ornitólogo

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El agente secreto, pero mundialmente conocido, 007 salió de la pluma del escritor Ian Fleming, que lo bautizó con el nombre de un ornitólogo que conoció en las Bahamas: James Bond.
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Otra curiosidad sobre las películas de James Bond es que el maestro Ingmar Bergman en sus últimos años solía ver alguna de James Bond después de la cena, para irse a dormir, ya que no le hacían pensar mucho...
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algunas comedias americanas

La comedia, afortunadamente no es patrimonio de ningún país, e incluso la propia comedia americana es en gran parte lo que es gracias al talento de europeos como Lubitsch, Wilder... pero en cualquier caso este género tan serio y difícil, además de necesario, ha contado con obras muy valiosas en los Estados Unidos.
_Aunque apenas sea una lista de títulos comprendidos entre 1930 y 1968, me he sonreído y reído tanto con la mayoría de ellos que me alegraría despertar en alguien el interés por descubrir alguna de estas películas, muchas de ellas auténticas obras maestras...
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la comedia americana
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1931 Luces de la ciudad _Charles Chaplin
1932 Un ladrón en la alcoba _Ernst Lubitsch
1933 Tiempos modernos _Charles Chaplin
1934 Sucedió una noche _Frank Capra
1934 La cena de los acusados _W.S. Van Dyke
1935 Una noche en la ópera _Sam Wood
1935 La gran aventura de Silvia _George Cukor
1936 El secreto de vivir _Frank Capra
1936 Al servicio de las damas _Gregory La Cava
1937 Damas del teatro _Gregory La Cava
1937 Una chica afortunada _Mitchell Leisen
1937 La pícara puritana _Leo Mc Carey
1937 Ángel _Ernst Lubitsch
1937 La reina de Nueva York _William A. Wellman
1938 Vivir para gozar _George Cukor
1938 La fiera de mi niña _Howard Hawks
1938 Vive como quieras _Frank Capra
1938 La octava mujer de Barba Azul _Ernst Lubitsch
1939 La muchacha de la Quinta Avenida _Gregory La Cava
1939 Medianoche _Mitchell Leisen
1939 Caballero sin espada _Frank Capra
1939 Ninotchka _Ernst Lubitsch
1940 El bazar de las sorpresas _Ernst Lubitsch
1940 Arise my love _Mitchell Leisen
1940 Luna nueva _Howard Hawks
1940 El gran dictador _Charles Chaplin
1940 Historias de Filadelfia _George Cukor
1940 Mi mujer favorita _Garson Kanin
1941 Loquilandia _H.C. Potter
1941 Bola de fuego _Howard Hawks
1941 Las tres noches de Eva _Preston Sturges
1941 Los viajes de Sullivan _Preston Sturges
1942 Un marido rico _Preston Sturges
1942 Once upon a honeymoon _Leo Mc Carey
1942 Ser o no ser _Ernst Lubitsch
1943 El diablo dijo no _Ernst Lubitsch
1944 Hail the conquering hero _Preston Sturges
1944 Arsénico por compasión _Frank Capra
1945 Las campanas de Santa María _Leo Mc Carey
1946 ¡Qué bello es vivir! _Frank Capra
1946 El pecado de Cluny Brown _Ernst Lubitsch
1947 Monsieur Verdoux _Charles Chaplin
1947 El fantasma y la señora Muir _Joseph L. Mankiewicz
1949 La costilla de Adán _George Cukor
1949 La novia era él _Howard Hawks
1950 El padre de la novia _Vincente Minnelli
1952 Me siento rejuvenecer _Howard Hawks
1952 El hombre tranquilo _John Ford
1953 Vacaciones en Roma _William Wyler
1953 Los caballeros las prefieren rubias _Howard Hawks
1953 Como casarse con un millonario _Jean Negulesco
1954 Una rubia fenómeno _George Cukor
1955 Artists and models _Frank Tashlin
1955 Pero... ¿quién mató a Harry? _Alfred Hitchcock
1955 Atrapa a un ladrón _Alfred Hitchcock
1955 La tentación vive arriba _Billy Wilder
1957 Mi desconfiada esposa _Vincente Minnelli
1958 Indiscreta _Stanley Donen
1959 Confidencias a medianoche _Michael Gordon
1959 Con faldas y a lo loco _Billy Wilder
1960 El apartamento _Billy Wilder
1960 Nunca en domingo _Jules Dassin
1960 Página en blanco _Stanley Donen
1961 Uno, dos, tres _Billy Wilder
1961 El terror de las chicas _Jerry Lewis
1961 Desayuno con diamantes _Blake Edwards
1961 Un espía en Hollywood _Jerry Lewis
1961 Un gángster para un milagro _Frank Capra
1962 La misteriosa dama de negro _Richard Quine
1963 Charada _Stanley Donen
1963 Irma la dulce _Billy Wilder
1963 Lío en los grandes almacenes _Frank Tashlin
1963 El noviazgo del padre de Eddie _Vincente Minnelli
1964 Su juego favorito _Howard Hawks
1963 La pantera rosa _Blake Edwards
1964 Caso clínico en la clínica _Frank Tashlin
1964 La comedia de los terrores _Jacques Tourneur
1964 Bésame, tonto _Billy Wilder
1965 Las joyas de la familia _Jerry Lewis
1965 La carrera del siglo _Blake Edwards
1965 Como matar a la propia esposa _Richard Quine
1966 En bandeja de plata _Billy Wilder
1966 Tres en un sofá _Jerry Lewis
1967 Dos en la carretera _Stanley Donen
1967 Mujeres en Venecia _Joseph L. Mankiewicz
1968 El guateque _Blake Edwards
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(Más en la revista Dirigido por de abril, mayo y junio de 2003)

directores para la historia: JAMES WHALE

_Incluso su muerte tuvo una puesta en escena magistral: James Whale se ahogó en su piscina -probablemente fuera un suicidio- tras sufrir un tiempo atrás un ataque al corazón del que no llegó a recuperarse. Durante una década fue uno de los directores más prestigiosos de Hollywood. El estudio Universal le concedía toda clase de prerrogativas, sobre todo gracias a la exitosa saga sobre Frankenstein (1931,1935). Todo esto terminó cuando su película The road back (1937), una especie de continuación de Sin novedad en el frente (1930) fracasó en taquilla. Whale perdió su independencia y, años después, abandonó el mundo del cine.

_James Whale llegó a EE.UU. en 1928, cuando tenía treinta y nueve años. Anteriormente este británico había sido actor, escenógrafo y director en diversos teatros londinenses. El éxito que cosechó sobre las tablas con el drama bélico Journey's end le ofreció la oportunidad de rodar su primera película en Hollywood, una adaptación del mismo título de esa obra (1930). Su tercer trabajo para las cámaras fue Dr. Frankenstein (1931). A pesar de que también rodó comedias y musicales, debe su reputación a sus estilizados filmes de terror, como The old dark house (1932), La novia de Frankenstein (1935) o El hombre invisible (1933). Por lo que parece, el propio director consideraba que este último era su mejor largometraje.

_Si su homosexualidad, que vivía abiertamente, desató un buen número de habladurías en su momento, hoy ofrece la posibilidad de interpretar su obra desde una perspectiva distinta. El rechazo por parte de la sociedad que sufre el monstruo de Frankenstein por ser diferente suele considerarse el reflejo de las propias experiencias de Whale, que también era un marginado. Hasta su muerte, acaecida en Hollywood, James Whale conservó su estilo de vida británico. Bill Condon le brindó un homenaje póstumo con la oscarizada Dioses y monstruos (1997).

(en Cine de los 30, Jürgen Müller, Taschen, 2006)

directores para la historia: ERNST LUBITSCH

_Cuentan que en el entierro de Ernst Lubitsch, el director Billy Wilder comentó: "Nos quedamos sin Lubitsch". A lo que su colega William Wyler replicó: "Peor aún, nos quedamos sin películas de Lubitsch". Ernst Lubitsch era admirado por la absoluta elegancia, el buen gusto y lo refinado de sus películas. Junto a Wilhelm Murnau y Fritz Lang, Lubitsch formó parte del gran trío del cine mudo alemán. Igual que sus colegas, él también emigró a EE.UU. (1922). Y de ellos fue el más productivo. En 1947, cuando falleció a los cincuenta y cinco años a causa de un infarto, había dirigido 37 películas alemanas y 26 filmes estadounidienses.
_Hijo de padres judíos, Lubitsch nació en Berlín en 1892. Después de pasar por el teatro, llegó al cine, donde primero trabajó de actor y, pronto, también de autor y director. Rodó películas de distintos géneros, como el filme histórico Madame Dubarry (1919) o la comedia de tintes grotescos El gato montés (1921). Se fue a Hollywood en la época del cine mudo y posteriormente el sonoro le supuso menos dificultades que a muchos otros directores. En los años treinta dirigió cinco películas que se convirtieron en clásicos y que encarnaron de forma ejemplar su estilo de comedia: Un ladrón en la alcoba (1932), Una mujer para dos (1933), Ángel (1937), La octava mujer de Barba Azul (1938) y Ninotchka (1939). En la última, incluso hacia reír a la gran diva Greta Garbo, siempre tan seria. Sin embargo, la película más famosa del director es Ser o no ser (1942). En ella se narra la historia de una compañía de teatro de Varsovia que tiene que suspender la representación de una pieza antinazi después de la entrada de las tropas alemanas y, acto seguido, utiliza el vestuario para reírse como toca de la Administración nazi en sus propias narices. Tratar el terror nazi con humor: lo que aún se puso en tela de juicio en 1997 por causa de la película de Roberto Benigni La vida es bella, Lubitsch ya lo había hecho cincuenta años años.
-Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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añadir que...
El toque Lubitsch es sin duda de lo más maravilloso que ha habido en la historia del cine. Un genio.

directores para la historia: ROBERT BRESSON

_Robert Bresson fue uno de los grandes solitarios del cine europeo y uno de los pocos directores franceses que fueron ensalzados por la revista Cahiers du Cinéma en los años cincuenta. Nacido en 1901 en Bromont-Lamothe, en Auvergne, Bresson se doctoró en Literatura y Filosofía, y trabajó de pintor a temporadas antes de llegar al cine en los años treinta. Su obra se centra en el análisis de la fe católica. Muestra la lucha del individuo frente a la predestinación; una lucha que suele ser inútil, puesto que se decide por el azar o por la gracia de Dios, y que se expresa en la metáfora de la reclusión. Sus películas se caracterizan por acentuar los recursos cinematográficos. Así, a partir de su cuarta película, el director trabajó con actores no profesionales. Su estilo de cámara se distingue por un distanciamiento de aire documental y por el rigor en la composición, que evita provocar los efectos de un retrato psicológico. En las películas de Bresson, los objetos y las personas nunca son simples sostenes de una historia, sino que siempre conservan una autonomía enigmática. Algunos de sus filmes má conocidos son El diario de un cura rural (1950), Un condenado a muerte se ha escapado (1956), Pickpocket (1959), El proceso de Juana de Arco (1961), Al azar, Baltasar (1966) y Mouchette (1966). Murió en 1999 en París.
-Cine de los 40, Jürgen Muller (Taschen, 2005)
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añadir que...
Robert Bresson además se prodigó en la escritura teórica de su particular concepto cinematográfico. Y Un condenado a muerte se ha escapado, en mi opinión, es una obra maestra de la historia del cine.

fotografía de cine: KAZUO MIYAGAWA

_La pasión por la fotografía rica en contrastes que se utilizaba en las películas mudas producidas en Alemania es la responsable de que el futuro director de fotografía Kazuo Miyagawa se interese por el cine. Esta influencia puede apreciarse claramente en Rashomon (1950). Antes de entrar a trabajar en un estudio, Miyagawa estudió una técnica de pintura tradicional japonesa o sumi-e. Ya involucrado en la industria cinematográfica, fue técnico de laboratorio y asistente del director de fotografía antes de desempeñar él mismo esta última función. Su carrera se inicia y culmina con sendas colaboraciones con Akira Kurosawa. Al igual que al realizador, Rashomon le hizo famoso en todo el mundo. Treinta años después, tuvo que abandonar el rodaje de Kagemusha. La sombra del guerrero (1980) debido a una afección ocular.
_Entre ambas películas se extiende una trayectoria extraordinaria. Empezó pronto a experimentar con raíles y grúas para dotar a la cámara de un movimiento más ágil, algo que puede apreciarse en Rashomon. En Cuentos de la luna pálida (1953), dirigida por Kenji Mizoguchi, se inspiró en las pinturas tradicionales niponas. Así, en la cinta las composiciones alargadas sugieren la continuidad de los acontecimientos. En Conflagración (1958) de Kon Ichikawa, utilizó por primera vez el Daieiscope, un nuevo formato de pantalla ancha, y volvió a buscar la inspiración en las técnicas pictóricas de su país, lo que se aprecia en la división de las imágenes y en los espacios delimitados por elementos como puertas. En otro trabajo dirigido por Kurosawa, el filme de samuráis El guardaespaldas (1961), rodó escenas de lucha con teleobjetivo, lo que les confiere un toque surrealista.
-Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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añadir que...
Miyagawa, gran maestro japonés de la fotografía, vivió entre 1908 y 1999.
Sobre la genialidad de Mizoguchi... siempre es buen momento para recordarla, y Cuentos de la luna pálida es una de sus obras maestras más maravillosas.
Dejo enlace sobre Kazuo Miyagawa en imdb http://www.imdb.com/name/nm0594335/

fotografía de cine: GREGG TOLAND

_Al, en primer término, contempla maravillado a Homer, que toca el piano con los ganchos. En segundo plano vemos a Fred en un teléfono público; está llamando a Peggy para decirle que no quiere volver a verla. Esa famosa composición de cámara, que juega con la profundidad del espacio, lleva indiscutiblemente la firma de Gregg Toland, un director de fotografía tan ingenioso como amante de la experimentación. Sus rasgos distintivos son la utilización de la luz para crear grandes contrastes y las composiciones alargadas con una gran profundidad. Toland entró a trabajar en un estudio a los quince años. Empezó como chico de los recados, ascendió a ayudante de cámara y en 1931 realizó su primer filme como operador jefe: Un loco de verano. En 1938 rodó Cumbres borrascosas (1939) con el director William Wyler. El proyecto le permitió ganar un oscar y supuso el inicio de una prolongada y fructífera colaboración con el director. Entre las películas que filmaron juntos destaca La loba (1941), si bien antes ya habían rodado cintan tan importantes como Esos tres (1936) y Punto muerto (1937).

_Toland, nacido en 1904, alcanzó su momento álgido desde el punto de vista creativo en colaboración con un gigante de la dirección, Orson Welles, con el que concibió las grandiosas composiciones visuales de Ciudadano Kane (1941). Durante la segunda guerra mundial fue integrante de la Navy Photographic Unit. Con ella participó, entre otros proyectos, en el documental de John Ford December 7th (1941-1943), que le valió un oscar a la U.S. Navy Field Photographic Branch, de la que formaba parte su unidad. Toland falleció en 1948 de un ataque al corazón. Sólo tenía cuarenta y cuatro años.

-Cine de los 40, Jürgen Müller (taschen, 2005)

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añadir que

El maestro Gregg Toland dejó un sello imborrable en la historia del cine, siendo inolvidables muchos de los trabajos que realizó.

Dejo enlace en imdb http://www.imdb.com/name/nm0005904/

directores para la historia: JACQUES TOURNEUR

_Hijo del famoso director Maurice Tourneur, Jacques, nacido en París en 1904, aprendió el oficio durante los años veinte de la mano de su padre, en cuyas películas fue asistente de dirección y montador. Tras dirigir algunas cintas en solitario, en 1935, Tourneaur se trasladó a Hollywood, donde al principio se dedicó a rodar películas breves y, a partir de 1939, cintas de serie B. Su primer gran éxito fue La mujer pantera (1942), la primera de las tres legendarias cintas de terror que el director realizó con el productor Val Lewton para la RKO. Este largometraje revolucionó el género gracias al recurso de sugerir el elemento terrorífico mediante una dirección de fotografía expresiva en lugar de mostrarlo explícitamente. Tanto La mujer pantera como Yo anduve con un zombie (1943) y El hombre leopardo (1943) forjaron la fama de Tourneur como creador de un excelente estilo propio. Esta opinión quedó confirmada con thrillers como Berlín Express (1948) y Retorno al pasado (1947) que visualmente estaban en deuda con sus cintas de miedo. A pesar de todo, Tourneur, quien según sus propias palabras se interesó durante toda su vida por los fenómenos paranormales y la parapsicología -un tema que recuperaría en La noche del demonio (1957), rodada en Inglaterra-, fue un director muy polifacético que demostró su solvencia en diversos géneros y también con el uso del color. Su western Wichita (1955) resulta tan impresionante como el turbulento filme de aventuras medievales El halcón y la flecha (1950) o La mujer pirata (1951). Jacques Tourneur falleció en diciembre de 1977 en Bergerac, en la Dordoña francesa.
-Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)
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un poco más...
Añadir a la larga lista de magníficas películas de Tourneur el western Tierra generosa y remarcar que la serie B, a pesar de contar con presupuestos más modestos sirvió a directores de talento para innovar y llegar más lejos que las películas de mayor presupuesto pero también de mayor rigidez en cuanto a temática y estilo. En aquellos tiempos sólo películas de bajo presupuesto y de las que se esperaba poco más que servir de relleno en los programas dobles, podían contar con un margen de libertad e innovación, que Tourneur aprovechó con su indudable talento.
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nanuk el esquimal

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Nanuk el esquimal, de Robert J. Flaherty

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fotografía de cine: GABRIEL FIGUEROA

_El director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa (1907-1997) estudió pintura y trabajó en un estudio fotográfico antes de llegar al cine, primero como encargado de foto fija. Aprendió su oficio en Hollywood, trabajando de ayudante de Gregg Toland, el director de fotografía que filmaría Ciudadano Kane. Tras regresar a México en 1935, él también empezó a trabajar de operador. Y se hizo famoso por su colaboración con el director Emilio Fernández, con quien desarrolló en los años cuarenta una estética cinematográfica muy marcada por la naturaleza y la cultura mexicanas. En sus trabajos con Luis Buñuel, con quien Figueroa rodaría un total de siete películas (por ejemplo, El ángel exterminador, 1962) se le pidió otra imagen. En su autobiografía, Buñuel explica la anécdota de que en el rodaje de Nazarín (1959) Figueroa había dispuesto una toma de lo más estético, con el Popocatéptl al fondo. Pero al cineasta le pareció demasiado "bonito", así es que giró directamente la cámara y enfocó una escena cotidiana banal.
_Algunos directores de Hollywood contrataron a Figueroa cuando rodaban en México. Fotografió El fugitivo (1947) para John Ford y Dos mulas y una mujer (1969) para Don Siegel. Y trabajó dos veces con John Huston, en La noche de la iguana (1964), que le reportó una candidatura al oscar, y en Bajo el volcán (1984). Murió en 1997, a los noventa años y dejando a sus espaldas una obra inmensa, que debe abarcar más de 220 películas.
-Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)