante irreverente. Un divertido clásico del renovador free cinema inglés.
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Lio en los grandes almacenes (1963) de Tashlin, es una película divertida y quizá una pequeña obra maestra, con un Jerry Lewis en uno de sus mejores trabajos, y para mí una película que me pone una sonrisa en los labios y en el corazón, porque la descubrí de pequeño...
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Cortometrajes 1957-1963 (1957-63) Roman Polanski. A propósito de la edición en dvd de estos cortos de Polanski quiero reivindicar el formato de cortometraje como algo autónomo, no una mera cantera para el rodaje de cineastas, y hacer notar que al igual que un aforismo puede contener una maestría y sabiduría admirables, existen cortos tan notables e inolvidables que uno desearía que fueran más largos. Y entre estos cortos de Polanski, con sus señas de identidad indudables, hay alguna que otra joya.
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Muriel o el tiempo de un retorno (1963) Alain Resnais. Una película singular, como sus films anteriores. Formalmente es muy original, aunque extraña, y sin dudas es una experiencia cinematográfica desafiante. Algo irregular, sin embargo, tiene momentos llenos del talento e ingenio del mejor Resnais.
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El extraño viaje (1964) de Fernando Fernán Gómez. Descubrir o volver a paladear esta obra magistral es quizá el mejor homenaje que se le puede hacer al gran escritor, director y escritor. Se trata de una obra cumbre del cine español, y en ella, como detalle cinéfilo se puede ver actuar al director de culto Jesús Franco.
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Gertrud (1964) Carl Theodor Dreyer. La última obra maestra de uno de los directores imprescindibles de la historia del cine. La historia queda indeleblemente marcada en el alma gracias al talento de Dreyer.
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Lilith (1964) de Rossen, otro director que hizo películas interesantes, y ésta es bella y perturbadora, romántica hasta la locura, ambientada en un sanatorio...
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Zorba el griego (1964) Michael Cacoyannis. Momentos inolvidables en la historia del cine coronados por una música ya casi eterna y una interpretación soberbia de Anthony Quinn, en el papel de su vida.
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la muerte tenía un precio (1965) de Sergio Leone, es el segundo western de los tres que interpretó Clint Eastwood a las órdenes del director que replanteó el género. Las buenas interpretaciones y la magnífica música de Morricone se unen como la uña y la carne en un relato bien urdido, quizá inolvidable. Ah, como curiosidad deshacer el tópico despectivo sobre el spaghetti-western, además es una coproducción italo-hispano-germana hasta tal punto que Klaus Kinski aparece en un papel.
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Simón del desierto (1965) de Luis Buñuel es un film impactante y poderoso del gran maestro Buñuel, rodado en México y con secuencias inolvidables. Un mártir en vida es tentado... ¿será vencido por el diabólico (para Buñuel) rock and roll? La respuesta: ver la película.
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El tren (1965) John Frankenheimer. Un reparto excelente para una magnífica realización que narra el recorrido de un tren lleno de tesoros artísticos saqueados por los nazis en la Francia ocupada. Un tesoro escondido.
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Viva María (1965) de Louis Malle. Una oportunidad de reírse mucho con la gran irreverencia de una película que se burla de casi todo, incluso de los estereotipos de sex-symbol, y que cuenta con Jeanne Moreau y Brigitte Bardot, dos sex-symbol.
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Pajaritos y pajarracos (1965) Pier Paolo Pasolini. Magnífica e inolvidable película con un universo muy particular y un lirismo desenfadado y sutilmente reflexivo. Un genial Totó aún hace más entrañable esta gran comedia.
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La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.
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Viento en las velas, (1965) de Mackendrick es un relato de piratas que pecan de ingenuos. Una película digna y bien dirigida.
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Andrei Rublev (1966) Andrei Tarkovski. El magnífico fresco del director ruso sobre una parte de la edad media aborda la figura del pintor de iconos Andrei Rublev, que sufrió una grave crisis de fe y abandonó su don. La resurrección de su fe le conduce al florecimiento de su arte. Profunda y poética revela el talento y personalidad de un ser tan espiritual como Tarkovski.
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El joven Törless (1966) Volker Schlöndorff. Es quizá el comienzo del nuevo cine alemán, con una portentosa adaptación del relato de Musil.
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Nacida libre (1965) James Hill. Un clásico del cine familiar con la conmovedora historia de una leona criada por un matrimonio. La magnífica música de John Barry redondea esta simpática y emotiva película.
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Cul de sac, callejón sin salida (1966) de Polanski, es una película muy pero que muy especial, rara, con un humor y acidez considerables, pero también tenebrosa, loca, enigmática, desconcertante, pero me parece un gran trabajo de Polanski, una película bien llevada, y sorprendente.
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La jauría humana (1966) de Arthur Penn. Es un retrato más realista que pesimista sobre la honestidad, la mala suerte y la estupidez, locura y maldad humanas. Con Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, Angie Dickinson...
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El silencio de un hombre (1967) Jean-Pierre Melville. Una película de una textura muy especial, en parte gracias a la magnífica fotografía de Henri Decae, que supone una de las cimas del cine policíaco, aunque trascendiéndolo, y mucho, con la historia de un moderno seguidor del Bushido, el libro de los samurais.
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Necronomicón (1967) Jesús Franco. Es una película con aspectos visuales muy interesantes en las escenas oníricas, que despertaron la admiración del gran Fritz Lang en su presentación en el Festival de Berlín. Tiene un halo especial.
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::: besos robados / baisers volés, de François Truffaut (1968)
Esta es una película que se disfruta, que se tararea, una comedia alegre, muy divertida aunque también tenga un halo de nostalgia amable. Es un film juguetón, vivo, se de trata de una obra fresca que no ha perdido su encanto con el paso del tiempo. Una joya más de la filmografía de Truffaut, que tiene varias, porque era alguien que no podía haber sido otra cosa en la vida. Truffaut nació para hacer películas así, y para regalarnos estos besos, y bastantes más.
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::: grupo salvaje / the wild bunch, de Sam Peckinpah (1969)
Este clásico del western tiene momentos memorables, de gran cine, y unas interpretaciones dignas de una obra maestra, además de una violencia y crudeza bastante sangrientas.El film, aunque especialmente salvaje en el tratamiento de la violencia, probablemente es más realista que la mayoría de westerns anteriores. Los personajes no están idealizados ni son héroes, carecen del encanto que transmiten las películas (no sólo los westerns) de Ford, pero a pesar de la brutalidad que muestra el film, y el grupo en concreto también, sí existe un espíritu de grupo y cierta nobleza entre la persecución y la masacre... hay algo del valor de luchar por quien se aprecia, o se ama, por quien se ha cogido cariño, con quien se ha estrechado un lazo, y por ese alguien se está dispuesto a luchar e incluso a morir en la lucha... El grupo salvaje, bien mirado, no es tan salvaje.
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Los desafíos (1969) VV.AA. Esta película colectiva es una buena oportunidad para disfrutar del talento cinematográfico de Víctor Erice, que es el autor del último episodio. Se trata de una producción de Querejeta con su equipo habitual de colaboradores (Luis de Pablo, Luis Cuadrado, Teo Escamilla y el gran guionista Rafael Azcona) que destaca por su crítica al prototipo ibérico más tradicionalista
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Danzad, danzad, malditos (1969) Sydney Pollack. Un clásico que, adentrándose en el característico suceso de los maratones de baile de la depresión americana, brinda a Pollack la ocasión de diseccionar la mentalidad americana y realizar una desasosegante reflexión sobre el vampirismo humano y el lado salvaje y maldito de la vida. El título original viene a decir que a los caballos también los matan cuando sufren. Un drama terrible como pocos, con tintes casi existencialistas y seres humanos arrojados a un mundo que parece la cloaca horadada de dientes de la que habló Artaud. Jamás ver en un mal momento.
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Calcuta (1969) Louis Malle. Magnífico documental sobre la populosa ciudad hindú, que recorre sus calles, indaga en su historia, expresa sus tradiciones y costumbres, problemas... Un recorrido, a pesar de tanta precariedad, lleno de vitalidad.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1960-1969
El apartamento // The apartment (1960) Billy Wilder
Los siete magníficos // The magnificient seven (1960) John Sturges
Psicosis // Psyco (1960) Alfred Hitchcock
Plácido // = (1961) Luis G. Berlanga
Uno, dos, tres // One, two, three (1961) Billy Wilder
La noche // La notte (1961) Michaelangelo Antonioni
Viridiana // = (1961) Luis Buñuel
El ángel exterminador // = (1962) Luis Buñuel
El proceso // Le procès (1962) Orson Welles
El cuchillo en el agua // Noz W Wodzie (1963) Roman Polanski
El verdugo // = (1963) Luis G. Berlanga
El gatopardo // Il gatopardo (1963) Luchino Visconti
Gertrud // = (1964) Carl Dreyer
Repulsión // Repulsión (1965) Roman Polanski
Pierrot el loco // Pierrot le fou (1965) Jean-Luc Godard
Alphaville // = (1965) Jean-Luc Godard
Campanadas a medianoche // = (1966) Orson Welles
2001, una odisea del espacio // 2001: a space odyssey (1968) Stanley Kubrick
La semilla del diablo // Rosemary’s baby (1968) Roman Polanski
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películas 1970-79
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Yo vigilo el camino (1970) de John Frankenheimer (un director que hizo cosas muy interesantes) es una película en la que la música de Cash acompaña la cruda historia que interpreta Gergory Peck.
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Dodes' ka-Den (1971) de Akira Kurosawa, es una buena película que fue un fracaso comercial en Japón y supuso un revés tan fuerte para el autor que intentó (afortunadamente sin éxito) suicidarse. Se trata de un drama humanista, como todos los de Kurosawa, ambientado en los suburbios, entre sus miserias materiales y a veces morales, sus ilusiones, su lucha por la vida. La poesía fluye a veces luminosa y maravillosamente entre estos escombros y mutilados o deshechos humanos en ocasiones en una película inolvidablemente fotografiada y bien interpretada. Su fracaso comercial era comprensible, pues el maestro mostró sin edulcorar ni ahorrar metraje, con valentía y realismo, la cara menos agradable de su sociedad, con la intención optimista (quizá ilusa) de poder mejorarla. Acusado muchas veces de pesimista, Kurosawa decía que el pesimismo consiste en no afrontar la realidad, en negarla, en no afrontarla, que es lo que hizo en varias de sus películas. Pudo haber hecho un film comercial, una película corta y superficial pero tuvo el valor (y el valor es casi un delito en ocasiones) de no suavizar ni el drama ni los escenarios, de extenderse más allá de las dos horas y no embellecer las cosas tristes o feas de la vida. Es un film inolvidable, dramático, pero Kurosawa con su aliento vitalista desemboca en el humanismo del que procede. Ah, el título es la onomatopeya que repite el inolvidable personaje que imita el sonido y los movimientos del tranvía. Una película a reivindicar, casi le cuesta la vida al maestro.
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Johny cogió su fusil (1971) Dalton Trumbo. El prestigioso guionista llevó a la gran pantalla su propia obra, en un inolvidable film antibelicista, profundamente humano, que constituye un pequeño clásico. La dirección de Trumbo logra llegar al corazón uniendo hábilmente imágenes en blanco y negro y en color, recurso que empleó Resnais en su documental "Noche y niebla". El grupo Metallica, cuando era aguerrido, utilizó metraje de este film en el video clip de su canción "one".
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Hermano sol, hermana luna (1972) Franco Zeffirelli. Francisco de Asís, un iluminado disidente del corrompido catolicismo capitalista dominante en su época, fundó con gran alegría de vivir y basándose en el voto de pobreza (toda una herejía) la orden franciscana. Zeffirelli muestra de manera gozosa, con bondad y candor, el despertar de su fe y su actitud ante la vida. En el estreno la película se emparentaba con el movimiento hippy, y el film está recorrido de bellas melodías. Muchos dirán que un film amanerado, pero con algo alegre y vivo en su interior.
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Gritos y susurros (1972) Ingmar Bergman. Desgarrador drama magníficamente interpretado y fotografiado (el maestro Sven Nykvist) con memorables fundidos en rojo. Ahonda en los estertores, en la cercanía de la muerte, en el sufrimiento. Cruda, con latidos de agonía, pasión, muerte y susurros de vida.
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El diablo en la señorita Jones (1972) Gerard Damiano. La trilogía de oro del cine sexual está formada por Garganta profunda, que fue un fenómeno sociológico y es en el fondo una comedia; Tras la puerta verde, que supone una coreográfica performance casi reflexiva sobre el propio género, y El diablo en la señorita Jones, que tiene un cariz dramático y una atmósfera tan artística como lúdica. Damiano fue alabado con esta obra maestra del género como el Bergman del cine para adultos. La película es audaz e inolvidable, con uno de los principios más inauditos jamás rodados en una película. Además derribó de alguna manera la barrera entre film pornográfico y film artístico. Gerard Damiano, conviene recordarlo, ha pasado a la historia por ser el mejor director de cine para adultos de la mejor época del género, en la que había argumentos, humor... Quizá eran "los tiempos en que el aire era limpio y el sexo era sucio", como dijo Woody Allen.
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Aguirre, la cólera de dios (1973) Werner Herzog. Un clásico para la historia del cine, impregnado de un fascinante magnetismo y un aura de irrealidad sobrecogedor. Un hito del cine, con una atmósfera inolvidable. Con una interpretación de Klaus Kinski memorable, casi se puede decir que esta película tiene vida propia. Junto a la joya escondida de la filmografía de Herzog, Corazón de cristal, sin duda su obra maestra.
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El honor perdido de Katharina Blum (1975) Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta, adapta la obra homónima del nobel de literatura Heinrich Böll denunciando tanto prácticas policiales inmorales como despiadadas artimañas del periodismo sensacionalista (especialmente el Bild alemán) quizá sin sacarle todo el partido posible pero en cualquier caso muestra sin velos prácticas vergonzosas y cuestiona en qué se puede convertir la libertad de prensa. Una reflexión que sigue vigente en estos días, y lamentablemente seguirá vigente en el futuro.
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Corazón de cristal (1975) de Werner Herzog. Es una película con un aroma especial. Destila esencias raras y a menudo enigmáticas y preciosas. Cautiva, embelesa, perturba, conmueve, inquieta, deja un poso sutil en el alma.
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::: el viaje a la felicidad de mamá Kuster / mutter Küster fahrt zum himmel, de R.W. Fassbinder (1975)
Las películas de Fassbinder, a menudo dramáticas, a veces muy amargas, críticas y en el mejor sentido de la palabra a menudo melodramáticas, con frecuencia fueron polémicas porque abordaron asuntos y rincones oscuros y espinosos, tanto del ser humano como de la sociedad. En este amargo viaje, no a la felicidad, que el título es engañoso, Fassbinder retrata con lucidez la manipulación mediática de un suceso por la prensa sensacionalista y por ciertos grupos políticos, y también reflexiona en cierto modo sobre hasta qué punto las relaciones personales pueden ser duraderas, y aparentemente cercanas, pero en el fondo convencionales y poco profundas, o menos de lo que suponemos. Con un final cinematográficamente quizá rebelde, o quizá no, no deja lugar al iluso optimismo de confiar a corazón abierto en alguien en los momentos de adversidad porque la maldad, el arribismo, el oportunismo y el hacer leña del árbol caído, como la manipulación y la maldad, existen, y Fassbinder simplemente lo muestra. Por tanto lo lógico es que el viaje de mamá Kuster sea hacia una verdad más grande y dolorosa, y que el final sea, en vez de feliz, más bien realista. Sin embargo esta autenticidad en la manera de tratar la condición humana, lejos de idealizaciones e ilusiones de cuentos de hadas, en mi opinión hacen de esta película (y de gran parte de la obra del autor) vigente por lo que nos muestra del propio ser humano. A fin de cuentas Fassbinder no es pesimista pues muestra la inocencia, la bondad humana, y también la maldad humana. Su conclusión puede parecernos desencantada, pero seamos realistas, a decir verdades desagradables se le llama pesimismo. Y quizá el optimismo sea considerar que mostrar lo pésimo de la realidad es un medio de no caer en sus garras. Y esto creo que es constante en la obra de Fassbinder, una obra llena de advertencias para ingenuos, para quienes creen que el mundo es mejor de lo que es.
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Barry Lyndon (1975) de Kubrick, refleja su maniático perfeccionismo en un film algo esteticista y de duración exagerada, pero hay que reconocerle una ambientación musical exquisita y un empeño visual innegable, aunque prefiero al Kubrick de Atraco perfecto y Senderos de gloria.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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Bilbao (1978) de Bigas Luna es una película obsesiva y sucia pero magnética. Probablemente la mejor obra de su autor. Fascinante.
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Nosferatu (1978) de Werner Herzog es una personal adaptación de los relatos sobre vampiros y el conde Drácula, visualmente fascinante por momentos, con Klaus Kinski e Isabelle Adjani. Su atmósfera, alejadísima de la creada por Murnau en su obra maestra, sin embargo resulta muy sugerente y también aterradora.
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Barbara Broadcast (1978) de Henry Paris es una de las más increíbles películas del cine para adultos, sexual, hardcore o pornográfico, como se le quiera llamar. A un guión inspirado en una "fantasía real" se suman una ambientación que llega a la exquisitez en un desarrollo que aunque decae a la mitad del metraje se inicia con una portentosa y arrebatadora entrada en la que la música de Strauss cobra una nueva dimensión. Le falta muy poco para ser una obra maestra del género, aunque sin duda es una película muy especial, en la que el director probablemente dio lo mejor de sí mismo (al igual que el reparto). Quizá, en cierto modo, la película más sexual de la historia del género, y una de las que más elegancia desborda, al igual que un delicado halo romántico a la vez que un desenfado lúdico verdaderamente impagable. Paradójicamente, es una película que, y esto es poco frecuente en una película explícita, muestra lo justo, es decir que deja aún espacio para la fantasía y la imaginación... Una joya, un manjar delicioso.
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black jack (1979) de Ken Loach, es una película de aventuras ambientada en el XVIII, que además de ser una rareza entre el cine del inglés, se convierte en un viaje sorprendente que se disfruta con agrado.el hombre del carrito, de Hiroshi Inagaki, cuenta con el inolvidable Mifune en una historia entrañable que pudo tener un final más feliz o con menos sentido de culpa.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Arrebato (1979) de Iván Zulueta. Es una película española que de ser americana sería considerada una obra maestra del cine mundial, y un film de culto a la altura del mejor Lynch por ejemplo. Su historia es fascinante, arrebatadora, y conjuga elementos de vampirismo, drogadicción y cinefilia. Inolvidable, una experiencia única.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1970-1979
Tristana // = (1970) Luis Buñuel
Harry el sucio // Dirty Harry (1971) Don Siegel
El diablo sobre ruedas // Duel (1971) Steven Spielberg
Vida familiar // Family life (1971) Ken Loach
Todo va bien // Tout va bien (1972) Jean-Luc Godard
La huella // Sleuth (1972) Joseph L. Mankievick
El último tango en París // Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci
El discreto encanto de la burguesía // Le charme discret de la bourgeoisie (1972) Luis Buñuel
El fantasma de la libertad // Le fantôme de la liberté (1973) Luis Buñuel
Amarcord // = (1973) Federico Fellini
El espíritu de la colmena // = (1973) Víctor Erice
Tamaño natural // Grandeur nature (1973) Luis G. Berlanga
Primera plana // The front page (1974) Billy Wilder
Dersu uzala // = (1975) Akira Kurosawa
Annie Hall // = (1977) Woody Allen
Los duelistas // The duellits (1977) Ridley Scott
Fedora // = (1978) Billy Wilder
Manhattan // = (1979) Woody Allen
Bilbao // = (1979) Bigas Luna
Arrebato // = (1979) Iván Zulueta
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Yo vigilo el camino (1970) de John Frankenheimer (un director que hizo cosas muy interesantes) es una película en la que la música de Cash acompaña la cruda historia que interpreta Gergory Peck.
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Dodes' ka-Den (1971) de Akira Kurosawa, es una buena película que fue un fracaso comercial en Japón y supuso un revés tan fuerte para el autor que intentó (afortunadamente sin éxito) suicidarse. Se trata de un drama humanista, como todos los de Kurosawa, ambientado en los suburbios, entre sus miserias materiales y a veces morales, sus ilusiones, su lucha por la vida. La poesía fluye a veces luminosa y maravillosamente entre estos escombros y mutilados o deshechos humanos en ocasiones en una película inolvidablemente fotografiada y bien interpretada. Su fracaso comercial era comprensible, pues el maestro mostró sin edulcorar ni ahorrar metraje, con valentía y realismo, la cara menos agradable de su sociedad, con la intención optimista (quizá ilusa) de poder mejorarla. Acusado muchas veces de pesimista, Kurosawa decía que el pesimismo consiste en no afrontar la realidad, en negarla, en no afrontarla, que es lo que hizo en varias de sus películas. Pudo haber hecho un film comercial, una película corta y superficial pero tuvo el valor (y el valor es casi un delito en ocasiones) de no suavizar ni el drama ni los escenarios, de extenderse más allá de las dos horas y no embellecer las cosas tristes o feas de la vida. Es un film inolvidable, dramático, pero Kurosawa con su aliento vitalista desemboca en el humanismo del que procede. Ah, el título es la onomatopeya que repite el inolvidable personaje que imita el sonido y los movimientos del tranvía. Una película a reivindicar, casi le cuesta la vida al maestro.
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Johny cogió su fusil (1971) Dalton Trumbo. El prestigioso guionista llevó a la gran pantalla su propia obra, en un inolvidable film antibelicista, profundamente humano, que constituye un pequeño clásico. La dirección de Trumbo logra llegar al corazón uniendo hábilmente imágenes en blanco y negro y en color, recurso que empleó Resnais en su documental "Noche y niebla". El grupo Metallica, cuando era aguerrido, utilizó metraje de este film en el video clip de su canción "one".
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Hermano sol, hermana luna (1972) Franco Zeffirelli. Francisco de Asís, un iluminado disidente del corrompido catolicismo capitalista dominante en su época, fundó con gran alegría de vivir y basándose en el voto de pobreza (toda una herejía) la orden franciscana. Zeffirelli muestra de manera gozosa, con bondad y candor, el despertar de su fe y su actitud ante la vida. En el estreno la película se emparentaba con el movimiento hippy, y el film está recorrido de bellas melodías. Muchos dirán que un film amanerado, pero con algo alegre y vivo en su interior.
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Gritos y susurros (1972) Ingmar Bergman. Desgarrador drama magníficamente interpretado y fotografiado (el maestro Sven Nykvist) con memorables fundidos en rojo. Ahonda en los estertores, en la cercanía de la muerte, en el sufrimiento. Cruda, con latidos de agonía, pasión, muerte y susurros de vida.
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El diablo en la señorita Jones (1972) Gerard Damiano. La trilogía de oro del cine sexual está formada por Garganta profunda, que fue un fenómeno sociológico y es en el fondo una comedia; Tras la puerta verde, que supone una coreográfica performance casi reflexiva sobre el propio género, y El diablo en la señorita Jones, que tiene un cariz dramático y una atmósfera tan artística como lúdica. Damiano fue alabado con esta obra maestra del género como el Bergman del cine para adultos. La película es audaz e inolvidable, con uno de los principios más inauditos jamás rodados en una película. Además derribó de alguna manera la barrera entre film pornográfico y film artístico. Gerard Damiano, conviene recordarlo, ha pasado a la historia por ser el mejor director de cine para adultos de la mejor época del género, en la que había argumentos, humor... Quizá eran "los tiempos en que el aire era limpio y el sexo era sucio", como dijo Woody Allen.
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Aguirre, la cólera de dios (1973) Werner Herzog. Un clásico para la historia del cine, impregnado de un fascinante magnetismo y un aura de irrealidad sobrecogedor. Un hito del cine, con una atmósfera inolvidable. Con una interpretación de Klaus Kinski memorable, casi se puede decir que esta película tiene vida propia. Junto a la joya escondida de la filmografía de Herzog, Corazón de cristal, sin duda su obra maestra.
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El honor perdido de Katharina Blum (1975) Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta, adapta la obra homónima del nobel de literatura Heinrich Böll denunciando tanto prácticas policiales inmorales como despiadadas artimañas del periodismo sensacionalista (especialmente el Bild alemán) quizá sin sacarle todo el partido posible pero en cualquier caso muestra sin velos prácticas vergonzosas y cuestiona en qué se puede convertir la libertad de prensa. Una reflexión que sigue vigente en estos días, y lamentablemente seguirá vigente en el futuro.
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Corazón de cristal (1975) de Werner Herzog. Es una película con un aroma especial. Destila esencias raras y a menudo enigmáticas y preciosas. Cautiva, embelesa, perturba, conmueve, inquieta, deja un poso sutil en el alma.
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::: el viaje a la felicidad de mamá Kuster / mutter Küster fahrt zum himmel, de R.W. Fassbinder (1975)
Las películas de Fassbinder, a menudo dramáticas, a veces muy amargas, críticas y en el mejor sentido de la palabra a menudo melodramáticas, con frecuencia fueron polémicas porque abordaron asuntos y rincones oscuros y espinosos, tanto del ser humano como de la sociedad. En este amargo viaje, no a la felicidad, que el título es engañoso, Fassbinder retrata con lucidez la manipulación mediática de un suceso por la prensa sensacionalista y por ciertos grupos políticos, y también reflexiona en cierto modo sobre hasta qué punto las relaciones personales pueden ser duraderas, y aparentemente cercanas, pero en el fondo convencionales y poco profundas, o menos de lo que suponemos. Con un final cinematográficamente quizá rebelde, o quizá no, no deja lugar al iluso optimismo de confiar a corazón abierto en alguien en los momentos de adversidad porque la maldad, el arribismo, el oportunismo y el hacer leña del árbol caído, como la manipulación y la maldad, existen, y Fassbinder simplemente lo muestra. Por tanto lo lógico es que el viaje de mamá Kuster sea hacia una verdad más grande y dolorosa, y que el final sea, en vez de feliz, más bien realista. Sin embargo esta autenticidad en la manera de tratar la condición humana, lejos de idealizaciones e ilusiones de cuentos de hadas, en mi opinión hacen de esta película (y de gran parte de la obra del autor) vigente por lo que nos muestra del propio ser humano. A fin de cuentas Fassbinder no es pesimista pues muestra la inocencia, la bondad humana, y también la maldad humana. Su conclusión puede parecernos desencantada, pero seamos realistas, a decir verdades desagradables se le llama pesimismo. Y quizá el optimismo sea considerar que mostrar lo pésimo de la realidad es un medio de no caer en sus garras. Y esto creo que es constante en la obra de Fassbinder, una obra llena de advertencias para ingenuos, para quienes creen que el mundo es mejor de lo que es.
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Barry Lyndon (1975) de Kubrick, refleja su maniático perfeccionismo en un film algo esteticista y de duración exagerada, pero hay que reconocerle una ambientación musical exquisita y un empeño visual innegable, aunque prefiero al Kubrick de Atraco perfecto y Senderos de gloria.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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Bilbao (1978) de Bigas Luna es una película obsesiva y sucia pero magnética. Probablemente la mejor obra de su autor. Fascinante.
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Nosferatu (1978) de Werner Herzog es una personal adaptación de los relatos sobre vampiros y el conde Drácula, visualmente fascinante por momentos, con Klaus Kinski e Isabelle Adjani. Su atmósfera, alejadísima de la creada por Murnau en su obra maestra, sin embargo resulta muy sugerente y también aterradora.
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Barbara Broadcast (1978) de Henry Paris es una de las más increíbles películas del cine para adultos, sexual, hardcore o pornográfico, como se le quiera llamar. A un guión inspirado en una "fantasía real" se suman una ambientación que llega a la exquisitez en un desarrollo que aunque decae a la mitad del metraje se inicia con una portentosa y arrebatadora entrada en la que la música de Strauss cobra una nueva dimensión. Le falta muy poco para ser una obra maestra del género, aunque sin duda es una película muy especial, en la que el director probablemente dio lo mejor de sí mismo (al igual que el reparto). Quizá, en cierto modo, la película más sexual de la historia del género, y una de las que más elegancia desborda, al igual que un delicado halo romántico a la vez que un desenfado lúdico verdaderamente impagable. Paradójicamente, es una película que, y esto es poco frecuente en una película explícita, muestra lo justo, es decir que deja aún espacio para la fantasía y la imaginación... Una joya, un manjar delicioso.
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black jack (1979) de Ken Loach, es una película de aventuras ambientada en el XVIII, que además de ser una rareza entre el cine del inglés, se convierte en un viaje sorprendente que se disfruta con agrado.el hombre del carrito, de Hiroshi Inagaki, cuenta con el inolvidable Mifune en una historia entrañable que pudo tener un final más feliz o con menos sentido de culpa.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Arrebato (1979) de Iván Zulueta. Es una película española que de ser americana sería considerada una obra maestra del cine mundial, y un film de culto a la altura del mejor Lynch por ejemplo. Su historia es fascinante, arrebatadora, y conjuga elementos de vampirismo, drogadicción y cinefilia. Inolvidable, una experiencia única.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1970-1979
Tristana // = (1970) Luis Buñuel
Harry el sucio // Dirty Harry (1971) Don Siegel
El diablo sobre ruedas // Duel (1971) Steven Spielberg
Vida familiar // Family life (1971) Ken Loach
Todo va bien // Tout va bien (1972) Jean-Luc Godard
La huella // Sleuth (1972) Joseph L. Mankievick
El último tango en París // Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci
El discreto encanto de la burguesía // Le charme discret de la bourgeoisie (1972) Luis Buñuel
El fantasma de la libertad // Le fantôme de la liberté (1973) Luis Buñuel
Amarcord // = (1973) Federico Fellini
El espíritu de la colmena // = (1973) Víctor Erice
Tamaño natural // Grandeur nature (1973) Luis G. Berlanga
Primera plana // The front page (1974) Billy Wilder
Dersu uzala // = (1975) Akira Kurosawa
Annie Hall // = (1977) Woody Allen
Los duelistas // The duellits (1977) Ridley Scott
Fedora // = (1978) Billy Wilder
Manhattan // = (1979) Woody Allen
Bilbao // = (1979) Bigas Luna
Arrebato // = (1979) Iván Zulueta
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