peinado socialmente peligroso

-

Veronica Lake creó una moda que, sin pretenderlo, llegó a ser socialmente peligrosa. Tuvo que intervenir incluso el gobierno de los EE.UU. La famosa actriz lucía un atractivo peinado, muy original e imitado por multitud de mujeres, que cubría seductora y misteriosamente su ojo derecho. ¿El peligro? Estados Unidos participaba entonces en la segunda y despreciable guerra mundial y como es habitual se movilizó a los hombres para ir a la lucha armada. Las mujeres tuvieron que ponerse el mono de faena y emplearse en fábricas y demás trabajos que antes desempeñaban aquellos hombres, pero con el sugerente peinado de Lake las mujeres trabajadoras sufrían un accidente tras otro, ¡no se veían bien!. El gobierno, consciente de la insensata vanidad y coquetería de aquellas mujeres que no atendían al más mínimo sentido común, habló con la actriz para que abandonara su mítica imagen. La actriz cambió de peinado y el cine perdió una de las imágenes más sensuales y encantadoras de su historia; las mujeres americanas conservaron el pellejo, a la espera de la siguiente moda a imitar. Conviene recordar que las mujeres también empezaron a llevar pantalones por imitar a Marlene Dietrich.

SATYAJIT RAY, palabras

El cineasta hindú Satyajit Ray, creador de la mítica trilogía de Apu, dejó también algunas reflexiones sobre el cine y la vida.

-

Soy un gran admirador de Hitchcock. Es un técnico del convencimiento supremo (La ventana indiscreta es una de las películas más atrevidas nunca realizadas) y un maravilloso hombre de espectáculo. No obstante, no comparto la opinión de algunos críticos franceses que lo clasifican al mismo nivel que Poe, Dostoievsky, etc. Sin embargo, los mejores momentos de las películas de Hitchcock están llenas de una cualidad misteriosa e indefinible que las elevan al nivel de la poesía.

-

Pienso que la estructura de "La Trilogía" tiene su origen en el carácter ordenado de mi mente, que nutrieron largos años de familiaridad con la música clásica occidental y el cine hollywoodiense de los años treinta y cuarenta.

-

De modo ideal, en una película en color, hace falta tener una paleta particular en la mente. El color, por sí mismo, tiene que dar a la película un ritmo, una gama de contrastes, repitiéndose de vez en cuando las mismas armonías cromáticas. Todo eso está muy esmeradamente calculado sobre el papel durante la preparación de la película, y aplicado a todos los elementos visuales, el vestuario, los decorados, los accesorios, etc.

-

Nunca he sido consciente de ser un humanista, ni siquiera he encontrado una definición exacta del humanismo que me hubiera enseñado lo que los críticos dan a entender cuando me llaman humanista. Un tema ha vuelto de vez en cuando, y es que en mis películas no hay malos; lo que pareció significar que amo tanto a mis personajes (la humanidad) que dudo en insuflar el mal en alguno de ellos. Lo que más se acerca a la verdad es que veo a mis personajes en gamas de grises antes que en blanco y negro, lo que corresponde a mi propia visión de la humanidad. El malo de dos dimensiones no me interesa, salvo en el caso de la película de intriga donde la acción prevalece sobre el personaje.

-

fotografía de cine: LEE GARMES

Lee Garmes fue uno de los directores de fotografía más innovadores de Hollywood. Su caballo de batalla en sus casi 100 películas fue la iluminación. En la época del cine mudo ya desarrolló su idea de la "luz atmosférica", inspirada en las pinturas de Rembrandt: una iluminación mortecina que sólo acentuaba algunas partes de la imagen y dejaba el resto en sombras. En Marruecos (1930), esa concepción alcanzó su desarrollo máximo. De hecho, Josef von Sternberg le había encargado que iluminara a Marlene Dietrich de lado, pero Games pensó que eso sería copiar el estilo de Greta Garbo. Aunque en general prefería trabajar en el estudio, estableció espléndidos contrastes en la película mediante tomas inusuales filmadas a pleno sol de mediodía. El expreso de Shanghai (Shanghai express, 1932), otra colaboración de los tres, rodada por entero en el estudio, le reportó finalmente el oscar. En esa época también se encargó de la fotografía en Scarface, el terror del hampa (Scarface, 1932), de Howard Hawks, una película de gánsteres que crearía estilo.
-
Asimismo, Games reclamó la autoría de grandes partes de Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, 1939), como el magnífico transporte de enfermos en la secuencia del hospital de campaña: después de discutir sobre cuestiones de estilo, el productor David O. Selznick, amigo de los efectos de los colores saturados, le sustituyó y ordenó borrar su nombre de los créditos. No obstante, posteriormente rodó para Selznick el fracaso, mezcla de western y erotismo, Duelo al sol (Duel in the sun, 1946), evidentemente, en color. Con el drama bíblico El gran pescador (The big fisherman, 1959), aportó la primera película en formato Super Panavision 70. El fracaso de algunos proyectos suyos como director y productor no hizo mella en su brillante carrera. Lee Garmes murió en 1978 en Los Ángeles.

-(extraído de Cine de los 20 e inicios de la cinematografía, Jürgen Müller, Taschen-2007)
.

-algo más

dejo enlace con su filmografía completa en imdb http://www.imdb.com/name/nm0005716/

.

directores para la historia: ABEL GANCE

_Abel Gance nació en París y, por consejo de sus padres, trabajó de pasante antes de cumplir su deseo de hacer carrera en el teatro y el cine. Primero subió a los escenarios como actor en Bruselas y en París, pero en 1909, por necesidades económicas, empezó a vender guiones a la productora francesa Gaumont. En 1911 debutó como director de cine con La Digue / Pour sauver la Hollande. Cosechó sus primeros éxitos con el melodrama sobre compositores La dixiéme symphonie (1918) y la película antibélica ¡Yo acuso! (J'accuse!, 1919), que lo erigieron en uno de los directores franceses más importantes y modernos de la época.
_Siempre abierto a los experimentos técnicos en el cine, Gance incluyó en su célebre drama de ferroviarios La rueda (La roue, 1920-1922) una secuencia con un montaje vanguardista que después inspiraría a algunos directores soviéticos como Serguéi Eisenstein. Sus experimentos con el montaje, la técnica de cámara y los formatos de pantalla culminaron en la epopeya monumental Napoleón (1925-1927), una de las grandes obras maestras de las postrimerías del cine mudo, que no tuvo éxito comercial sobre todo por la rápida propagación del cine sonoro.
_Después del fracaso de su película de catástrofes El fin del mundo (La fin du monde, 1930), la suerte le abandonó definitivamente: en los años treinta sólo pudo rodar remakes de viejos éxitos y adaptaciones cinematográficas de obras de teatro y novelas populares. Después de una interrupción de más de una década, la carrera de Gance se reavivó en poco tiempo cuando, en los años cincuenta, los críticos y periodistas de la nouvelle vague se entusiasmaron con el cineasta, un artista siempre apasionado, al que consideraban un alma gemela. Rodó su último largometraje, Cyrano de Bergerac, en 1964. Abel Gance murió en 1981, a los noventa y dos años.
--- (Cine de los 20 e inicios de la cinematografía, Jürgen Müller, Taschen-2007)
-
algo más
Sobre la importancia de su obra maestra Napoleón se podrían escribir libros enteros, pero lo mejor es disfrutar de su maestría en el arte cinematográfico. Dejo enlace en imdb: http://www.imdb.com/name/nm0304098/

.

directores para la historia: EDGAR G. ULMER

_La carrera de Edgar G. Ulmer fue extraordinaria. En el rodaje de Gente en domingo, él y Schüftan eran los únicos con experiencia en el cine. Ulmer había trabajado en diversas ocasiones diseñando decorados para F.W. Murnau (El último, Der letze mann, 1924; Amanecer, Sunrise, 1927) y fue ayudante de dirección en Hollywood a mediados de los años veinte. Allí rodó también el clásico de terror El gato negro (The black cat, 1934) con Boris Karloff, y pronto se perfiló como maestro de los set-ups rápidos: al parecer llegó a realizar 80 en un solo día de rodaje.

_Sin embargo, aunque parezca extraño, la calidad de sus películas no se dolió de ese método de trabajo. Donde mejor se sentía el director era en las películas de serie B, puesto que le permitían libertades que habrían sido impensables en una costosa producción de primera serie. Su película más famosa en ese plano creativo es Detour (1945). Este clásico del cine negro ilustra de forma impresionante las tendencias innovadoras de Ulmer y sus reflexiones sobre el medio. En los años cincuenta, sus películas ya entusiasmaron a François Truffaut, que admiraba especialmente el western en tecnicolor The naked dawn (1955). Entre los admiradores más conocidos de Ulmer, que volvió a trabajar en Europa a partir de los años sesenta (Aníbal, Annibale, 1960) se cuentan Martin Scorsese, Peter Bogdanovich y Bertrand Tavernier.

---(Cine de los 20 e inicios de la cinematografía, Jürgen Müller, Taschen-2007)
.
algo más

Buena preparación trabajar con Murnau, y qué lista de admiradores... The black cat, aquí suele conocerse con el título de Satanás. Añado el enlace con imdb http://www.imdb.com/name/nm0880618/
.

directores para la historia: DREYER

El director danés Carl Theodor Dreyer nació el 3 de febrero de 1889 en Copenhague. Tras dedicarse un tiempo al periodismo, en 1912 se inició en la industria cinematográfica danesa, que en aquellos momentos era una de las más potentes de Europa. Dreyer empezó escribiendo guiones y debutó tras la cámara con El presidente (1918-1919). Su segundo trabajo como realizador fue Páginas del libro de Satán (1919-1921), una cinta en cuatro episodios sobre las tentaciones del mal cuya estructura se inspira en el clásico de D.W. Griffith Intolerancia (1916). Durante una estancia en Berlín llevada a cabo en 1923 dirigió Michael (1923-1924), una cinta sobre la relación homosexual de un pintor. Dreyer alcanzó la fama en 1928 con la adaptación cinematográfica del calvario de Juana de Orleans (La pasión y muerte de Juana de Arco). Sus expresivos primeros planos de la actriz Maria Falconetti y la excelente interpretación de esta última entraron en los anales de la historia del cine. Tras el fiasco que supuso La bruja vampiro (1932) le costó mucho tiempo poner en pie un nuevo proyecto. Su siguiente cinta apareció durante la ocupación alemana de Dinamarca. Hablamos de Dies irae (1943), una nueva incursión en el tema de la tentación del mal. Después vendrían algunos documentales para el gobierno danés y filmes de ficción como La palabra (1954) o Gertrud (1964), en los que el cineasta recuperó su característico lenguaje estético. Carl Theodor Dreyer falleció el 20 de marzo de 1968 en Copenhague.
-
-(en Cine de los 30, Jürgen Müller, Taschen, 2006)
-
-algo más
La filmografía de Dreyer en lo estético guarda relación con la del pintor Hammershøi, como ha puesto de relieve una exposicion.en el CCCB... http://www.diariosur.es/prensa/20070126/cultura/muestra-enfrenta-filmes-dreyer_20070126.html
-
La maestría con la que abordó el cine en la época muda dejó una cinta que casi habla y que resulta no sólo inolvidable sino una de las experiencias más arrebatadoras que el cine puede ofrecer, en La pasión de Juana de Arco. Obras maestras como la anterior, La palabra (Ordet) y Gertrud muestran a un director con una personalidad propia e intereses espirituales. Su legado intenta ser recogido en parte en la actualidad por el también danés Lars Von Trier, cuya Rompiendo las olas, tiene ecos del maestro Dreyer.
-
Por último, aunque es poco, reivindicar en especial su magnífica, maravillosa e inolvidable La palabra (Ordet), que para quien escribe es una de las mejores películas de la historia del cine, y sin duda la que más hondo me ha llegado.
-

+ curiosidades

+
Quizá el mayor guionista de la historia del cine sea un autor que no conoció el cine... la extensa obra de William Shakespeare ha dado pie a más de 300 películas
+
Hasta tal punto la secretaria de rodaje o script es durante el rodaje la mano derecha del director, y son tantas las horas que pasan juntos en relativa intimidad, que se han dado casos incluso de parejas entre director y script, como por ejemplo King Vidor y Elizabeth Hill, o el maestro del suspense, Alfred Hitchcock y Alma Reville.
+
Cuenta Douglas Slocombe, director de fotografía en En busca del arca perdida, que un día había que rodar una larga coreografía de lucha con Harrison Ford luchando con un látigo contra un malo enorme, pero estaba anocheciendo y quedaba poca luz para filmar la escena. Spielberg notó el problema y le dijo al actor: "no hay tiempo de luchar, es mejor que saques tu revólver y le dispares". Esa improvisación fue uno de los momentos más divertidos y recordados de la película.
+

La palabra (Ordet) de Carl Dreyer

-

-

imagen de La palabra (Ordet), magnífica película de Carl Dreyer

MARLENE DIETRICH, mito y actriz para la historia

Ninguna otra estrella del siglo XX, ni siquiera Greta Garbo, apareció envuelta en un aura de perfección más intensa que ella. Su físico impecable, misterioso pero no por ello menos humano, la convirtió en la encarnación del glamour. Su influencia prácticamente se hace notar más en los cambios culturales de la época que en la historia del cine. Por ejemplo, las mujeres empezaron a utilizar pantalones para imitar a la actriz. La naturalidad que demostró en sus diversas relaciones amorosas, como las que vivió con Jean Gabin, tres miembros de la familia Kennedy y varias mujeres, la convirtió en precursora de la revolución sexual. Su oposición al fascismo -ideología que aborrecía por "decencia"- hizo de ella un icono político y le valió una gran animadversión en su patria, Alemania. Marlene Dietrich... hoy en día basta con decir su nombre o su apellido para que todos identifiquen de quién se habla.


Nacida en 1901 en el seno de una familia berlinesa, perdió a su padre de niña. Dietrich no tardó en descubrir su talento. Aunque se formó como actriz de teatro de la mano de Max Reinhardt, su rostro era más adecuado para aparecer en la gran pantalla. Tras varios personajes secundarios se hizo con el papel protagonista de la película muda Flor de pasión, tres amores (1929).


Josef von Sternberg le ofreció el personaje de la rolliza cantante de cabaré Lola Lola en El ángel azul (1930), adaptación de la obra de Heinrich Mann. Esta cinta marcó el inicio de una simbiosis artística entre el "creador" y su "criatura", como ella misma escribió en una carta dirigida al cineasta. El éxito del largometraje les llevó a Hollywood, donde colaboraron en otros seis proyectos. Entre ellos destacan Marruecos (1930), La venus rubia (1932), El expreso de Shanghai (1932) y El diablo es una mujer (1935). Tras algunos fracasos artísticos, también pusieron punto final a su relación personal. Los dos siguientes films de Marlene, El jardín de Alá (1936) y El príncipe mendigo (1944), contribuyeron a cimentar el mito, algo que Billy Wilder llevó a su terreno con gran inteligencia en Berlín Occidente (1948) y Testigo de cargo (1957). El mensaje era claro: Dietrich se estaba convirtiendo en us propio personaje. En adelante tendría pocas oportunidades de demostrar su valía en el cine; una de ellas fue Vencedores o vencidos. El juicio de Núremberg (1961). La artista se concentró cada vez más en potenciar su carrera musical. De hecho, siempre había cantado en sus películas, y la canción Enamorándome otra vez (Ich bin von kopf bis fub auf liebe eingestellt), que interpretó en El ángel azul, siempre estará asociada a su nombre. Tra vivir sus últimos años en un aislamiento total, Marlene Dietrich falleció en París en mayo de 1992. Según su última voluntad, fue enterrada en Berlín.

---(Cine de los 30, Jürgen Müller, Taschen-2006)

-algo más...
Se podrían escribir (y se han escrito) libros enteros sobre tan fascinante mujer. Sólo recordar dos actuaciones memorables que son excepcionales. La interpretación en Encubridora (1952) de Fritz Lang es soberbia, y su breve pero intenso papel en la magnífica Sed de mal (1958) de Orson Welles, inolvidable. Y remarcar, una vez más, que en plena guerra mundial fue una persona muy valiente que se comprometió activa e intensamente en la lucha contra el fascismo, y por eso no pudo ser profeta en su tierra.

directores para la historia: JEAN VIGO

Jean Vigo, que falleció a la edad de veintinueve años, dejó un legado de algo menos de tres horas de celuloide, lo que no le ha impedido ejercer una influencia más decisiva en la historia del cine que otros realizadores de trayectoria extensa. El culto póstumo que se le rinde como mártir romántico tiene sus raíces en su infancia, marcada por la enfermedad y por la muerte de su padre, el militante anarquista Miguel Almereyda, quien falleció en prisión probablemente estrangulado. Jean, que compartía totalmente los ideales de su progenitor, pasó su juventud en diversos internados, oculto al principio bajo nombres falsos. Rodó su primer cortometraje A propósito de Niza (1930), un documental sarcástico sobre la hermosa vida en la Riviera, con una cámara Derbie usada. Tras dirigir Taris o la natación / Taris, rey del agua (1931), el retrato de un nadador, Vigo conoció a una persona decisiva en su vida, el productor independiente Jacques-Louis Nounez, que colaboraría con él en sus siguientes filmes. Por entonces, el realizador ya trabajaba con el ruso Boris Kaufman, hermano del venerado cineasta de vanguardia Dziga Vertov, quien ejerció de director de fotografía.

El resultado fueron los 44 minutos de Cero en conducta (1933), en los que Vigo narró sus amargas experiencias escolares. La película era una revuelta poética contra el sistema educativo y se resistía a cualquier tipo de lógica formal, al igual que los estudiantes de la cinta se mostraban indiferentes ante los intentos de sus maestros por imponerles disciplina. El filme, que estuvo prohibido hasta 1945, era considerado una reliquia de culto por los cineastas de la nouvelle vague, sobre todo por François Truffaut. Jean Vigo, apreciado entre sus colaboradores por su extraordinario sentido del humor y amabilidad, no pudo disfrutar de su prestigio. El rodaje de L'Atalante (1934), su único largometraje, tuvo lugar en invierno, lo que resultó mortal para su ya castigada salud.

Innumerables realizadores han reconocido la influencia decisiva de esta obra que suele compararse con Amanecer (1927), de F.W. Murnau, por la exuberante poesía de sus imágenes. Entre los diversos homenajes cabe destacar el que llevó a cabo Bernardo Bertolucci en El útimo tango en París (1972).
-
(en Cine de los 30, Jürgen Müller, Taschen 2006)

algo más
Jean Vigo nació en París el 26 de abril de 1905, donde murió el 5 de octubre de 1934.
En mi opinión las dos mayores tragedias de la historia del cine fueron las prematuras muertes de Murnau y de Jean Vigo, dos poetas del cine, arrebatados por la vida.
-