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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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::: tirad sobre el pianista / tirez sur le pianiste, de François Truffaut (1960)
La nouvelle vague francesa tuvo su razón de ser con películas como ésta, en la que hay tanta vivacidad y frescura, rodada por el operador Raoul Coutard con un dinamismo y agilidad fascinantes, y dirigida por Truffaut, que dio rienda suelta a su talento, su buen humor y su buen hacer como director. El resultado es un clásico del cine negro, aunque Tirad sobre el pianista no es sólo cine negro, es cine.Truffaut, se nota, se divirtió como un niño rodando esta joya que, sin embargo, suele quedar a la sombra de otras películas del autor (Los cuatrocientos golpes, Jules y Jim, El pequeño salvaje...) aunque Tirad sobre el pianista es una gran película, una pequeña obra maestra.
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El fotógrafo del pánico (1960) Michael Powell. Un clásico del terror, del cine sobre psicópatas, del análisis del voyeurismo e incluso de la reflexión sobre el propio cine y la condición cinéfila. Perturbador, insano, magnético, un film del que han bebido sangre directores como Scorsese y Polanski. Imprescindible en la historia del cine y de la cinefilia.
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::: ojos sin rostro / les yeux sans visage, de Georges Franju (1960)
Este film de terror de uno de los fundadores de la Cinematèque francesa es perturbador, y sin embargo, como la belleza de Alida Valli o la deliciosa e inquietante música de Maurice Jarre, posee cierto encanto a pesar de la obsesión malsana del doctor que intenta reconstruir la cara de su hija... Pero este encanto es breve, claro, porque esta película es de horror y precursora de numerosas cintas del género. El argumento es lo bastante aterrador para inquietar y Franju tampoco elude algunos pormenores sangrientos ni descuida un final feroz como pocos. La película, sin embargo, posee un halo romántico que la recorre entre el espanto, la fatalidad y la demencia, que hacen de Ojos sin rostro un clásico.
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El apartamento (1960) Billy Wilder. Un día Billy Wilder tras ver la magnífica "Breve encuentro" de David Lean se preguntó sobre el tipo que les dejaba el piso. Así nació esta película, agridulce, inolvidable, que es una pequeña joya nacida lateralmente de otra.
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La evasión (1960) Jacques Becker. Esta película inolvidable es un clásico del género carcelario. Cine sin artificios, elaborado con firmeza, pero con tanta sensibilidad como pulso por el maestro Becker.
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El año pasado en Marienbad (1961) Alain Resnais. Tras una fructífera carrera en el documental que incluye el clásico Noche y niebla (1955) y un debut en la ficción con otro clásico innovador de la magnitud de Hiroshima mon amour, Alain Resnais realizó esta película fascinante, enigmática, misteriosa, magistral... Una película magnética y cautivadora. Una lección de cine, en especial sobre el montaje cinematográfico, y una película que amalgama a las demás artes en una obra total. Rebasa la categoría de obra maestra: desprende algo indefinible y especial, un poso de reflexión e indagación vital, existencial, filosófica... y una vigorosa, profunda y sutil poesía del misterio. Inolvidable e imprescindible, justifica la existencia del cine. Mítica.
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La chica con la maleta (1961) Valerio Zulini. Uno de los clásicos del cine italiano de los 60, con sentimientos agridulces muy bien expresados y magníficas interpretaciones... inolvidable Claudia Cardinale.
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Hatari! (1961) Howard Hawks. El maestro Hawks logra otra magnífica película, sin importarle el género, con esa sencillez, fluidez y alegría de vivir que sólo poseen los más grandes. Aventuras en el corazón de África con un gran sentido del humor, la melodiosa música de Henry Mancini, y con el gran John Wayne. Vitalidad a raudales.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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::: il posto / el empleo, de Emmano Olmi (1961)
Este film del posterior realizador de "El árbol de los zuecos" es al mismo tiempo tierno y simpático pero también ácido, crítico y realista, además de una película bien interpretada. Un joven busca su primer empleo en unas oficinas, conoce a una chica el día de las pruebas de selección de personal, y algo bello y dulce surge entre ellos. Cada cual consigue empleo en un departamento distinto... El final, realista y aterrador, es notable y revela una gran maestría en el uso del sonido, que es el reflejo del porvenir sin alegría que le espera al muchacho. Una película magnífica, sin narcótico final feliz porque el director, aunque no ignora la ternura y la alegría, sabe que la vida es complicada y la vida laboral a menudo deshumanizada.
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Todo el oro del mundo (1961) de René Clair. Es una comedia muy ácida y crítica con determinadas actitudes y comportamientos de baja moralidad, muy apropiada en estos tiempos de saqueo urbanístico y mentiras constantes.
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::: jules y jim / jules et jim, de françois truffaut (1961)
Obra maestra, clásico del cine mundial, exponente supremo de la nouvelle vague... ¿qué se puede decir para hacer justicia a Jules y Jim? Truffaut filmó tan magistral y vivamente este relato de un trio amoroso que de no existir esta película a quienes la hemos disfrutado nos faltaría algo... Cuesta imaginar un fotógrafo mejor que Raoul Coutard, un músico mejor que Georges Delerue o una Catherine mejor que Jeanne Moreau (¡qué gran mujer!) para esta película, que sólo podía realizar alguien con tanto amor por las mujeres, el amor y el cine como François Truffaut. Algo más que una joya, esta película es un auténtico collar de diamantes.
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El terror de las chicas (1961) de Jerry Lewis, es una comedia paradigmática del cómico aderezada con una música viva y alegre y una puesta en escena muy musical, aunque quizá irregular es fresca y optimista
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Accatone (1961) Pier Paolo Pasolini. La primera obra del autor italiano es tan personal y religiosa, tal y como entendía la religiosidad Pasolini, como sus obras posteriores. Marginal, naturalista, dramática, cruda, virginal...
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Cléo de 5 a 7 (1962) de Agnés Vardá. Una muestra viva y vibrante de la nouvelle vague francesa a cargo de la interesante directora.
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Sanjuro (1962) de Kurosawa, quizá sea considerada una película menor dentro de la valiosa filmografía del maestro, pero es una película divertida, entretenida y agradable, ¡y eso ya es mucho!
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La soledad del corredor de fondo (1962) de Tony Richardson, es un clásico del renovador free cinema inglés, y está bien rodado con modernidad y frescura.
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Vivir su vida (1962) de Godard, es interesante, requiere atención y posee momentos muy logrados, aunque quizá el final... y hay una edición en doble dvd con un interesante documental y sobre todo dos buenos cortos del primer Godard, rodados en los 50
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Atraco a las 3 (1962) de José María Forqué es una buena comedia con un elenco de excepción en el cine español de la época.
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Flaming creatures (1963), de Jack Smith, es uno de los films más emblemáticos del underground americano, atacada incluso judicialmente en su momento, defendida con entusiasmo por Jonas Mekas (ver su Diario de cine) y rodada en blanco y negro, puede verse en http://www.ubu.com/ en el rincón dedicado al artista. Se trata de una película maravillosa y arrebatadora, lírica, fresca, humana, llena de un vigor sensual y poético que trasciende los superficiales y reduccionistas ataques por obscenidad, perversidad y demás a las que es completamente ajena. Es antes que nada y sobre todo una juguetona celebración de la vida. Y una liberación dionisíaca por encima de la consideración que tiene como film de culto queer. Una película que me recuerda a la magnífica película de Sjöstrom titulada "El viento", si en aquella obra maestra del mudo se oía el viento, en esta obra maestra del underground rodada en blanco y negro se ven los colores de la vida.
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Corredor sin retorno (1963) de Samuel Fuller es la obra maestra del director, y un clásico del cine psiquiátrico, con una atmósfera fascinante y delirante muy apropiada para la historia, intensa e indeleble que plantea.
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El milagro de Ana Sullivan, (1963) de Penn, es un relato sobre la fuerza de la ternura que se halla dentro de la perseverancia. Narra vigorosamente una historia de coraje y crecimiento.
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La jetée (1963) Chris Marker. Este corto o mediometraje de apenas 30 minutos es sin embargo un clásico imprescindible e inolvidable. La narrativa es provocadora y la historia misteriosa y fascinante. Décadas después Terry Gillian realizó 12 monos sobre el mismo argumento, aunque con resultados inferiores.
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Tom Jones (1963) de Tony Richadson, es una comedia satírica bastante irreverente. Un divertido clásico del renovador free cinema inglés.
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Lio en los grandes almacenes (1963) de Tashlin, es una película divertida y quizá una pequeña obra maestra, con un Jerry Lewis en uno de sus mejores trabajos, y para mí una película que me pone una sonrisa en los labios y en el corazón, porque la descubrí de pequeño...
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Cortometrajes 1957-1963 (1957-63) Roman Polanski. A propósito de la edición en dvd de estos cortos de Polanski quiero reivindicar el formato de cortometraje como algo autónomo, no una mera cantera para el rodaje de cineastas, y hacer notar que al igual que un aforismo puede contener una maestría y sabiduría admirables, existen cortos tan notables e inolvidables que uno desearía que fueran más largos. Y entre estos cortos de Polanski, con sus señas de identidad indudables, hay alguna que otra joya.
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Muriel o el tiempo de un retorno (1963) Alain Resnais. Una película singular, como sus films anteriores. Formalmente es muy original, aunque extraña, y sin dudas es una experiencia cinematográfica desafiante. Algo irregular, sin embargo, tiene momentos llenos del talento e ingenio del mejor Resnais.
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El extraño viaje (1964) de Fernando Fernán Gómez. Descubrir o volver a paladear esta obra magistral es quizá el mejor homenaje que se le puede hacer al gran escritor, director y escritor. Se trata de una obra cumbre del cine español, y en ella, como detalle cinéfilo se puede ver actuar al director de culto Jesús Franco.
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Gertrud (1964) Carl Theodor Dreyer. La última obra maestra de uno de los directores imprescindibles de la historia del cine. La historia queda indeleblemente marcada en el alma gracias al talento de Dreyer.
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Lilith (1964) de Rossen, otro director que hizo películas interesantes, y ésta es bella y perturbadora, romántica hasta la locura, ambientada en un sanatorio...
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Zorba el griego (1964) Michael Cacoyannis. Momentos inolvidables en la historia del cine coronados por una música ya casi eterna y una interpretación soberbia de Anthony Quinn, en el papel de su vida.
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la muerte tenía un precio (1965) de Sergio Leone, es el segundo western de los tres que interpretó Clint Eastwood a las órdenes del director que replanteó el género. Las buenas interpretaciones y la magnífica música de Morricone se unen como la uña y la carne en un relato bien urdido, quizá inolvidable. Ah, como curiosidad deshacer el tópico despectivo sobre el spaghetti-western, además es una coproducción italo-hispano-germana hasta tal punto que Klaus Kinski aparece en un papel.
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Simón del desierto (1965) de Luis Buñuel es un film impactante y poderoso del gran maestro Buñuel, rodado en México y con secuencias inolvidables. Un mártir en vida es tentado... ¿será vencido por el diabólico (para Buñuel) rock and roll? La respuesta: ver la película.
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El tren (1965) John Frankenheimer. Un reparto excelente para una magnífica realización que narra el recorrido de un tren lleno de tesoros artísticos saqueados por los nazis en la Francia ocupada. Un tesoro escondido.
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Viva María (1965) de Louis Malle. Una oportunidad de reírse mucho con la gran irreverencia de una película que se burla de casi todo, incluso de los estereotipos de sex-symbol, y que cuenta con Jeanne Moreau y Brigitte Bardot, dos sex-symbol.
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Pajaritos y pajarracos (1965) Pier Paolo Pasolini. Magnífica e inolvidable película con un universo muy particular y un lirismo desenfadado y sutilmente reflexivo. Un genial Totó aún hace más entrañable esta gran comedia.
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La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.
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Viento en las velas, (1965) de Mackendrick es un relato de piratas que pecan de ingenuos. Una película digna y bien dirigida.
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Andrei Rublev (1966) Andrei Tarkovski. El magnífico fresco del director ruso sobre una parte de la edad media aborda la figura del pintor de iconos Andrei Rublev, que sufrió una grave crisis de fe y abandonó su don. La resurrección de su fe le conduce al florecimiento de su arte. Profunda y poética revela el talento y personalidad de un ser tan espiritual como Tarkovski.
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El joven Törless (1966) Volker Schlöndorff. Es quizá el comienzo del nuevo cine alemán, con una portentosa adaptación del relato de Musil.
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Nacida libre (1965) James Hill. Un clásico del cine familiar con la conmovedora historia de una leona criada por un matrimonio. La magnífica música de John Barry redondea esta simpática y emotiva película.
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Cul de sac, callejón sin salida (1966) de Polanski, es una película muy pero que muy especial, rara, con un humor y acidez considerables, pero también tenebrosa, loca, enigmática, desconcertante, pero me parece un gran trabajo de Polanski, una película bien llevada, y sorprendente.
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La jauría humana (1966) de Arthur Penn. Es un retrato más realista que pesimista sobre la honestidad, la mala suerte y la estupidez, locura y maldad humanas. Con Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, Angie Dickinson...
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El silencio de un hombre (1967) Jean-Pierre Melville. Una película de una textura muy especial, en parte gracias a la magnífica fotografía de Henri Decae, que supone una de las cimas del cine policíaco, aunque trascendiéndolo, y mucho, con la historia de un moderno seguidor del Bushido, el libro de los samurais.
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Necronomicón (1967) Jesús Franco. Es una película con aspectos visuales muy interesantes en las escenas oníricas, que despertaron la admiración del gran Fritz Lang en su presentación en el Festival de Berlín. Tiene un halo especial.
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::: besos robados / baisers volés, de François Truffaut (1968)
Esta es una película que se disfruta, que se tararea, una comedia alegre, muy divertida aunque también tenga un halo de nostalgia amable. Es un film juguetón, vivo, se de trata de una obra fresca que no ha perdido su encanto con el paso del tiempo. Una joya más de la filmografía de Truffaut, que tiene varias, porque era alguien que no podía haber sido otra cosa en la vida. Truffaut nació para hacer películas así, y para regalarnos estos besos, y bastantes más.
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::: grupo salvaje / the wild bunch, de Sam Peckinpah (1969)
Este clásico del western tiene momentos memorables, de gran cine, y unas interpretaciones dignas de una obra maestra, además de una violencia y crudeza bastante sangrientas.El film, aunque especialmente salvaje en el tratamiento de la violencia, probablemente es más realista que la mayoría de westerns anteriores. Los personajes no están idealizados ni son héroes, carecen del encanto que transmiten las películas (no sólo los westerns) de Ford, pero a pesar de la brutalidad que muestra el film, y el grupo en concreto también, sí existe un espíritu de grupo y cierta nobleza entre la persecución y la masacre... hay algo del valor de luchar por quien se aprecia, o se ama, por quien se ha cogido cariño, con quien se ha estrechado un lazo, y por ese alguien se está dispuesto a luchar e incluso a morir en la lucha... El grupo salvaje, bien mirado, no es tan salvaje.
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Los desafíos (1969) VV.AA. Esta película colectiva es una buena oportunidad para disfrutar del talento cinematográfico de Víctor Erice, que es el autor del último episodio. Se trata de una producción de Querejeta con su equipo habitual de colaboradores (Luis de Pablo, Luis Cuadrado, Teo Escamilla y el gran guionista Rafael Azcona) que destaca por su crítica al prototipo ibérico más tradicionalista
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Danzad, danzad, malditos (1969) Sydney Pollack. Un clásico que, adentrándose en el característico suceso de los maratones de baile de la depresión americana, brinda a Pollack la ocasión de diseccionar la mentalidad americana y realizar una desasosegante reflexión sobre el vampirismo humano y el lado salvaje y maldito de la vida. El título original viene a decir que a los caballos también los matan cuando sufren. Un drama terrible como pocos, con tintes casi existencialistas y seres humanos arrojados a un mundo que parece la cloaca horadada de dientes de la que habló Artaud. Jamás ver en un mal momento.
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Calcuta (1969) Louis Malle. Magnífico documental sobre la populosa ciudad hindú, que recorre sus calles, indaga en su historia, expresa sus tradiciones y costumbres, problemas... Un recorrido, a pesar de tanta precariedad, lleno de vitalidad.
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pequeña historia del cine
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1960-1969
El apartamento // The apartment (1960) Billy Wilder
Los siete magníficos // The magnificient seven (1960) John Sturges
Psicosis // Psyco (1960) Alfred Hitchcock
Plácido // = (1961) Luis G. Berlanga
Uno, dos, tres // One, two, three (1961) Billy Wilder
La noche // La notte (1961) Michaelangelo Antonioni
Viridiana // = (1961) Luis Buñuel
El ángel exterminador // = (1962) Luis Buñuel
El proceso // Le procès (1962) Orson Welles
El cuchillo en el agua // Noz W Wodzie (1963) Roman Polanski
El verdugo // = (1963) Luis G. Berlanga
El gatopardo // Il gatopardo (1963) Luchino Visconti
Gertrud // = (1964) Carl Dreyer
Repulsión // Repulsión (1965) Roman Polanski
Pierrot el loco // Pierrot le fou (1965) Jean-Luc Godard
Alphaville // = (1965) Jean-Luc Godard
Campanadas a medianoche // = (1966) Orson Welles
2001, una odisea del espacio // 2001: a space odyssey (1968) Stanley Kubrick
La semilla del diablo // Rosemary’s baby (1968) Roman Polanski
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1/6/08
películas 1970-79
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Yo vigilo el camino (1970) de John Frankenheimer (un director que hizo cosas muy interesantes) es una película en la que la música de Cash acompaña la cruda historia que interpreta Gergory Peck.
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Dodes' ka-Den (1971) de Akira Kurosawa, es una buena película que fue un fracaso comercial en Japón y supuso un revés tan fuerte para el autor que intentó (afortunadamente sin éxito) suicidarse. Se trata de un drama humanista, como todos los de Kurosawa, ambientado en los suburbios, entre sus miserias materiales y a veces morales, sus ilusiones, su lucha por la vida. La poesía fluye a veces luminosa y maravillosamente entre estos escombros y mutilados o deshechos humanos en ocasiones en una película inolvidablemente fotografiada y bien interpretada. Su fracaso comercial era comprensible, pues el maestro mostró sin edulcorar ni ahorrar metraje, con valentía y realismo, la cara menos agradable de su sociedad, con la intención optimista (quizá ilusa) de poder mejorarla. Acusado muchas veces de pesimista, Kurosawa decía que el pesimismo consiste en no afrontar la realidad, en negarla, en no afrontarla, que es lo que hizo en varias de sus películas. Pudo haber hecho un film comercial, una película corta y superficial pero tuvo el valor (y el valor es casi un delito en ocasiones) de no suavizar ni el drama ni los escenarios, de extenderse más allá de las dos horas y no embellecer las cosas tristes o feas de la vida. Es un film inolvidable, dramático, pero Kurosawa con su aliento vitalista desemboca en el humanismo del que procede. Ah, el título es la onomatopeya que repite el inolvidable personaje que imita el sonido y los movimientos del tranvía. Una película a reivindicar, casi le cuesta la vida al maestro.
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Johny cogió su fusil (1971) Dalton Trumbo. El prestigioso guionista llevó a la gran pantalla su propia obra, en un inolvidable film antibelicista, profundamente humano, que constituye un pequeño clásico. La dirección de Trumbo logra llegar al corazón uniendo hábilmente imágenes en blanco y negro y en color, recurso que empleó Resnais en su documental "Noche y niebla". El grupo Metallica, cuando era aguerrido, utilizó metraje de este film en el video clip de su canción "one".
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Hermano sol, hermana luna (1972) Franco Zeffirelli. Francisco de Asís, un iluminado disidente del corrompido catolicismo capitalista dominante en su época, fundó con gran alegría de vivir y basándose en el voto de pobreza (toda una herejía) la orden franciscana. Zeffirelli muestra de manera gozosa, con bondad y candor, el despertar de su fe y su actitud ante la vida. En el estreno la película se emparentaba con el movimiento hippy, y el film está recorrido de bellas melodías. Muchos dirán que un film amanerado, pero con algo alegre y vivo en su interior.
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Gritos y susurros (1972) Ingmar Bergman. Desgarrador drama magníficamente interpretado y fotografiado (el maestro Sven Nykvist) con memorables fundidos en rojo. Ahonda en los estertores, en la cercanía de la muerte, en el sufrimiento. Cruda, con latidos de agonía, pasión, muerte y susurros de vida.
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El diablo en la señorita Jones (1972) Gerard Damiano. La trilogía de oro del cine sexual está formada por Garganta profunda, que fue un fenómeno sociológico y es en el fondo una comedia; Tras la puerta verde, que supone una coreográfica performance casi reflexiva sobre el propio género, y El diablo en la señorita Jones, que tiene un cariz dramático y una atmósfera tan artística como lúdica. Damiano fue alabado con esta obra maestra del género como el Bergman del cine para adultos. La película es audaz e inolvidable, con uno de los principios más inauditos jamás rodados en una película. Además derribó de alguna manera la barrera entre film pornográfico y film artístico. Gerard Damiano, conviene recordarlo, ha pasado a la historia por ser el mejor director de cine para adultos de la mejor época del género, en la que había argumentos, humor... Quizá eran "los tiempos en que el aire era limpio y el sexo era sucio", como dijo Woody Allen.
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Aguirre, la cólera de dios (1973) Werner Herzog. Un clásico para la historia del cine, impregnado de un fascinante magnetismo y un aura de irrealidad sobrecogedor. Un hito del cine, con una atmósfera inolvidable. Con una interpretación de Klaus Kinski memorable, casi se puede decir que esta película tiene vida propia. Junto a la joya escondida de la filmografía de Herzog, Corazón de cristal, sin duda su obra maestra.
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El honor perdido de Katharina Blum (1975) Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta, adapta la obra homónima del nobel de literatura Heinrich Böll denunciando tanto prácticas policiales inmorales como despiadadas artimañas del periodismo sensacionalista (especialmente el Bild alemán) quizá sin sacarle todo el partido posible pero en cualquier caso muestra sin velos prácticas vergonzosas y cuestiona en qué se puede convertir la libertad de prensa. Una reflexión que sigue vigente en estos días, y lamentablemente seguirá vigente en el futuro.
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Corazón de cristal (1975) de Werner Herzog. Es una película con un aroma especial. Destila esencias raras y a menudo enigmáticas y preciosas. Cautiva, embelesa, perturba, conmueve, inquieta, deja un poso sutil en el alma.
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::: el viaje a la felicidad de mamá Kuster / mutter Küster fahrt zum himmel, de R.W. Fassbinder (1975)
Las películas de Fassbinder, a menudo dramáticas, a veces muy amargas, críticas y en el mejor sentido de la palabra a menudo melodramáticas, con frecuencia fueron polémicas porque abordaron asuntos y rincones oscuros y espinosos, tanto del ser humano como de la sociedad. En este amargo viaje, no a la felicidad, que el título es engañoso, Fassbinder retrata con lucidez la manipulación mediática de un suceso por la prensa sensacionalista y por ciertos grupos políticos, y también reflexiona en cierto modo sobre hasta qué punto las relaciones personales pueden ser duraderas, y aparentemente cercanas, pero en el fondo convencionales y poco profundas, o menos de lo que suponemos. Con un final cinematográficamente quizá rebelde, o quizá no, no deja lugar al iluso optimismo de confiar a corazón abierto en alguien en los momentos de adversidad porque la maldad, el arribismo, el oportunismo y el hacer leña del árbol caído, como la manipulación y la maldad, existen, y Fassbinder simplemente lo muestra. Por tanto lo lógico es que el viaje de mamá Kuster sea hacia una verdad más grande y dolorosa, y que el final sea, en vez de feliz, más bien realista. Sin embargo esta autenticidad en la manera de tratar la condición humana, lejos de idealizaciones e ilusiones de cuentos de hadas, en mi opinión hacen de esta película (y de gran parte de la obra del autor) vigente por lo que nos muestra del propio ser humano. A fin de cuentas Fassbinder no es pesimista pues muestra la inocencia, la bondad humana, y también la maldad humana. Su conclusión puede parecernos desencantada, pero seamos realistas, a decir verdades desagradables se le llama pesimismo. Y quizá el optimismo sea considerar que mostrar lo pésimo de la realidad es un medio de no caer en sus garras. Y esto creo que es constante en la obra de Fassbinder, una obra llena de advertencias para ingenuos, para quienes creen que el mundo es mejor de lo que es.
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Barry Lyndon (1975) de Kubrick, refleja su maniático perfeccionismo en un film algo esteticista y de duración exagerada, pero hay que reconocerle una ambientación musical exquisita y un empeño visual innegable, aunque prefiero al Kubrick de Atraco perfecto y Senderos de gloria.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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Bilbao (1978) de Bigas Luna es una película obsesiva y sucia pero magnética. Probablemente la mejor obra de su autor. Fascinante.
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Nosferatu (1978) de Werner Herzog es una personal adaptación de los relatos sobre vampiros y el conde Drácula, visualmente fascinante por momentos, con Klaus Kinski e Isabelle Adjani. Su atmósfera, alejadísima de la creada por Murnau en su obra maestra, sin embargo resulta muy sugerente y también aterradora.
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Barbara Broadcast (1978) de Henry Paris es una de las más increíbles películas del cine para adultos, sexual, hardcore o pornográfico, como se le quiera llamar. A un guión inspirado en una "fantasía real" se suman una ambientación que llega a la exquisitez en un desarrollo que aunque decae a la mitad del metraje se inicia con una portentosa y arrebatadora entrada en la que la música de Strauss cobra una nueva dimensión. Le falta muy poco para ser una obra maestra del género, aunque sin duda es una película muy especial, en la que el director probablemente dio lo mejor de sí mismo (al igual que el reparto). Quizá, en cierto modo, la película más sexual de la historia del género, y una de las que más elegancia desborda, al igual que un delicado halo romántico a la vez que un desenfado lúdico verdaderamente impagable. Paradójicamente, es una película que, y esto es poco frecuente en una película explícita, muestra lo justo, es decir que deja aún espacio para la fantasía y la imaginación... Una joya, un manjar delicioso.
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black jack (1979) de Ken Loach, es una película de aventuras ambientada en el XVIII, que además de ser una rareza entre el cine del inglés, se convierte en un viaje sorprendente que se disfruta con agrado.el hombre del carrito, de Hiroshi Inagaki, cuenta con el inolvidable Mifune en una historia entrañable que pudo tener un final más feliz o con menos sentido de culpa.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Arrebato (1979) de Iván Zulueta. Es una película española que de ser americana sería considerada una obra maestra del cine mundial, y un film de culto a la altura del mejor Lynch por ejemplo. Su historia es fascinante, arrebatadora, y conjuga elementos de vampirismo, drogadicción y cinefilia. Inolvidable, una experiencia única.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1970-1979
Tristana // = (1970) Luis Buñuel
Harry el sucio // Dirty Harry (1971) Don Siegel
El diablo sobre ruedas // Duel (1971) Steven Spielberg
Vida familiar // Family life (1971) Ken Loach
Todo va bien // Tout va bien (1972) Jean-Luc Godard
La huella // Sleuth (1972) Joseph L. Mankievick
El último tango en París // Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci
El discreto encanto de la burguesía // Le charme discret de la bourgeoisie (1972) Luis Buñuel
El fantasma de la libertad // Le fantôme de la liberté (1973) Luis Buñuel
Amarcord // = (1973) Federico Fellini
El espíritu de la colmena // = (1973) Víctor Erice
Tamaño natural // Grandeur nature (1973) Luis G. Berlanga
Primera plana // The front page (1974) Billy Wilder
Dersu uzala // = (1975) Akira Kurosawa
Annie Hall // = (1977) Woody Allen
Los duelistas // The duellits (1977) Ridley Scott
Fedora // = (1978) Billy Wilder
Manhattan // = (1979) Woody Allen
Bilbao // = (1979) Bigas Luna
Arrebato // = (1979) Iván Zulueta
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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Yo vigilo el camino (1970) de John Frankenheimer (un director que hizo cosas muy interesantes) es una película en la que la música de Cash acompaña la cruda historia que interpreta Gergory Peck.
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Dodes' ka-Den (1971) de Akira Kurosawa, es una buena película que fue un fracaso comercial en Japón y supuso un revés tan fuerte para el autor que intentó (afortunadamente sin éxito) suicidarse. Se trata de un drama humanista, como todos los de Kurosawa, ambientado en los suburbios, entre sus miserias materiales y a veces morales, sus ilusiones, su lucha por la vida. La poesía fluye a veces luminosa y maravillosamente entre estos escombros y mutilados o deshechos humanos en ocasiones en una película inolvidablemente fotografiada y bien interpretada. Su fracaso comercial era comprensible, pues el maestro mostró sin edulcorar ni ahorrar metraje, con valentía y realismo, la cara menos agradable de su sociedad, con la intención optimista (quizá ilusa) de poder mejorarla. Acusado muchas veces de pesimista, Kurosawa decía que el pesimismo consiste en no afrontar la realidad, en negarla, en no afrontarla, que es lo que hizo en varias de sus películas. Pudo haber hecho un film comercial, una película corta y superficial pero tuvo el valor (y el valor es casi un delito en ocasiones) de no suavizar ni el drama ni los escenarios, de extenderse más allá de las dos horas y no embellecer las cosas tristes o feas de la vida. Es un film inolvidable, dramático, pero Kurosawa con su aliento vitalista desemboca en el humanismo del que procede. Ah, el título es la onomatopeya que repite el inolvidable personaje que imita el sonido y los movimientos del tranvía. Una película a reivindicar, casi le cuesta la vida al maestro.
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Johny cogió su fusil (1971) Dalton Trumbo. El prestigioso guionista llevó a la gran pantalla su propia obra, en un inolvidable film antibelicista, profundamente humano, que constituye un pequeño clásico. La dirección de Trumbo logra llegar al corazón uniendo hábilmente imágenes en blanco y negro y en color, recurso que empleó Resnais en su documental "Noche y niebla". El grupo Metallica, cuando era aguerrido, utilizó metraje de este film en el video clip de su canción "one".
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Hermano sol, hermana luna (1972) Franco Zeffirelli. Francisco de Asís, un iluminado disidente del corrompido catolicismo capitalista dominante en su época, fundó con gran alegría de vivir y basándose en el voto de pobreza (toda una herejía) la orden franciscana. Zeffirelli muestra de manera gozosa, con bondad y candor, el despertar de su fe y su actitud ante la vida. En el estreno la película se emparentaba con el movimiento hippy, y el film está recorrido de bellas melodías. Muchos dirán que un film amanerado, pero con algo alegre y vivo en su interior.
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Gritos y susurros (1972) Ingmar Bergman. Desgarrador drama magníficamente interpretado y fotografiado (el maestro Sven Nykvist) con memorables fundidos en rojo. Ahonda en los estertores, en la cercanía de la muerte, en el sufrimiento. Cruda, con latidos de agonía, pasión, muerte y susurros de vida.
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El diablo en la señorita Jones (1972) Gerard Damiano. La trilogía de oro del cine sexual está formada por Garganta profunda, que fue un fenómeno sociológico y es en el fondo una comedia; Tras la puerta verde, que supone una coreográfica performance casi reflexiva sobre el propio género, y El diablo en la señorita Jones, que tiene un cariz dramático y una atmósfera tan artística como lúdica. Damiano fue alabado con esta obra maestra del género como el Bergman del cine para adultos. La película es audaz e inolvidable, con uno de los principios más inauditos jamás rodados en una película. Además derribó de alguna manera la barrera entre film pornográfico y film artístico. Gerard Damiano, conviene recordarlo, ha pasado a la historia por ser el mejor director de cine para adultos de la mejor época del género, en la que había argumentos, humor... Quizá eran "los tiempos en que el aire era limpio y el sexo era sucio", como dijo Woody Allen.
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Aguirre, la cólera de dios (1973) Werner Herzog. Un clásico para la historia del cine, impregnado de un fascinante magnetismo y un aura de irrealidad sobrecogedor. Un hito del cine, con una atmósfera inolvidable. Con una interpretación de Klaus Kinski memorable, casi se puede decir que esta película tiene vida propia. Junto a la joya escondida de la filmografía de Herzog, Corazón de cristal, sin duda su obra maestra.
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El honor perdido de Katharina Blum (1975) Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta, adapta la obra homónima del nobel de literatura Heinrich Böll denunciando tanto prácticas policiales inmorales como despiadadas artimañas del periodismo sensacionalista (especialmente el Bild alemán) quizá sin sacarle todo el partido posible pero en cualquier caso muestra sin velos prácticas vergonzosas y cuestiona en qué se puede convertir la libertad de prensa. Una reflexión que sigue vigente en estos días, y lamentablemente seguirá vigente en el futuro.
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Corazón de cristal (1975) de Werner Herzog. Es una película con un aroma especial. Destila esencias raras y a menudo enigmáticas y preciosas. Cautiva, embelesa, perturba, conmueve, inquieta, deja un poso sutil en el alma.
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::: el viaje a la felicidad de mamá Kuster / mutter Küster fahrt zum himmel, de R.W. Fassbinder (1975)
Las películas de Fassbinder, a menudo dramáticas, a veces muy amargas, críticas y en el mejor sentido de la palabra a menudo melodramáticas, con frecuencia fueron polémicas porque abordaron asuntos y rincones oscuros y espinosos, tanto del ser humano como de la sociedad. En este amargo viaje, no a la felicidad, que el título es engañoso, Fassbinder retrata con lucidez la manipulación mediática de un suceso por la prensa sensacionalista y por ciertos grupos políticos, y también reflexiona en cierto modo sobre hasta qué punto las relaciones personales pueden ser duraderas, y aparentemente cercanas, pero en el fondo convencionales y poco profundas, o menos de lo que suponemos. Con un final cinematográficamente quizá rebelde, o quizá no, no deja lugar al iluso optimismo de confiar a corazón abierto en alguien en los momentos de adversidad porque la maldad, el arribismo, el oportunismo y el hacer leña del árbol caído, como la manipulación y la maldad, existen, y Fassbinder simplemente lo muestra. Por tanto lo lógico es que el viaje de mamá Kuster sea hacia una verdad más grande y dolorosa, y que el final sea, en vez de feliz, más bien realista. Sin embargo esta autenticidad en la manera de tratar la condición humana, lejos de idealizaciones e ilusiones de cuentos de hadas, en mi opinión hacen de esta película (y de gran parte de la obra del autor) vigente por lo que nos muestra del propio ser humano. A fin de cuentas Fassbinder no es pesimista pues muestra la inocencia, la bondad humana, y también la maldad humana. Su conclusión puede parecernos desencantada, pero seamos realistas, a decir verdades desagradables se le llama pesimismo. Y quizá el optimismo sea considerar que mostrar lo pésimo de la realidad es un medio de no caer en sus garras. Y esto creo que es constante en la obra de Fassbinder, una obra llena de advertencias para ingenuos, para quienes creen que el mundo es mejor de lo que es.
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Barry Lyndon (1975) de Kubrick, refleja su maniático perfeccionismo en un film algo esteticista y de duración exagerada, pero hay que reconocerle una ambientación musical exquisita y un empeño visual innegable, aunque prefiero al Kubrick de Atraco perfecto y Senderos de gloria.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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Bilbao (1978) de Bigas Luna es una película obsesiva y sucia pero magnética. Probablemente la mejor obra de su autor. Fascinante.
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Nosferatu (1978) de Werner Herzog es una personal adaptación de los relatos sobre vampiros y el conde Drácula, visualmente fascinante por momentos, con Klaus Kinski e Isabelle Adjani. Su atmósfera, alejadísima de la creada por Murnau en su obra maestra, sin embargo resulta muy sugerente y también aterradora.
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Barbara Broadcast (1978) de Henry Paris es una de las más increíbles películas del cine para adultos, sexual, hardcore o pornográfico, como se le quiera llamar. A un guión inspirado en una "fantasía real" se suman una ambientación que llega a la exquisitez en un desarrollo que aunque decae a la mitad del metraje se inicia con una portentosa y arrebatadora entrada en la que la música de Strauss cobra una nueva dimensión. Le falta muy poco para ser una obra maestra del género, aunque sin duda es una película muy especial, en la que el director probablemente dio lo mejor de sí mismo (al igual que el reparto). Quizá, en cierto modo, la película más sexual de la historia del género, y una de las que más elegancia desborda, al igual que un delicado halo romántico a la vez que un desenfado lúdico verdaderamente impagable. Paradójicamente, es una película que, y esto es poco frecuente en una película explícita, muestra lo justo, es decir que deja aún espacio para la fantasía y la imaginación... Una joya, un manjar delicioso.
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black jack (1979) de Ken Loach, es una película de aventuras ambientada en el XVIII, que además de ser una rareza entre el cine del inglés, se convierte en un viaje sorprendente que se disfruta con agrado.el hombre del carrito, de Hiroshi Inagaki, cuenta con el inolvidable Mifune en una historia entrañable que pudo tener un final más feliz o con menos sentido de culpa.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Arrebato (1979) de Iván Zulueta. Es una película española que de ser americana sería considerada una obra maestra del cine mundial, y un film de culto a la altura del mejor Lynch por ejemplo. Su historia es fascinante, arrebatadora, y conjuga elementos de vampirismo, drogadicción y cinefilia. Inolvidable, una experiencia única.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1970-1979
Tristana // = (1970) Luis Buñuel
Harry el sucio // Dirty Harry (1971) Don Siegel
El diablo sobre ruedas // Duel (1971) Steven Spielberg
Vida familiar // Family life (1971) Ken Loach
Todo va bien // Tout va bien (1972) Jean-Luc Godard
La huella // Sleuth (1972) Joseph L. Mankievick
El último tango en París // Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci
El discreto encanto de la burguesía // Le charme discret de la bourgeoisie (1972) Luis Buñuel
El fantasma de la libertad // Le fantôme de la liberté (1973) Luis Buñuel
Amarcord // = (1973) Federico Fellini
El espíritu de la colmena // = (1973) Víctor Erice
Tamaño natural // Grandeur nature (1973) Luis G. Berlanga
Primera plana // The front page (1974) Billy Wilder
Dersu uzala // = (1975) Akira Kurosawa
Annie Hall // = (1977) Woody Allen
Los duelistas // The duellits (1977) Ridley Scott
Fedora // = (1978) Billy Wilder
Manhattan // = (1979) Woody Allen
Bilbao // = (1979) Bigas Luna
Arrebato // = (1979) Iván Zulueta
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películas 1980-89
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El hombre elefante (1980) David Lynch. Realizada con un admirable sabor clásico y un tono equilibrado, sobrio, cuenta la inolvidable historia de un alma bella encerrada en un cuerpo deforme. Magníficamente fotografiada e interpretada es de las mejores películas de David Lynch, quien homenajea al principio al gran clásico La parada de los monstruos.
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Recuerdos de una estrella (1980) Woody Allen es una comedia nostálgica pero también algo existencialista en la que intervienen actrices soberbias, y como es habitual deja un buen sabor de boca
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Ragtime (1981) de Milos Forman. Quizá es de las mejores películas de su director, no he podido verlas todas, pero se trata de un trabajo digno con momentos muy logrados, una historia que engancha y que va creciendo, y que como es natural no desvelaré.
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Sin sol (1982) Chris Marker. Tras colaborar con Resnais en varios documentales y dejar un clásico "foto-relato" para la historia titulado La jetée, Marker siguió indagando y experimentando con la narrativa cinematográfica y veinte años después filmó, en Japón, este clásico del documental.. Aunque la categoría de documental parece pequeña y extraña para un cineasta de la personalidad y originalidad de Chris Marker. En realidad más bien se trata de un ensayo poético...
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Fanny y Alexander (1982) Ingmar Bergman. La alegría, el desgarro, la sensualidad, el silencio de Dios, la muerte, los conflictos y abismos del corazón humano fueron los barros que el gran alfarero Ingmar Bergman coció a fuego lento durante décadas en su filmografía, que casi concluyó y se amalgamó en esta magnífica película: historia de alegría, muerte, opresión y refugio creador de la imaginación, rincón de magia que nos pertenece y no pueden arrebatarnos. Vigorosa, desgarradora, vitalista, esta película es una mágica luz que atraviesa los nubarrones.
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Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1982) Nagisa Oshima. Una historia muy particular entre militares japoneses y sus prisioneros ingleses, también militares. Con interpretaciones de los músicos David Bowie y Ryuchi Sakamoto, y del director Takeshi Kitano, flotan en esta película, con la franqueza cruda y lírica de Oshima, el sentido del honor, la lealtad, la amistad e incluso algo más allá de la amistad entre hombres... Una película que sin duda era para el transgresor director de la paradójicamente púdica "El imperio de los sentidos".
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fitzcarraldo (1983) de Werner Herzog, cuenta la odisea de un hombre apasionado por la construcción de una ópera enmedio de la selva amazónica. Y un soñador está casi siempre entre lo sublime, lo ridículo y la locura, pero los soñadores se atreven a lo que otros ni siquiera creen posible.
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La rosa púrpura del Cairo (1985) Woody Allen. Teniendo en cuenta que es de las mejores películas de su director, sobresaliendo en una filmografía que destaca por un puñado de películas entre magníficas y directamente obras maestras, quizá no haya que decir mucho más, pero voy añadir que además es una película muy especial para cualquier amante del cine, en cierto modo imprescindible. Es divertida, conmovoderora, inolvidable... Una joya.
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La misa ha terminado (1985) Nanni Moretti. Si a Moretti se le considera una especie de Allen italiano, es por películas como ésta, en la que aborda con inteligencia y humor, además de una rebeldía vitalista, multitud de cuestiones. El resultado es magnífico y revela a un autor consolidado y con cosas valiosas que aportar al mundo del cine, y a la vida.
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Sacrificio (1986) Andrei Tarkovski. Esta película verdaderamente logra "esculpir el tiempo" como defiende el libro del autor ruso. Esta película logra incluso atravesar el tiempo en el reflejo de un cristal o la simetría profunda de un espejo. Desborda las capacidades expresivas de la palabra, muestra la semilla poética y única con la que el mejor cine, como el auténtico arte, fortalece el alma, se adentra en ella. Hay películas que rebasan, que trascienden, la categoría de obra maestra para constituirse en algo indefinible pero vivido sin lo cual la vida carecería de sentido, algo que da sentido a la existencia del ser humano. Esta obra, de vida más que de arte, se ha publicado en una cuidada edición que incluye varios documentales, magníficos, sobre Tarkovski, la escenografía, el maestro de la luz Sven Nykvist, un libreto sobre la obra y el autor... Un collar de perlas alrededor de un diamante.
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Bajo el peso de la ley (1986) Jim Jarmusch. Un film rodado en un ambiente de compañerismo que refleja la particular mirada de Jarmusch sobre el género carcelario, con la originalidad y sentido del humor que hacen de sus mejores obras algo muy especial.
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El rayo verde (1986) de Eric Rohmer. Es una película-milagro, inolvidable y mágica, sencilla, pero que deja un poso muy agradable en nuestro interior.
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La pasión de Beatrice (1987) de Tavernier, desarrolla el lado violento, amargo y doloroso de la pasión reflejando con crudeza una historia desgarradora, en una de las películas que quizá retratan mejor la edad media.
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El festín de Babette (1987) Gabriel Axel. Es un delicioso manjar basado en el relato de Isak Dinesen. Abre el apetito e incluso el corazón.
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Bagdad café (1987) Percy Adlon. Una película que tiene un regusto especial, que deja un agradable sabor de boca, y habla de la bondad y la magia de la vida
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Voces distantes (1988) de Terence Davies. Es una película particular, hilvanada a partir de canciones populares, con recuerdos a menudo dramáticos. Entre nostálgica y desgarradora por momentos.
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Nicky, la aprendiz de bruja (1989) Hayao Miyazaki. Un film de animación del maestro nipón, es una película entretenida, divertida, y con la ternura, magia, encanto y bondad de sus mejores trabajos. Puede que no sea su obra maestra, pero es digna y tiene chispa.
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Mystery train (1989) de Jim Jarmusch es una película especial, llena del talento y la sensibilidad que hacen del cine de Jarmusch algo valioso.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1980-1989
Aquí un amigo // Buddy Buddy (1981) Billy Wilder
Blade Runner // = (1982) Ridley Scott
Volver a empezar // = (1982) José Luis Garci
El sur // = (1983) Víctor Erice
Paris, Texas // = (1984) Wim Wenders
Extraños en el paraíso // Stranger than paradise (1984) Jim Jarmusch
Terciopelo azul // Blue velvet (1986) David Lynch
Hannah y sus hermanas // Hannah and her sisters (1986) Woody Allen
¿Dónde está la casa de mi amigo? // Khaneh-ye dust kojast? (1987) Abbas Kiarostami
Bird //= (1988) Clint Eastwood
Mujeres al borde de un ataque de nervios // = (1988) Pedro Almodóvar
El sueño del mono loco // = (1989) Fernando Trueba
Mistery train // = (1989) Jim Jarmusch
Violent cop //Sono otoko, kyobo ni tsuki (1989) Takeshi Kitano
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El hombre elefante (1980) David Lynch. Realizada con un admirable sabor clásico y un tono equilibrado, sobrio, cuenta la inolvidable historia de un alma bella encerrada en un cuerpo deforme. Magníficamente fotografiada e interpretada es de las mejores películas de David Lynch, quien homenajea al principio al gran clásico La parada de los monstruos.
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Recuerdos de una estrella (1980) Woody Allen es una comedia nostálgica pero también algo existencialista en la que intervienen actrices soberbias, y como es habitual deja un buen sabor de boca
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Ragtime (1981) de Milos Forman. Quizá es de las mejores películas de su director, no he podido verlas todas, pero se trata de un trabajo digno con momentos muy logrados, una historia que engancha y que va creciendo, y que como es natural no desvelaré.
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Sin sol (1982) Chris Marker. Tras colaborar con Resnais en varios documentales y dejar un clásico "foto-relato" para la historia titulado La jetée, Marker siguió indagando y experimentando con la narrativa cinematográfica y veinte años después filmó, en Japón, este clásico del documental.. Aunque la categoría de documental parece pequeña y extraña para un cineasta de la personalidad y originalidad de Chris Marker. En realidad más bien se trata de un ensayo poético...
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Fanny y Alexander (1982) Ingmar Bergman. La alegría, el desgarro, la sensualidad, el silencio de Dios, la muerte, los conflictos y abismos del corazón humano fueron los barros que el gran alfarero Ingmar Bergman coció a fuego lento durante décadas en su filmografía, que casi concluyó y se amalgamó en esta magnífica película: historia de alegría, muerte, opresión y refugio creador de la imaginación, rincón de magia que nos pertenece y no pueden arrebatarnos. Vigorosa, desgarradora, vitalista, esta película es una mágica luz que atraviesa los nubarrones.
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Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1982) Nagisa Oshima. Una historia muy particular entre militares japoneses y sus prisioneros ingleses, también militares. Con interpretaciones de los músicos David Bowie y Ryuchi Sakamoto, y del director Takeshi Kitano, flotan en esta película, con la franqueza cruda y lírica de Oshima, el sentido del honor, la lealtad, la amistad e incluso algo más allá de la amistad entre hombres... Una película que sin duda era para el transgresor director de la paradójicamente púdica "El imperio de los sentidos".
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fitzcarraldo (1983) de Werner Herzog, cuenta la odisea de un hombre apasionado por la construcción de una ópera enmedio de la selva amazónica. Y un soñador está casi siempre entre lo sublime, lo ridículo y la locura, pero los soñadores se atreven a lo que otros ni siquiera creen posible.
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La rosa púrpura del Cairo (1985) Woody Allen. Teniendo en cuenta que es de las mejores películas de su director, sobresaliendo en una filmografía que destaca por un puñado de películas entre magníficas y directamente obras maestras, quizá no haya que decir mucho más, pero voy añadir que además es una película muy especial para cualquier amante del cine, en cierto modo imprescindible. Es divertida, conmovoderora, inolvidable... Una joya.
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La misa ha terminado (1985) Nanni Moretti. Si a Moretti se le considera una especie de Allen italiano, es por películas como ésta, en la que aborda con inteligencia y humor, además de una rebeldía vitalista, multitud de cuestiones. El resultado es magnífico y revela a un autor consolidado y con cosas valiosas que aportar al mundo del cine, y a la vida.
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Sacrificio (1986) Andrei Tarkovski. Esta película verdaderamente logra "esculpir el tiempo" como defiende el libro del autor ruso. Esta película logra incluso atravesar el tiempo en el reflejo de un cristal o la simetría profunda de un espejo. Desborda las capacidades expresivas de la palabra, muestra la semilla poética y única con la que el mejor cine, como el auténtico arte, fortalece el alma, se adentra en ella. Hay películas que rebasan, que trascienden, la categoría de obra maestra para constituirse en algo indefinible pero vivido sin lo cual la vida carecería de sentido, algo que da sentido a la existencia del ser humano. Esta obra, de vida más que de arte, se ha publicado en una cuidada edición que incluye varios documentales, magníficos, sobre Tarkovski, la escenografía, el maestro de la luz Sven Nykvist, un libreto sobre la obra y el autor... Un collar de perlas alrededor de un diamante.
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Bajo el peso de la ley (1986) Jim Jarmusch. Un film rodado en un ambiente de compañerismo que refleja la particular mirada de Jarmusch sobre el género carcelario, con la originalidad y sentido del humor que hacen de sus mejores obras algo muy especial.
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El rayo verde (1986) de Eric Rohmer. Es una película-milagro, inolvidable y mágica, sencilla, pero que deja un poso muy agradable en nuestro interior.
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La pasión de Beatrice (1987) de Tavernier, desarrolla el lado violento, amargo y doloroso de la pasión reflejando con crudeza una historia desgarradora, en una de las películas que quizá retratan mejor la edad media.
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El festín de Babette (1987) Gabriel Axel. Es un delicioso manjar basado en el relato de Isak Dinesen. Abre el apetito e incluso el corazón.
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Bagdad café (1987) Percy Adlon. Una película que tiene un regusto especial, que deja un agradable sabor de boca, y habla de la bondad y la magia de la vida
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Voces distantes (1988) de Terence Davies. Es una película particular, hilvanada a partir de canciones populares, con recuerdos a menudo dramáticos. Entre nostálgica y desgarradora por momentos.
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Nicky, la aprendiz de bruja (1989) Hayao Miyazaki. Un film de animación del maestro nipón, es una película entretenida, divertida, y con la ternura, magia, encanto y bondad de sus mejores trabajos. Puede que no sea su obra maestra, pero es digna y tiene chispa.
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Mystery train (1989) de Jim Jarmusch es una película especial, llena del talento y la sensibilidad que hacen del cine de Jarmusch algo valioso.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1980-1989
Aquí un amigo // Buddy Buddy (1981) Billy Wilder
Blade Runner // = (1982) Ridley Scott
Volver a empezar // = (1982) José Luis Garci
El sur // = (1983) Víctor Erice
Paris, Texas // = (1984) Wim Wenders
Extraños en el paraíso // Stranger than paradise (1984) Jim Jarmusch
Terciopelo azul // Blue velvet (1986) David Lynch
Hannah y sus hermanas // Hannah and her sisters (1986) Woody Allen
¿Dónde está la casa de mi amigo? // Khaneh-ye dust kojast? (1987) Abbas Kiarostami
Bird //= (1988) Clint Eastwood
Mujeres al borde de un ataque de nervios // = (1988) Pedro Almodóvar
El sueño del mono loco // = (1989) Fernando Trueba
Mistery train // = (1989) Jim Jarmusch
Violent cop //Sono otoko, kyobo ni tsuki (1989) Takeshi Kitano
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películas 1990-99
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La chica de la fábrica de cerillas (1990) Aki Kaurismaki. Esta magnífica película, aunque breve es inmensa, aunque parca en palabras habla por los cuatro costados, a manos llenas. Kaurismaki en estado de gracia y en plena posesión de su maestría cinematográfica en la que seguramente es su mejor película.
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Twin peaks (1990-1) VV.AA., creada por David Lynch y Mark Frost. El aura misteriosa que envuelve esta serie es mítico, aunque pudo haber dado más de sí (los extras aclaran algunas cosas) en mejores condiciones. La originalidad del planteamiento y la mezcla de calidez cotidiana e inquietante maldad resultó creativa e innovadora, abrió caminos al medio televisivo. La segunda temporada es bastante floja, y el precio de la colección no es barato, sin embargo los episodios dirigidos por el propio David Lynch, la música inolvidable de Angelo Badalamenti y el alma que late en sus mejores momentos (incluído su particular humor) la hacen todavía adictiva y fascinante.
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::: La bella mentirosa / la belle noiseuse, de Jacques Rivette (1991)
He tenido la ocasión de ver Vete a saber (2001) de Jacques Rivette (superviviente de la nouvelle vague), que es una comedia con toques pirandellianos. Tras verla he recordado con agrado La bella mentirosa, que tanto me impresionó por varios motivos. A las interpretaciones de Michel Piccoli y Emmanuelle Béart se unía una audaz confianza en la imagen y el sonido, sin recurrir a la música (que tantas contribuciones maravillosas ha hecho al cine) y un ritmo pausado con una gran atención a los detalles y matices. La bella mentirosa, hay que aclararlo, tiene una versión extensa de 240 m. y otra, subtitulada "divertimento", de 120 m, que fue la que logré ver. Aunque el cine es una de mis pasiones también soy de la opinión que pocas películas se hacen cortas durando tanto tiempo, y desconozco si la versión íntegra es excesiva o aún más intensa, pero al beneficio de la duda se añade el buen sabor de boca que me dejó el divertimento. Una duda que me gustaría despejar, aunque no se trataba de una comedia sino de una indagación en los a veces tortuosos caminos de la creación y las relaciones que se establecen entre un pintor casado y una modelo.
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a scene at the sea (1991) de Takeshi Kitano, es una película minimalista, llena de sonoros silencios, serenidad, complicidad, ternura y emoción, además del personal humor de Kitano. No creo que una imagen valga más que mil palabras pero esta película agridulce, como la salsa y la vida, parece sugerir que a veces basta con la mirada.
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El aceite de la vida (1992) George Miller. Esta película es un canto a la lucha, la esperanza, el coraje, el inconformismo, la fe en la vida y la perseverancia. A través del caso verídico de unos padres que no se resignaron a perder su hijo sin hacer por él todo lo humanamente posible, asistimos a lo más noble que late en el espíritu humano, y a las habituales dificultades que encuentra la vitalidad a su paso, la inercia, la resignación, la incredulidad, los egos perezosos y cobardes... pero la salvación del espíritu humano está en no dejar de serlo. Imprescindible para seres humanos.
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Un mundo perfecto (1993) de Clint Eastwood. Es un drama psicológico-rural con la figura del padre muy presente, muy bien llevado por Eastwood, un tipo duro cuando quiere y un director impresionante, clásico y maduro en el mejor sentido de la palabra.
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Una historia del Bronx (1993) de Robert de Niro, es una película digna, bien llevada, en la que de Niro demuestra manejarse bien tras la cámara, narrando con agilidad la historia de un chico que presencia un delito... y cuyo padre afirma algo que siempre he creído, que nada es más triste que el talento desaprovechado. Está bien interpretada y de Niro muy bien autodirigido. Buen cine.
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El cartero (y Pablo Neruda) (1994) de Radford, es una historia dulce y combativa, entre el romanticismo del amor, a las mujeres en este caso, y el amor a la justicia y los ideales, en este caso comunistas, y tiene momentos muy bellos y emotivos, siendo uno de esos casos no tan frecuentes en los que una buena película se hace un hueco considerable en las taquillas, menos mal, porque es una película que aporta cosas buenas a este mundo no tan bueno...
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Entrevista con el vampiro (1994) de Neil Jordan es una película que a pesar de no ser redonda sí trae algo nuevo al género vampírico. Tiene momentos logrados, y mucha sangre...
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A través de los olivos (1994) Abbas Kiarostami. Es una obra magistral, con una belleza muy especial y un estilo propio que entremezcla cierto registro neorrealista, documental y cine a medio hacer que debe completar el espectador.
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Underground (1995) Emir Kusturica. Muy personal, y al tiempo universal historia, que Kusturica sirve con su estilo de una arrolladora imaginería visual y desenfrenada vitalidad.
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Amsterdam global village (1996) de Johan van der Keuken, es un fresco impresionante y conmovedor sobre la multicultural Amsterdam rodada por el fenomenal documentalista, y en la edición en doble dvd se incluyen varios documentales, sobre su trabajo, una entrevista... Aunque el documental dura cerca de 4 horas, vale mucho la pena, está lleno de poesía, de amor por la vida y de saber hacer cinematográfico. Un hallazgo.
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Madre e hijo (1997) de Sokurov, es una película muy especial, un desafío a la perspectiva, una historia arrebatadora y una manera poética y llena de referentes pictóricos que forman un film único, lleno de audacia estética y profundamente espiritual y sereno, en un tránsito lúcido entre la vida, el sueño y la muerte. Exige la misma calma que en realidad respira, y da momentos de los más profundos que el cine ha creado. Quizá difícil de ver por su particular universo estético pero imposible de olvidar. Probablemente la obra maestra de un genio.(amplio comentario en http://elcinecomoexcusa.blogspot.com/search/label/CINE%20RUSO http://www.elcinecomoexcusa.blogspot.com)/
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La manzana (1997) por Samira Makhmalbaf, esta magnífica película iraní está llena de vida liberada, de barrotes cortados, siendo finalmente una obra universal y muy profunda que parte de un caso real narrado con un estilo a la par documental y metafórico que expresa una profunda alegría de vivir. Cine y vida con letras mayúsculas.
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Memoria y deseo (1997) Niki Caro. Bien interpretada y dirigida con habilidad y frescura es un título más que digno que relata una historia de amor que el mar no lleva a buen puerto sino que hace naufragar de la forma más dolorosa posible. Una película que muestra las delicadas, deliciosas, pero también dolorosas y desesperadas texturas de la pasión amorosa.
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::: el silencio / le silence, de moshen makhmalbaf (1998) Esta maravillosa película iraní está llena de alegría de vivir, de amor por el detalle, de delicadeza y una dulce sensualidad a la que parece contradecir el título español, no sé si el original.La belleza del himno a la alegría de Beethoven hilvana un relato en el que un niño ciego va descubriendo los matices sutiles de la vida. Una magnífica celebración de vitalidad llena de poesía.
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American history X (1998) Toni Kaye. Aunque con altibajos, esta película aborda el nazismo, el racismo, la vulnerabilidad de la juventud y el callejón, a veces sin y a veces con, salida del odio. Aunque dramática deja abiertas las puertas de la esperanza, la comprensión, el arrepentimiento y el cambio y madurez interiores. Se trata de una película que sin idealismo pero sin pesimismo aborda con realismo una realidad espinosa. El título, que puede confundir a algún erotómano, en realidad impide la posibilidad de realizar un "sex remake". Ya sin bromas, una película que no bromea ni banaliza ni carga las tintas ni tira la toalla, por tanto una película valiosa.
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El tren de la vida (1998) Radu Mihaileanu. Esta magnífica muestra del ingenio y humor judío narra una historia vitalista y memorable durante la persecución nazi de los judíos (y los gitanos) durante la segunda guerra mundial. En pocas palabras: alegría de vivir.
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::: antz / hormigaz, de Eric Darnell y Tim Johnson (1998) Esta divertida y corrosiva cinta de animación tiene un fuerte trasfondo sociológico, político e incluso psicológico, profundamente individualista y revolucionario.Es un canto a la libertad personal y a la capacidad de decisión, y una radiografía profunda de comportamientos humanos con la hábil coartada argumental de que toda la acción se desarrolle en un hormiguero.Y todo este trasfondo ideológico y vitalista viene cubierto de un ritmo vivo y un tono alegre y divertido.Una joya para niños de todas la edades.
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Así reían (1998) Gianni Amelio. Una película de calibre que muestra una vez más el talento de su director, esta vez abordando las complicaciones de la inmigración interior y las complejidades de una relación entre hermanos.
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La fortuna de vivir (1999) Jean Becker. Una espléndida película que expresa la alegría de vivir, la felicidad de ser libre y la libertad de ser feliz, además del valor de la amistad y el valor del humor y la ternura. Por suerte aún hay quien tiene como fórmula magistral para la vida el "amor y humor". Una de esas películas que hacen más grande el corazón.
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::: todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar (1999) Agrado, uno de los entrañables personajes de la película, dice en un memorable arrebato de sinceridad y pasión que una persona es más auténtica cuanto más se parece a lo que sueña, y una película es más auténtica cuanto más logra lo que se propone. Y Todo sobre mi madre creo que intenta varias cosas...Mostrar a personas, sobre todo mujeres, que sufren con dignidad, que sienten y ríen con naturalidad, a personas nada idealizadas pero de buen corazón. Creo que la película quiere hacernos sentir la conmovedora alegría pero también tristeza y desgarro de la vida, que la intensidad de la luminosa fotografía es un reflejo de la vitalidad de Almodóvar.Creo que el manchego, ya casi universal, quiere que vivamos, que riamos, que lloremos, que nos emocionemos, que sigamos a nuestro corazón, y que seamos un poco irreverentes.Y la película consigue todas estas cosas, con un guión que se entrelaza -como en cierto modo no podía ser de otra manera- con las pasiones a flor de piel de Un tranvía llamado deseo.Un film que se ve con mucho agrado, con actrices estupendas, no sólo Cecilia Roth, o Penélope Cruz, sino también Marisa Paredes, Candela Peña... Una película que justifica el invento del color en el cine.
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Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson. Una película magnífica que no decae a pesar de sus buenas tres horas de metraje lleno de buen saber cinematográfico, un guión muy logrado y unas interpretaciones intensas y emotivas.
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Mi enemigo íntimo (1999) de Werner Herzog. Es un documental en el que el director alemán habla de su relación con el actor Klaus Kinski, especializado en sólidos personajes violentos, patológicos, sádicos... El final es paradójico y sorprendente.
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hoy empieza todo (1999) de Bertrand Tavernier, es una magnífica película llena de vitalidad, ganas de enseñar, educar y ayudar a crecer, torpedeadas por injusticias políticas y sociales. Un film como una rosa, lleno de pétalos y espinas, vamos, como la vida misma. Justifica la existencia del cine y hace honor al merecido prestigio de su director.
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Rosetta (1999) de Jean-Pierre y Luc Dardenne, es una experiencia cinematográfica (y emocional) profunda e inolvidable, llena de intensidad dramática y vitalidad, en un trabajo honesto y lleno de corazón. Admirable, y justamente apreciada y valorada en Cannes.
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Kadosh (1999) Amos Gitai. Madura muestra y reflexión sobre las exigencias a las que algunas religiones intentan someter a las mujeres, con la enorme carga de injusticia e ignorancia que todo eso conlleva, además del dolor.
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El último harén (1999) Ferzan Ozpetek. En el femenino mundo del último harén turco la sensualidad, el placer y las riquezas materiales se enfrentaban a las bajezas morales, disputas y traiciones femeninas. ¡Muchas mujeres en poco espacio! Un relato evocador, clásico y nostálgico que recrea el auge y declive, con sensibilidad, de aquella fantasía masculina.
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Oriente es oriente (1999) Damien O'Donell. Magnífica película que con tono de comedia agridulce aborda los conflictos culturales y paternofiliales de una famila de padre pakistaní en la inglaterra de los 70. Equilibrada y admirable y con momentos irreverentemente divertidos, además de convulsos y dramáticos.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1990-1999
Alas de mariposa // = (1991) Juanma Bajo Ulloa
Vacas // = (1991) Julio Medem
La ardilla roja // = (1992) Julio Medem
...y la vida continúa // ...Va Zendegi Edameh Darad (1992) Abbas Kiariostami
Belle epoque // = (1992) Fernando Trueba
El sol del membrillo // = (1992) Víctor Erice
Reservoir dogs // = (1992) Quentin Tarantino
Cuento de invierno // Conte d’hiver (1992) Erich Rohmer
Más allá de las nubes // Al di lá delle nuvole (1994) Michaelangelo Antonioni y Wim Wenders
Lisboa Story // = (1994) Wim Wenders
Balas sobre Broadway // Bullets over Broadway (1994) Woody Allen
Pulp fiction // = (1994) Quentin Tarantino
Agárrate el pañuelo, Tatiana // Pidä Huivista Kiinni, Tatjana (1994) Aki Kaurismaki
Clerks // = (1994) Kevin Smith
A través de los olivos // Zir e darahktan e zeyton (1994) Abbas Kiarostami
Dead man // = (1995) Jim Jarmusch
Smoke // = (1995) Wayne Wang y Paul Auster
Tierra y libertad // Land and freedom (1995) Ken Loach
Tierra // = (1995) Julio Medem
La buena vida // = (1996) Fernando Trueba
Familia // = (1996) Fernando León de Aranoa
Rompiendo las olas // Breaking the wawes (1996) Lars Von Trier
Desmontando a Harry // Deconstructing Harry (1997) Woody Allen
El sabor de las cerezas // Ta’m e guilas (1997) Abbas Kiarostami
Jackie Brown // = (1997) Quentin Tarantino
Celebración // Festen (1998) Thomas Vinterberg
Los idiotas // Idioterne (1998) Lars Von Trier
Hanna-Bi(flores de fuego) // Hana-Bi (1998) Takeshi Kitano
Los amantes del círculo polar // = (1998) Julio Medem
El viento nos llevará // Baad Mara Khahad Bord (1999) Abbas Kiarostami
El verano de Kikujiro // Kikujirô no natsu (1999) Takeshi Kitano
Ghost dog: el camino del samurái // Ghost dog: the way of the samurai (1999) Jim Jarmusch
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La chica de la fábrica de cerillas (1990) Aki Kaurismaki. Esta magnífica película, aunque breve es inmensa, aunque parca en palabras habla por los cuatro costados, a manos llenas. Kaurismaki en estado de gracia y en plena posesión de su maestría cinematográfica en la que seguramente es su mejor película.
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Twin peaks (1990-1) VV.AA., creada por David Lynch y Mark Frost. El aura misteriosa que envuelve esta serie es mítico, aunque pudo haber dado más de sí (los extras aclaran algunas cosas) en mejores condiciones. La originalidad del planteamiento y la mezcla de calidez cotidiana e inquietante maldad resultó creativa e innovadora, abrió caminos al medio televisivo. La segunda temporada es bastante floja, y el precio de la colección no es barato, sin embargo los episodios dirigidos por el propio David Lynch, la música inolvidable de Angelo Badalamenti y el alma que late en sus mejores momentos (incluído su particular humor) la hacen todavía adictiva y fascinante.
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::: La bella mentirosa / la belle noiseuse, de Jacques Rivette (1991)
He tenido la ocasión de ver Vete a saber (2001) de Jacques Rivette (superviviente de la nouvelle vague), que es una comedia con toques pirandellianos. Tras verla he recordado con agrado La bella mentirosa, que tanto me impresionó por varios motivos. A las interpretaciones de Michel Piccoli y Emmanuelle Béart se unía una audaz confianza en la imagen y el sonido, sin recurrir a la música (que tantas contribuciones maravillosas ha hecho al cine) y un ritmo pausado con una gran atención a los detalles y matices. La bella mentirosa, hay que aclararlo, tiene una versión extensa de 240 m. y otra, subtitulada "divertimento", de 120 m, que fue la que logré ver. Aunque el cine es una de mis pasiones también soy de la opinión que pocas películas se hacen cortas durando tanto tiempo, y desconozco si la versión íntegra es excesiva o aún más intensa, pero al beneficio de la duda se añade el buen sabor de boca que me dejó el divertimento. Una duda que me gustaría despejar, aunque no se trataba de una comedia sino de una indagación en los a veces tortuosos caminos de la creación y las relaciones que se establecen entre un pintor casado y una modelo.
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a scene at the sea (1991) de Takeshi Kitano, es una película minimalista, llena de sonoros silencios, serenidad, complicidad, ternura y emoción, además del personal humor de Kitano. No creo que una imagen valga más que mil palabras pero esta película agridulce, como la salsa y la vida, parece sugerir que a veces basta con la mirada.
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El aceite de la vida (1992) George Miller. Esta película es un canto a la lucha, la esperanza, el coraje, el inconformismo, la fe en la vida y la perseverancia. A través del caso verídico de unos padres que no se resignaron a perder su hijo sin hacer por él todo lo humanamente posible, asistimos a lo más noble que late en el espíritu humano, y a las habituales dificultades que encuentra la vitalidad a su paso, la inercia, la resignación, la incredulidad, los egos perezosos y cobardes... pero la salvación del espíritu humano está en no dejar de serlo. Imprescindible para seres humanos.
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Un mundo perfecto (1993) de Clint Eastwood. Es un drama psicológico-rural con la figura del padre muy presente, muy bien llevado por Eastwood, un tipo duro cuando quiere y un director impresionante, clásico y maduro en el mejor sentido de la palabra.
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Una historia del Bronx (1993) de Robert de Niro, es una película digna, bien llevada, en la que de Niro demuestra manejarse bien tras la cámara, narrando con agilidad la historia de un chico que presencia un delito... y cuyo padre afirma algo que siempre he creído, que nada es más triste que el talento desaprovechado. Está bien interpretada y de Niro muy bien autodirigido. Buen cine.
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El cartero (y Pablo Neruda) (1994) de Radford, es una historia dulce y combativa, entre el romanticismo del amor, a las mujeres en este caso, y el amor a la justicia y los ideales, en este caso comunistas, y tiene momentos muy bellos y emotivos, siendo uno de esos casos no tan frecuentes en los que una buena película se hace un hueco considerable en las taquillas, menos mal, porque es una película que aporta cosas buenas a este mundo no tan bueno...
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Entrevista con el vampiro (1994) de Neil Jordan es una película que a pesar de no ser redonda sí trae algo nuevo al género vampírico. Tiene momentos logrados, y mucha sangre...
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A través de los olivos (1994) Abbas Kiarostami. Es una obra magistral, con una belleza muy especial y un estilo propio que entremezcla cierto registro neorrealista, documental y cine a medio hacer que debe completar el espectador.
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Underground (1995) Emir Kusturica. Muy personal, y al tiempo universal historia, que Kusturica sirve con su estilo de una arrolladora imaginería visual y desenfrenada vitalidad.
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Amsterdam global village (1996) de Johan van der Keuken, es un fresco impresionante y conmovedor sobre la multicultural Amsterdam rodada por el fenomenal documentalista, y en la edición en doble dvd se incluyen varios documentales, sobre su trabajo, una entrevista... Aunque el documental dura cerca de 4 horas, vale mucho la pena, está lleno de poesía, de amor por la vida y de saber hacer cinematográfico. Un hallazgo.
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Madre e hijo (1997) de Sokurov, es una película muy especial, un desafío a la perspectiva, una historia arrebatadora y una manera poética y llena de referentes pictóricos que forman un film único, lleno de audacia estética y profundamente espiritual y sereno, en un tránsito lúcido entre la vida, el sueño y la muerte. Exige la misma calma que en realidad respira, y da momentos de los más profundos que el cine ha creado. Quizá difícil de ver por su particular universo estético pero imposible de olvidar. Probablemente la obra maestra de un genio.(amplio comentario en http://elcinecomoexcusa.blogspot.com/search/label/CINE%20RUSO http://www.elcinecomoexcusa.blogspot.com)/
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La manzana (1997) por Samira Makhmalbaf, esta magnífica película iraní está llena de vida liberada, de barrotes cortados, siendo finalmente una obra universal y muy profunda que parte de un caso real narrado con un estilo a la par documental y metafórico que expresa una profunda alegría de vivir. Cine y vida con letras mayúsculas.
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Memoria y deseo (1997) Niki Caro. Bien interpretada y dirigida con habilidad y frescura es un título más que digno que relata una historia de amor que el mar no lleva a buen puerto sino que hace naufragar de la forma más dolorosa posible. Una película que muestra las delicadas, deliciosas, pero también dolorosas y desesperadas texturas de la pasión amorosa.
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::: el silencio / le silence, de moshen makhmalbaf (1998) Esta maravillosa película iraní está llena de alegría de vivir, de amor por el detalle, de delicadeza y una dulce sensualidad a la que parece contradecir el título español, no sé si el original.La belleza del himno a la alegría de Beethoven hilvana un relato en el que un niño ciego va descubriendo los matices sutiles de la vida. Una magnífica celebración de vitalidad llena de poesía.
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American history X (1998) Toni Kaye. Aunque con altibajos, esta película aborda el nazismo, el racismo, la vulnerabilidad de la juventud y el callejón, a veces sin y a veces con, salida del odio. Aunque dramática deja abiertas las puertas de la esperanza, la comprensión, el arrepentimiento y el cambio y madurez interiores. Se trata de una película que sin idealismo pero sin pesimismo aborda con realismo una realidad espinosa. El título, que puede confundir a algún erotómano, en realidad impide la posibilidad de realizar un "sex remake". Ya sin bromas, una película que no bromea ni banaliza ni carga las tintas ni tira la toalla, por tanto una película valiosa.
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El tren de la vida (1998) Radu Mihaileanu. Esta magnífica muestra del ingenio y humor judío narra una historia vitalista y memorable durante la persecución nazi de los judíos (y los gitanos) durante la segunda guerra mundial. En pocas palabras: alegría de vivir.
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::: antz / hormigaz, de Eric Darnell y Tim Johnson (1998) Esta divertida y corrosiva cinta de animación tiene un fuerte trasfondo sociológico, político e incluso psicológico, profundamente individualista y revolucionario.Es un canto a la libertad personal y a la capacidad de decisión, y una radiografía profunda de comportamientos humanos con la hábil coartada argumental de que toda la acción se desarrolle en un hormiguero.Y todo este trasfondo ideológico y vitalista viene cubierto de un ritmo vivo y un tono alegre y divertido.Una joya para niños de todas la edades.
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Así reían (1998) Gianni Amelio. Una película de calibre que muestra una vez más el talento de su director, esta vez abordando las complicaciones de la inmigración interior y las complejidades de una relación entre hermanos.
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La fortuna de vivir (1999) Jean Becker. Una espléndida película que expresa la alegría de vivir, la felicidad de ser libre y la libertad de ser feliz, además del valor de la amistad y el valor del humor y la ternura. Por suerte aún hay quien tiene como fórmula magistral para la vida el "amor y humor". Una de esas películas que hacen más grande el corazón.
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::: todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar (1999) Agrado, uno de los entrañables personajes de la película, dice en un memorable arrebato de sinceridad y pasión que una persona es más auténtica cuanto más se parece a lo que sueña, y una película es más auténtica cuanto más logra lo que se propone. Y Todo sobre mi madre creo que intenta varias cosas...Mostrar a personas, sobre todo mujeres, que sufren con dignidad, que sienten y ríen con naturalidad, a personas nada idealizadas pero de buen corazón. Creo que la película quiere hacernos sentir la conmovedora alegría pero también tristeza y desgarro de la vida, que la intensidad de la luminosa fotografía es un reflejo de la vitalidad de Almodóvar.Creo que el manchego, ya casi universal, quiere que vivamos, que riamos, que lloremos, que nos emocionemos, que sigamos a nuestro corazón, y que seamos un poco irreverentes.Y la película consigue todas estas cosas, con un guión que se entrelaza -como en cierto modo no podía ser de otra manera- con las pasiones a flor de piel de Un tranvía llamado deseo.Un film que se ve con mucho agrado, con actrices estupendas, no sólo Cecilia Roth, o Penélope Cruz, sino también Marisa Paredes, Candela Peña... Una película que justifica el invento del color en el cine.
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Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson. Una película magnífica que no decae a pesar de sus buenas tres horas de metraje lleno de buen saber cinematográfico, un guión muy logrado y unas interpretaciones intensas y emotivas.
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Mi enemigo íntimo (1999) de Werner Herzog. Es un documental en el que el director alemán habla de su relación con el actor Klaus Kinski, especializado en sólidos personajes violentos, patológicos, sádicos... El final es paradójico y sorprendente.
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hoy empieza todo (1999) de Bertrand Tavernier, es una magnífica película llena de vitalidad, ganas de enseñar, educar y ayudar a crecer, torpedeadas por injusticias políticas y sociales. Un film como una rosa, lleno de pétalos y espinas, vamos, como la vida misma. Justifica la existencia del cine y hace honor al merecido prestigio de su director.
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Rosetta (1999) de Jean-Pierre y Luc Dardenne, es una experiencia cinematográfica (y emocional) profunda e inolvidable, llena de intensidad dramática y vitalidad, en un trabajo honesto y lleno de corazón. Admirable, y justamente apreciada y valorada en Cannes.
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Kadosh (1999) Amos Gitai. Madura muestra y reflexión sobre las exigencias a las que algunas religiones intentan someter a las mujeres, con la enorme carga de injusticia e ignorancia que todo eso conlleva, además del dolor.
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El último harén (1999) Ferzan Ozpetek. En el femenino mundo del último harén turco la sensualidad, el placer y las riquezas materiales se enfrentaban a las bajezas morales, disputas y traiciones femeninas. ¡Muchas mujeres en poco espacio! Un relato evocador, clásico y nostálgico que recrea el auge y declive, con sensibilidad, de aquella fantasía masculina.
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Oriente es oriente (1999) Damien O'Donell. Magnífica película que con tono de comedia agridulce aborda los conflictos culturales y paternofiliales de una famila de padre pakistaní en la inglaterra de los 70. Equilibrada y admirable y con momentos irreverentemente divertidos, además de convulsos y dramáticos.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1990-1999
Alas de mariposa // = (1991) Juanma Bajo Ulloa
Vacas // = (1991) Julio Medem
La ardilla roja // = (1992) Julio Medem
...y la vida continúa // ...Va Zendegi Edameh Darad (1992) Abbas Kiariostami
Belle epoque // = (1992) Fernando Trueba
El sol del membrillo // = (1992) Víctor Erice
Reservoir dogs // = (1992) Quentin Tarantino
Cuento de invierno // Conte d’hiver (1992) Erich Rohmer
Más allá de las nubes // Al di lá delle nuvole (1994) Michaelangelo Antonioni y Wim Wenders
Lisboa Story // = (1994) Wim Wenders
Balas sobre Broadway // Bullets over Broadway (1994) Woody Allen
Pulp fiction // = (1994) Quentin Tarantino
Agárrate el pañuelo, Tatiana // Pidä Huivista Kiinni, Tatjana (1994) Aki Kaurismaki
Clerks // = (1994) Kevin Smith
A través de los olivos // Zir e darahktan e zeyton (1994) Abbas Kiarostami
Dead man // = (1995) Jim Jarmusch
Smoke // = (1995) Wayne Wang y Paul Auster
Tierra y libertad // Land and freedom (1995) Ken Loach
Tierra // = (1995) Julio Medem
La buena vida // = (1996) Fernando Trueba
Familia // = (1996) Fernando León de Aranoa
Rompiendo las olas // Breaking the wawes (1996) Lars Von Trier
Desmontando a Harry // Deconstructing Harry (1997) Woody Allen
El sabor de las cerezas // Ta’m e guilas (1997) Abbas Kiarostami
Jackie Brown // = (1997) Quentin Tarantino
Celebración // Festen (1998) Thomas Vinterberg
Los idiotas // Idioterne (1998) Lars Von Trier
Hanna-Bi(flores de fuego) // Hana-Bi (1998) Takeshi Kitano
Los amantes del círculo polar // = (1998) Julio Medem
El viento nos llevará // Baad Mara Khahad Bord (1999) Abbas Kiarostami
El verano de Kikujiro // Kikujirô no natsu (1999) Takeshi Kitano
Ghost dog: el camino del samurái // Ghost dog: the way of the samurai (1999) Jim Jarmusch
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películas 2000-
Los espigadores y la espigadora (2000) Agnès Varda. Esta magnífica película es una obra maestra del documental. Inolvidable, llena de ternura, reflexión y ventanas abiertas a mundos por lo general desconocidos pero llenos de vitalidad.
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Nueve reinas (2000) Fabian Bielinsky. Una de las más gratas sorpresas del cine sobre timadores en los últimos años. Una trama bien urdida y llevada, convincentemente interpretada. Pequeña joya con momentos magistrales.
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La viuda de Saint-Pierre (2000) de Patrice Leconte, es un conmovedor melodrama lleno de vitalidad e implacable fatalidad, muy bien interpretado por Juliette Binoche, Daniel Auteuil y el director Emir Kusturica. Maravillosa incluso en su fatalismo lleno de alegría de vivir es una película que se hace un hueco en el corazón y lo agranda.
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Gente con clase (2000) de Styles, es una desenfadada comedia de enredo entre gente bien inglesa, su servicio y el contraste hollywoodiense... Es entretenida y divertida, que no es poco.
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En tierra de nadie (2000) Danis Tanovic. Enfocar el absurdo de la guerra con humor fue la opción escogida por el director para afrontar un episodio de la guerra entre serbios y croatas. Quizá, recordando a William Blake, "el exceso de pena ríe", pero lógicamente la guerra no es un asunto de mucha risa precisamente y el final hiela la sangre.
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La habitación del hijo (2001) de Nanni Moretti, es un drama realmente conmovedor que (sin desvelar el argumento) presenta una de las situaciones más dolorosas a las que se puede enfrentar una familia, y las distintas maneras de afrontarlo, reflejando tanto la amargura como el hilo de esperanza (tras la aceptación de la nueva realidad) que, a pesar de las tragedias, podemos vivir. Es una película honesta que respira tanto dolor como ganas de vivir y de volver a vivir. Es muy emotiva pero también lo es la vida. Magnífica, con buenas interpretaciones, e inolvidable.
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ABC África (2001) Abbas Kiarostami. El gran director iraní se traslada a Uganda, en el corazón herido de África, para rodar este magnífico documental. En Uganda las guerras y las enfermedades, como el SIDA y la malaria, han dejado unos dos millones de niños huérfanos. Pero la vida continúa y mujeres de gran corazón se unen solidariamente y hacen cuentas y maravillas para paliar tan grave problema. El esfuerzo de estas mujeres llenas de vitalidad es admirable.
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Kandahar (2001) de Mohsen Makhmalbaf, es una película dura, como la realidad que retrata, pero con un aliento vitalista y cálido entre las grietas e injusticias de una sociedad inhumana
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Caminantes (2001) Fernando Leon de Aranoa. En este documental se reinvindica la causa indígena en México y se conversa con el subcomandante Marcos del EZLN, cuyo idealismo y don de la palabra son proverbiales. Magnífico altavoz para quienes pocos escuchan.
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Intacto (2001) Juan Carlos Fresnadillo. Es una película asombrosa, audaz e inquietante que parece la obra de un autor consagrado (y sin embargo es una ópera prima) cuenta con un guión original e intérpretes de renombre como Max Von Sydow y Eusebio Poncela. Cine español sin complejos, que puede mirar incluso por encima del hombro al cine contemporáneo de Hollywood.
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El pacto de los lobos (2001) Christophe Gans. Hay películas que sin ser redondas, aún con varios defectos, se alzan finalmente con cierta entidad, dignidad, originalidad y audacia, erigiéndose como obras apreciables ante las que uno se alegra de haber tenido un poco de paciencia para ver madurar la obra. Compensa incluso haber tenido cierta condescendencia, y finalmente se disfruta con admiración. Esta película, sin duda mejorable, tiene momentos magníficos y acaba siendo admirable. Pudo haber sido fantástica en todos los sentidos de la palabra, pero es una película de género fantástico con momentos verdaderamente fascinantes.
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Las aceras de Nueva York (2001) Edward Burns. Aportando autenticidad y altas dosis de humor agridulce esta estimable película aborda las relaciones personales que giran en torno al amor y el sexo. Con interpretaciones más que convincentes se adentra con una sonrisa lúcida y vitalista en estos caminos del corazón, a menudo tratados con gran banalidad o una excesiva grandilocuencia.
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Amen (2002) Costa-Gavras. El cine puede ser un pasatiempo, una expresión artística del talento humano, y también denunciar injusticias y opresiones, como es seña de identidad en el necesario cine de Costa-Gavras, que en este film muestra los cómplices silencios en las altas jeraquías católicas que consintieron las atrocidades de los campos de exterminio de judios durante el nazismo. Sobrecogedora y sin golpes de efecto hollywoodienses. Cine necesario y humano.
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El chico que conquistó Hollywood (2002) Brett Morgen y Nanette Burstein es un documental sobre el productor de "La semilla del diablo", "El padrino", "Chinatown"... que resulta nostálgico e interesante
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Primavera en un lugar pequeño (2002) Tian Zhuangzhuang. Es una bella película, impregnada de una brisa de sensibilidad y un aliento intenso que desborda emociones contenidas, casi incontenibles. Talento a raudales y una cadencia digna de elogio.
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Sang Woo y su abuela (2002) Lee Jung-Hyang. La convivencia entre un nieto malcriado y urbanita y su abuela sorda que vive en una aldea da pie a situaciones muy humanas, algunas tiernas y divertidas. Se trata de una película maravillosa, natural, sencilla y conmovedora.
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El hijo (2002) Jean-Pierre y Luc Dardenne. En una época de tanto cine articioso, efectista y banal, la irrupción y consagración de un cine que rezuma verdad y late al compás de la vida es una prueba de que el inextinguible fuego de la vitalidad siempre va pasando el relevo, su antorcha, de generación en generación. Y este cine es el que magistralmente, honestamente, conmovedoramente, despliegan los hermanos Dardenne, cuya longeva carrera en el registro documental y su vitalidad quedan patentes en cada obra profundamente humana que nos regalan. La existencia de su cine es un motivo para creer todavía en el poder expresivo, transformador y poético, en el sentido más vitalista y humano de la palabra, del cine. Esta película, magnífica, inolvidable, profunda y sobre todo maravillosamente humana, es un nuevo testimonio de que los Dardenne son la respiración pura y honda que el cine necesita. El cine y la vida. Una película admirable.
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Historias mínimas (2002) Carlos Sorín. Una película bien hecha que entrelaza tres historias sencillas ambientadas en la remota Patagonia. Cine esencial.
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Lejos del cielo (2002) Todd Haynes. Tras la apariencia de una familia modélica y con éxito están latentes cosas menos convencionales, vividas dolorosamente. Melodrama liberador y con trasfondo crítico y sociológico, bien interpretado y elegantemente presentado. Un regalo para el corazón.
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El gran gato (2002) de Ventura Pons, es un documental tributo a Gato Pérez, el músico argentino que revolucionó la rumba catalana. Incluye interpretaciones de sus canciones por artistas reconocidos y entrevistas entrañables a quienes tuvieron la oportunidad de conocerlo.
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Intervención divina (2002) Elia Suleiman. Esta magnífica comedia agridulce, más que una crónica de amor y dolor, es un lúcido, irónico, y por momentos acercamiento a lo Jacques Tati, del conflicto de Oriente Medio. Con un humor sarcástico pero también profundo, sutil y no por ello menos corrosivo, esta película confirma una vez más el aserto de Blake "el exceso de pena, ríe". El festival de Cannes carecería de sentido e interés si no premiara películas de la inteligencia y talento de ésta, que recibió el Premio del Jurado.
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Ten minutes older: the trumpet + Ten minutes older: the cello. (2002) VV.AA. Estas dos películas colectivas homenajean con su título al clásico del documental Ten minutes older de Herz Frank (1978) y constan de cortometrajes de 10 minutos de duración rodados por directores como Aki Kaurismaki, Víctor Erice (con su magistral "Alumbramiento"), Herzog, Jim Jarmush, Wenders, Bernardo Bertolucci, Jean-Luc Godard, Spike Lee, Volker Scholöndoff, Claire Dennis. Además del corto de Erice destacan los de Jarmusch y la actriz en su caravana, el de Lee relatando y denunciando las elecciones americanas, Bertolucci, con una perla, Dennis reflexionando sobre la integración de los extranjersos y Scholöndorff basándose en las reflexiones de San Agustin sobre el tiempo. Como todas las películas colectivas el doble recopilatorio es irregular pero diez minutos es tiempo suficiente para mostrar el talento y la poesía de Erice, Bertolucci...
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Ten (2002) Abbas Kiarostami. Audaz y radical apuesta minimalista que intenta capturar el pulso de la vida, avanzando, deteniéndose, reemprendiendo la marcha, como un coche en el tráfico de una gran ciudad. En las fronteras del video doméstico y el documental, rodado en formato digital, Kiarostami ha trazado un sendero personal más allá de los márgenes convencionales, de manera admirable.
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Whale rider (2002) Niki Caro. Maravillosa película que trasciende ancestrales costumbres de los maoríes neozelandeses para ser un vigoroso canto a la fe y a lo sagrado. Más humanista y mística que feminista (lo que no sería poco), de ahí su entidad poética y artística, respira sensibilidad, dignidad y vitalidad.
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Minority report (2002) Steven Spielberg. Desde la magnífica El diablo sobre ruedas, Spielberg ha ido encadenando multitud de éxitos taquilleros (que no cinematográficos) pero con esta película de ciencia ficción al fin entrega una obra fascinante que despliega brillantemente el talento que el director ha desaprovechado durante décadas. Un trabajo fantástico en todos los sentidos.
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en la ciudad (2003) de Cesc Gay, es la obra que consagró internacionalmente a Cesc Gay (premio de la juventud en Cannes) y no es para menos, pues resulta una obra lúcida, comedida pero no ciega ante la condición humana en la que a menudo abundan secretos, incapacidades de comunicación o infidelidades, mentiras... o relaciones fuera de lo corriente (maravillosa la naturalidad con la que se afronta la relación entre el profesor y la alumna) Un film en cierto modo inolvidable y a veces considerado pesimista por retratar a una humanidad poco sincera y comunicativa, pero por otra parte no muestra maldad (y también eso existe en el ser humano) por lo que quizá estamos ante una película más bien realista sobre gente normal y corriente en una ciudad moderna, en este caso Barcelona. Cesc Gay se va convirtiendo en un cineasta encomiable, a considerar, que hace de la contención todo un tratado de elocuencia y un breve manual de sociología contemporánea. Vida sin maquillar, como en su siguiente obra, la notable "Ficción"
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Gente de Roma (2003) Ettore Scola. Un maravilloso paseo por la ciudad de Roma a través de varias historias a menudo llenas de humor y de un gran respeto por la diferencia y la integración. Rodada en formato digital, como ya han hecho otros directores consolidados como Lucas, Lynch o Medem.
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Nostalgia del hogar (2003) Martin Scorsese. Magnífico documental sobre el blues que indaga en sus raíces, su relación con la música y el sentir africanos, y testimonia musicalmente a algunos de sus más importantes creadores.
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Piano blues (2003) Clint Eastwood. Un recorrido sentido y lleno de entusiasmo a través de conversaciones con algunos de los mejores pianistas del género e interpretaciones de archivo de sus principales talentos. Un buen documental de Eastwood, que ya mostró magistralmente su amor por el jazz en Bird, su aproximación biográfica al gran Charlie Parker.
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Cleopatra (2003) de Eduardo Mignona, es una comedia agridulce, digna y muy bien interpretada. Y aunque no sea una película redonda ni una obra maestra, lo anterior son virtudes.
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Spellbound, al pie de la letra (2003) Jeff Blitz. Documental sobre los célebres concursos de deletreo en EE.UU., en el que se muestra a ocho concursantes, sus motivaciones, métodos de aprendizaje, ilusiones, temores, esfuerzos, familias, aspiraciones... Aunque es muy emotivo, resulta triste que un sólo fallo ya elimine del concurso, afortunadamente la vida no siempre es tan severa, pero no hay que olvidar que allí la filosofía dominante es que el ganador se lo lleva todo y el resto son perdedores que se quedan sin nada. Por fortuna, lo que hayan aprendido preparando el concurso lo llevarán dentro, siendo un valioso bagaje cultural mientras vivan.
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Azumi (2003) Ryuhei Kitamura. Singular película de acción japonesa, adaptación de un manga. Con protagonismo femenino, el papel interpretado por Aya Ueto resulta de una increíble delicadeza, valentía, implacable con la espada pero noble y de buen corazón.
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Veinte años no es nada (2004) Joaquim Jordà. A finales de los 70 Jordà filmó la experiencia de autogestión de los trabajadores de la empresa Numax. Más de 20 años después el director filma este documental en el que se reencuentra con muchos de aquellos trabajadores de espíritu libre que creyeron que podrían cambiar el mundo. Evidentemente no cambiaron el mundo pero no dejaron que el mundo les cambiara, no lograron quizá sus sueños pero no se resignaron a la pesadilla capitalista, dijeron no a la explotación y emprendieron sus vidas con autenticidad, mucho más allá del suicidio de la resignación y de la "patología de la normalidad" de la que habló Erich Fromm. Por desgracia experiencias de tal capacidad de empatía, solidaridad y esperanza parecen casi utópicas en este mundo actual poseído por el individualismo a ultranza, pero quizá el cambio climático también nos cambie como personas, ¡ya sería hora!.
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::: ¡olvídate de mí! / eternal sunshine of the spotless mind, de Michel Gondry (2004)
Esta película tiene algo especial... es original, recoge en cierto modo la herencia del expresionismo actualizándolo con las modernas técnicas de efectos especiales... con esos ambientes que se van borrando y apagando como los sentimientos, los recuerdos... Son efectos especiales que sirven a la historia y no una historia al servicio de los efectos especiales... La historia es original, el guión que vertebra la película es audaz y fresco, y el resultado a veces maravilloso. El director tampoco se queda atrás y lleva la historia con agilidad y un cierto halo poético, pero también mordaz en ocasiones. Ah, es una de las historias más hábiles e interesantes sobre los altibajos en las relaciones personales, y la propia esquizofrenia, o confusión, de vivir.
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::: nadie sabe / daremo shiranai, de Hirozaku Kore-eda (2004)
Esta historia conmovedora narrada magníficamente expresa con mucha sensibilidad el desamparo, el abandono, la fragilidad y la vitalidad de unos niños. Dolorosamente basada en hechos reales, la película es a un tiempo delicada y pudorosa, y está sutilmente construida con elocuentes silencios y ausencias.Es un drama bastante desolador que, sin embargo, muestra que la esperanza de los desvalidos está en intentar valerse y en encontrar un poco de solidaridad, de ayuda.
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::: Born into brothels / Los niños del barrio rojo, de Ross Kauffman y Zana Briski (2004)
En el barrio rojo de Calcuta malviven unas 7000 prostitutas. Sus hijos llevan ese estigma, además de soportar la miseria material y moral. Las hijas con el tiempo acabarán ejerciendo como sus madres; los niños, embrutecidos. La fotógrafa Zana Briski les dió cámaras y les enseñó a hacer fotos con lo que despertó su innegable creatividad. Con la intención de conseguirles una educación que les permitiera salir de ese ambiente degradante, Zana organizó exposiciones con sus fotos para así recaudar fondos. El documental narra este despertar de los niños y refleja las miserias que atraviesan y el nefasto porvenir que tendrían si se quedaran en el barrio, donde la vida no es rosa. Hay fotos maravillosas que muestran la alegría, a pesar de todo, de los niños y como hasta en el peor rincón del mundo existen el aleteo del talento y la flor de la sonrisa. Aunque es desalentador bastante de lo que se ve y se intuye, el documental es un canto a la alegría y por eso me parece, no sólo digno y necesario, sino un maravilloso poema de amor, de amor a la vida.
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::: palindromos, de Todd Solondz (2004)
Esta película es particular, original y perturbadora. La historia deambula entre tonos rosados o muy negros, y es capaz de helar la sonrisa. Hay un humor demoledor en ocasiones y una original y audaz puesta en escena a través del personaje principal, protagonizado por varias actrices de varios físicos, edades y razas, mostrando la tesis de que la vida es un palíndromo (como el nombre de la protagonista, Aviva, que se lee igual desde el principio que desde el final) y en esencia no podemos cambiar. A pesar de la negrura y hasta sordidez que el director nunca se ahorra, hay apuntes interesantes y nada ligeros como el amor condenado, ilegal para la sociedad, entre la adolescente y el hombre, pues la sociedad siempre considera estas conductas desviadas aunque no siempre lo sean. Es una película polémica, claro, como lo son los asuntos que aborda. Aunque espinosa, es una película que tiene momentos divertidos y algunas rosas.
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María querida (2004) de José Luis García Sánchez es un tributo (con guión de Rafael Azcona) a la razón poética de la gran escritora, filósofa, intelectual... María Zambrano, y a aquella generación de la república que luchó por una España mejor hasta que la dictadura lo impidió. Imprescindible para el "hilo de oro del corazón" de este país.
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::: el castillo ambulante / hauru no ugoku shiro, de Hayao Miyazaki (2004)
La animación contemporánea y el cine en general están de enhorabuena otra vez con la maravillosa película del gran maestro Miyazaki.El castillo ambulante es una obra maestra, repleta de magia, originalidad, buenos sentimientos, ternura, alegría, sentido del humor y una realización técnica impresionante, en la que se logra una animación cálida e incluso aparentemente convencional usando novedosas técnicas por ordenador.Pero toda esta parte técnica es un simple ropaje con el que vestir un corazón de oro, unas manos repletas de generosos regalos, un alma plena que se derrama como una nube que riega amorosamente los campos.Verdaderamente uno se siente alegre de estar vivo para poder disfrutar, con los ojos de un niño, de una película tan maravillosa.
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::: entre copas / sideways, de Alexander Payne (2004)
La mezcla de lo vulgar y lo sublime, tan propia de la vida, queda bien reflejada en esta película agridulce que sin embargo no trasluce ni la desesperanza de quien ha abandonado la lucha ni el iluso e inconsciente optimismo de quien todo lo ve posible o maravilloso.Con un buen guión, y dirección, una fotografía cálida, y buenas interpretaciones, esta película narra el itinerario entre divertido y patético de un par de amigos. Uno es físico y primitivo, el otro es intelectual y refinado pero taciturno y depresivo, y escribe. El primero se casa en una semana y el segundo no ha superado su divorcio. A lo largo de la película, que no se hace larga, los amigos recorren una ruta vinícola entre viñedos, catas... se apoyan el uno al otro, se sienten perdidos, tienen sus más y sus menos con mujeres, en fin, esas pequeñas e importantes cosas que son parte de la vida... y que este film refleja con ternura y cierto romanticismo en ocasiones y otras sin edulcorar los dramas e inseguridades, pero también hay momentos muy divertidos...Es una buena película que invita a disfrutar de un buen vino, de la buena compañía, y de la vida.
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luna de avellaneda (2004) de Juan José Campanella, es una buena película basada en buenas y entrañables interpretaciones entre el drama, la comedia y algo de magia, llega al corazón y lo hace bailar de emoción.
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Ping pong mongol (2004) Ning Hao. Una historia que respira con sencillez en la estepa mongola, en la que una pelota de ping pong desencadena, el asombro y la curiosidad de unos niños.
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::: sueño de una noche de invierno / san zimske noci, de Goran Paskaljevic (2004)
Este drama es un trago fuerte, y no edulcorado que destila sin embargo humanidad desde las grietas de las almas golpeadas por la guerra de los Balcanes. La metáfora del autismo como expresión de una sociedad atenazada, estancada, está personificada en la niña, que quizá nos descubre algo sobre nuestra propia sociedad...La película es dramática pero soberbia y recorrida por la alegría de intentarlo y el valor de conocerse y reconocer las propias flaquezas. Ésta alegría aún en el corazón más golpeado por los desastres de la guerra, o de la vida, se muestra con espléndidas interpretaciones, por su serenidad, desgarro y fluidez, tanto en el drama como en la alegría de vivir que también refleja en algunos momentos esta magnífica película, realista, trágica, que muestras los desgüaces y la dureza, las amarguras, los márgenes, y que sin embargo deja un sabor agridulce en el corazón, y el alma quizá con un poco más de fe en el ser humano o al menos en lo que significa ser humano. Ser humano es intentar la alegría, aunque muchas alegrías no puedan ir más allá del sueño de una noche de invierno.
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las llaves de casa (2004) de Gianni Amelio, es una película magnífica que narra la historia entre un padre que al fin afronta su paternidad y su hijo, que tiene serios problemas de salud. Sin negar la dificultad, el dolor y el drama, muestra también instantes de la maravillosa alegría juguetona de la vida. Un viaje en el que, a pesar de las espinas, florecen los corazones.
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Millones (2004) de Boyle, es un film sorprendente, tanto si se conoce la etapa más cruda del director como si no, y se trata de una película fresca, viva, con instantes mágicos y llena de encanto... una película familiar que es un pequeño y alegre milagro
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A good woman (2004) de Barker, es una agradable película basada libremente en Wilde, y tiene por tanto algo de la elegancia, sofisticación e ingenio del genio británico. Aunque más de uno la verá porque aparece la siempre atractiva Scarlett Johansson.
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Match point (2005) por Woody Allen, es un drama magistral que reflexiona sobre la importancia de la suerte en la vida. Este pensamiento ya aparecía fugazmente en "Recuerdos de una estrella" pero aquí Allen lo vuelca con toda su maestría creando una obra memorable que plasma magnícamente la angustia y el drama del ser humano a merced del azar (en un universo sin sentido de la moralidad o la justicia) esa pelota que según cae en un lado u otro de la pista decanta la vida.
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El niño (2005) Jean-Pierre y Luc Dardenne. Admirable película que progresa al igual que el personaje principal. Rodada con vitalidad y corazón. Cine que emociona con honestidad.
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Buenas noches y buena suerte (2005) George Clooney. El periodismo honesto, responsable, crítico y riguroso siempre se ha enfrentado a quienes prefieren ocultar verdades y manipular impunemente a la sociedad. En esta película, basada en un caso real, se revela el poder del periodismo valiente y valioso, y también los límites y obstáculos industriales y sociales a los que se enfrenta.
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Brokeback mountain, en terreno vedado (2005) Ang Lee. Una película que se adentra en un territorio virgen (o al menos nunca antes abordado por una producción de envergadura) en el cine: el amor homosexual en el oeste. En el oeste casi contemporáneo, pero en el oeste, en ese territorio y esa manera de ser lacónica, parca, y tendente al machismo y la homofobia, en la que un amor así, tan excepcional, entra sin más en un terreno vedado. Se trata de una compleja y dolorosa historia de amor, esa fuerza que hace del mundo un lugar un poco mejor, y de las dificultades con las que se enfrenta, que entre homosexuales en el oeste, son todavía más. Una película que por fin aborda algo latente en otras películas del oeste, derribando espero ese rastro cuadriculado de la tiranía de cómo debe ser todo un hombre. Todo un hombre puede ser, entre otras cosas, homosexual y vaquero. Con muchas agallas, Ang Lee, ha cogido este toro por los cuernos y ha salido por la puerta grande.
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La casa de mi abuela (2005) Adán Aliaga es un magnífico documental premiado merecidamente en los festivales más importantes del género, en el que se muestra con ternura, poesía y buen gusto la relación de una abuela con su vieja casa... y su impulsiva nieta.
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El nuevo mundo (2005) de Terrence Malick, es una pequeña joya de un director apasionante con una filmografía maravillosa, llena de lirismo y belleza, conmovedora y profunda. Una película sobre el amor, las dificultades, las esperanzas y ansías de libertad de los colonos en el nuevo mundo, y de cómo la mayor gloria que se puede vivir en la vida es vivir un gran amor, y la mayor tontería dejarlo pasar buscando algo mayor, porque el amor, ya lo dijo la protagonista de "Gertrud" (de Dreyer) lo es todo, y desde luego es lo más importante que se puede vivir en la vida, quien no lo descubre o lo hace tarde, arruina su vida...
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El jardinero fiel (2005) de Fernando Meirelles. Es una película que en clave de thriller denuncia prácticas inmorales de ciertas estrategias comerciales en el sector farmaceútico. Alberto Iglesias fue nominado al óscar por la partitura musical. En mi opinión el cine tiene que ser algo más que un entretenimiento y abordar cuestiones sociales como lo hace esta película.
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::: man push cart (un café en cualquier esquina) de Ramin Bahrani, 2005
Man push cart (aquí traducida de aquella manera como Un café en cualquier esquina)Esta magnífica película, la segunda del director iraní, consigue transmitir una calidez, ternura, dignidad y vitalidad maravillosas con apenas unos sencillos elementos. La sencilla historia de un hombre que arrastra un carro con el que se gana la vida vendiendo cafés y donuts. Sus vivencias, su pasado más glorioso como cantante, su hijo al que casi no dejan ver, una chica española que vende periódicos, el cariño que siente por un gatito que encuentra abandonado...Me resulta difícil hacer una crítica digna de una película que me ha emocionado tanto. Quizá ésta, mi primera crítica, no haga justicia a esta espléndida película, que la FIPRESCI (federación internacional de la prensa cinematográfica) premió en el Festival de Londres.En fin, quería compartir esta humanidad y autenticidad que respira este film. El cine hace honor a su nombre con películas como Man push cart.
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Rosas rotas (2005) de Jarmusch, tiene la sonrisa tierna y la serenidad profunda de sus mejores películas, y es algo así como una road-movie emocional, con un buen reparto y buenas interpretaciones... y Jarmusch es de esos cineastas sin los que el cine no tendría razón de existir...
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Orgullo y prejuicio (2005) Joe Wright. Bella y alegre recreación del clásico de Jane Austen. Una delicia para corazones apasionados y románticos.
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Creature comforts (2005) Richard Goleszowski. Esta serie de animación ha sido recopilada en dvd. Lo original de estas animaciones es que se entrevista a gente corriente sobre un tema, y las respuestas se ponen después en la piel de animales, murciélagos, arañas, perros, vacas... con lo que resulta muy divertida. Es una obra de la prestigiosa productora Aardman.
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el viaje del emperador (2005) de Luc Jacquet, es un documental sobre el épico viaje del pingüino emperador. Un viaje que se repite desde tiempo inmemoriales, reflejado con imágenes llenas de ternura y las licencias de una banda sonora moderna y cierta interpretación en off, poniendo voz a los sentimientos de tan inocentes criaturas. En el doble dvd hay, además 200 minutos de extras interesantes.
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Shortbus (2006) John Cameron Mitchell. Una película que aborda la sexualidad de manera desenfadada, en realidad muy divertida, de manera lúdica pero no por ello superficial, a través de varias historias, a cada cual más impagable que la anterior, en un registro muy libre, con escenas de sexo real que no resultan (como suele ocurrir) aburridas, pedantes o pretenciosas. De los más fresco y vitalista que se ha rodado en los últimos años, por fin una película no se queda en medias tintas sin realizar sencillamente una película porno. Alguien tenía que hacer una película así.
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Red road (2006) Andrea Arnold. Una película inquietante que tantea sobre terrenos resbaladizos y alas heridas del corazón, que sin embargo puede remontar el vuelo. Forma parte de un proyecto ideado por Lars Von Trier: se crean unos personajes y después se realizan varias películas que deben contar con esos personajes.
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Big bang love, juvenile A (2006) Takashi Miike. Una historia troceada y cuidadosamente servida late en esta muestra muy personal del tema carcelario, que además de amplificar la violencia, seduce con una imaginería visual fascinante, incluso poética.
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::: la ciencia del sueño / la science des rêves, de michel gondry (2006)
Fascinante, imaginativa, encantadora... la ciencia cinematográfica de Michel Gondry es maravillosa, llena de audacia, divertida, irreverente, innovadora, dramática, irónica, romántica, tierna, ingeniosa... Llena de caos dulce, de besos en el azar... una explosión de ternura, de manos infantiles que juegan a descubrir y crear el mundo...Esta fascinante historia es la reciente (la última no, ¡por favor!) joya de Gondry.Una pequeña obra maestra, con un buen guión, con momentos verdaderamente mágicos, con una confianza valiente en las posibilidades, a menudo arrinconadas, del cine como medio poético y de expresión.Pocas películas indagan con tanta lucidez y habilidad en la vida y el sueño, en la confusión, el caos, la esquizofrenia y la dulzura de vivir. Aunque indagar es una palabra tan cerebral para una película hecha en plena libertad desde el corazón.
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Offside, fuera de juego (2006) de Jafar Panahi es una comedia iraní inteligente y crítica, llena de vitalidad, que refleja lo surrealista y absurda que puede ser la realidad. Diversión que hace pensar...
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El jefe de todo esto (2006) Lars Von Trier. Es una comedia entre screwball y moderna, realizada mediante un proceso informático que encuadra automáticamente las tomas, con lo que a veces el encuadre no captura del todo a los intérpretes. Es sarcástica y cortante, y supone de alguna manera la evolución del movimiento Dogma.
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Hijos de los hombres (2006) Alfonso Cuarón. Un relato humanista y vitalista ambientado en un futuro casi apocalíptico, en el que sin embargo aún subsiste el aliento vigoroso de los corazones alegres.
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La vida de los otros (2006), magnífico comienzo en el largometraje del director alemán Florian Henckel, que debe haber ampliado su salón para acoger todos los premios que merecidamente ha recibido, pues es una película bien llevada, y al mismo tiempo necesaria y entretenida, pero sobre todo humana, profundamente humana en el mejor sentido de la palabra
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Vida y color (2006) de Santiago Tabernero, es el paso de la niñez a la adolescencia de un chaval en la España de 1975, entre la agonía y la muerte del dictador, y está magníficamente fotografiada por Alcaine, cuenta con buenas interpretaciones, y aunque se trata sobre todo de un drama, se asoma varias veces una sonrisa de complicidad, y se descorcha una botella de champán... Buena película, que parece haber pasado algo desapercibida...
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un buen año (2006) de Ridley Scott, es una película entretenida que late entre la frialdad emocional del mundo financiero y la alegría de vivir de un corazón que despliega sus alas y se reconcilia con su pasado entre viñedos en la bella Provenza francesa.
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Time (2006) Kim Ki-Duk. Es una película que plantea cuestiones sobre la apariencia y la personalidad de manera muy descarnada, y no por insertos de operaciones de cirugía estética, a través de un argumento francamente dramático aunque salpicado de la bella poesía que caracteriza al director coreano.
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Bolboreta, mariposa, papallona (2006) Pablo García es un film arriesgado y complejo, que indaga en el propio quehacer cinematográfico y resulta inaprensible, pero bello, como el frágil vuelo de la mariposa
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La joven del agua (2006) de Night Shyamalan, es un sorprendente cuento para no dormir, inquietante, divertido, cercano y sin embargo recorrido de una profundidad, de un alma y de una trascendencia propia del autor que con más equilibrio ha sabido combinar la originalidad en el suspense contemporáneo y una gran repercusión en las taquillas
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::: cars, de John Lasseter (2006)
El alma de los estudios Pixar es un hombre familiar, no sólo un enamorado de los coches y un nostálgico de la ruta 66, como demuestra en esta nueva joya de la animación digital contemporánea. Cars sigue deslumbrando con una perfección técnica impresionante, un ritmo trepidante en ocasiones, y una historia llena de buenos sentimientos y de personajes muy humanos, aunque aquí sólo aparezcan vehículos... Lasseter, después de haber revolucionado la animación digital, con una trayectoria merecidamente exitosa y -en mi opinión- haber dado su obra más perfecta con Los increíbles, ha querido rendir un homenaje al mundo del motor y los pueblos de la famosa ruta... a fin de cuentas su padre era del ramo, y Lasseter no deja de ser americano, y ya se sabe que la pasión de los americanos por los coches es enorme. Quizá porque en un país tan grande un coche es casi sinónimo de libertad.En pocas palabras, Cars es divertida, emocionante y con chispa, con diálogos graciosos, aunque quienes no sean fanáticos del mundo del motor quizá echen de menos a los juguetes y a los héroes de carne y hueso...
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Ficción (2006) de Cesc Gay, es una película notable, parca en palabras pero plena de matices que revelan sentimientos latentes. Cine de verdad y vida sin maquillar.
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Cartas desde Iwo Jima (2006) de Clint Eastwood. Más allá de la estupidez interesada de las guerras (infelices luchando contra infelices, pobres luchando contra pobres, para defender los intereses de los poderosos) las necias causas por las que se lucha y se muere en ellas, esta película expone con maestría el lado japonés de la batalla de Iwo Jima. Entre las grietas humanas, sin embargo, a veces aún aparece incluso en las peores circunstancias (y una guerra lo es) algún destello de nobleza y bondad donde toda razón parece haber muerto. Pero Eastwood no ofrece un relato edulcorado ni sombrío solamente, aborda a los distintos tipos de seres humanos que se pueden encontrar en la guerra y en la vida, por eso esta película es, nos guste o no, profundamente humana, porque refleja lo mejor y también lo peor del ser humano. El film que presenta la visión americana de la misma batalla, es Banderas de nuestros padres.
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Banderas de nuestros padres (2006) Clint Eastwood. La visión americana de la batalla de Iwo Jima ensalza el valor de la amistad y reflexiona sobre la importancia que una simple foto puede tener en la opinión pública. La visión japonesa es la magistral Cartas desde Iwo Jima.
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::: las alas de la vida, de Antonio P. Canet (2006)
Este magnífico documental tiene tanta vitalidad en su interior que casi es limitarlo escribir sobre él. Refleja la vitalidad del médico Carlos Cristos aquejado de una enfermedad degenerativa y mortal. Y a pesar del dramatismo de su situación él se empeña en afrontar todo lo relacionado con esta enfermedad, y su propia muerte, con una alegría y un sentido del humor increíbles. En este documental hay, como en la vida misma, momentos tristes, momentos difíciles y momentos alegres, y quien tiene sentido del humor incluso llega a sonreír, pues esta película es verdad que tiene alas.Es un documental imprescindible, lleno de serenidad y sinceridad, hecho con cariño y ternura, pero sin sensiblería. Maravilloso, un monumento a la vitalidad.
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::: tirante el blanco / tirant lo blanc, de Vicente Aranda (2006)
El clásico de la literatura -apreciado y recomendado por Cervantes en el Quijote- Tirant lo Blanc de Joanot Martorell es una novela llena de travesuras eróticas y de intrigas palaciegas, de amores y pasiones, que Vicente Aranda (no se me ocurre un director más apropiado para esta gran novela) ha sabido trasladar en cuerpo y alma a la gran pantalla, apoyado por una magnífica fotografía de José Luis Alcaine, la deliciosa música de José Nieto, y las buenas interpretaciones de un plantel de actores y actrices que expresan el espíritu juguetón y caballeroso del libro, que no es suficientemente conocido y reconocido por estar escrito en valenciano.Esta buena película, en mi opinión hace honor al corazón del libro y, puesto que estamos en tiempos audiovisuales en los que para la mayoría una novela sólo se conoce cuando se adapta al cine, quizá la oportunidad de que la novela original sea conocida y disfrutada.
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::: una verdad incómoda / an inconvenient truth, de Davis Guggenheim (2006)
Al Gore, en este maravilloso documental (también libro) nos informa con mucha habilidad, agilidad y hasta sentido del humor de lo que le estamos haciendo a este planeta en el que vivimos, y lo que nos espera si no hacemos algo ya.No se trata de que otro mundo sea posible, se trata de que otro mundo es necesario o en este mundo las catástrofes se van a ir sucediendo una tras otra, y no hay que olvidar que cada vez somos más gente en este planeta cada vez más devastado, sobrecalentado por el cambio climático, contaminado con nuestros malos hábitos energéticos, de consumo y ecológicos en general.Podemos, claro, quedarnos quietos o intentar negar el problema, o incluso creer que el problema es demasiado grande para que lo podamos arreglar, pero ni la pasividad, ni la negación del problema ni el tremendismo desesperado son respuestas activas y comprometidas con lo que le estamos haciendo al planeta y a nosotros mismos.Sólo me queda recomendar este documental imprescindible en el momento en el que estamos, y dejar dos direcciones para profundizar en el cambio climático, http://www.climatecrisis.net/ (que propone el documental) y http://www.movimientoclima.org/ (que está en castellano)Ah, esto es una partida de ajedrez, y poco a poco, pero hay que mover pieza... o van a ir cayendo nuestras piezas...
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La hamaca paraguaya (2006) de Paz Encina, es una película que audazmente utiliza recursos inusuales en la narrativa cinematográfica. Difícil de apreciar por cuanto exige entrar en un fluir hecho de ausencia, minimalismo profundo y prolongado, sin embargo resulta una película interesante y una bella y dramática metáfora del vacío y la ausencia. Dura 73 m. pero es de esas películas que demuestran que el tiempo es relativo, o como dijo Einstein una hora al lado de una bella muchacha parece un segundo y un segundo quemándose con algo al rojo vivo parece una hora. Los planos son en ocasiones de más de 15 minutos... pero en mi opinión el fondo y la forma están más que justificados. Un hallazgo.
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Zona libre (2006) Amos Gitai. Esta película narra un viaje a la zona libre en oriente medio, donde también son patentes las llamas del conflicto palestino-israelí. Sorprende el protagonismo de Natalie Portman, más famosa por películas de menor calado pero mayor repercusión comercial.
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1% esquizofrenia (2006) Ione Hernández. Hace unos 40 años King Crimson cantaban su famoso "21st century schizoid man". Ya en el siglo XXI hay 52 millones de pacientes de esquizofrenia. Este documental es valioso por cuanto escucha a algunos pacientes, aborda las opiniones de familiares y de diversas perspectivas médicas, y porque aborda la realidad lejos de los prejuicios y falsedades sobre la enfermedad. Como poco decir que quienes padecen esquizofrenia son menos agresivos que la mayoría, y sin embargo su determinación suicida es mayor que la de quienes padecen depresión. El sistema sanitario, por otra parte es muy insuficiente. Una película que escucha y hace reflexionar también sobre lo delicada que es a veces la línea entre la cordura y la locura.
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Mariposa negra (2006) Francisco J. Lombardi. Los crímenes contra la humanidad, la corrupción política y periodística, y el dolor que se vuelve una mezcla de justa indignación y cuestionable deseo de venganza recorren una película que no desarrolla todas sus posibilidades pero denuncia realidades nauseabundas y quizá plantea si hay algún grado de justicia en algunas venganzas.
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La banda nos visita (2007) Eran Kolirin. Una mirada serena y con sentido del humor sobre las peripecias humanas de una banda egipcia en Israel. Recorrida por un aliento vitalista resulta una película entrañable que diluye las fronteras y fomenta la comprensión, el respeto y el poder fraternal de la música.
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XXY (2007) Lucía Puenzo. Loable propósito humano para este film primerizo que aborda la condición hermafrodita. El propósito merecía quizá una dirección al estilo de Oshima en "El imperio de los sentidos", con esa franqueza sin velos, y menor gelidez plagada de innecesarios simbolismos, pero a pesar de la falta de naturalidad mostrada (siempre se elude visualmente lo que debería ser mostrado sin énfasis ni ocultado con mojigatería) apuesta por la riqueza de la vida en vez de por las castradoras normalizaciones sociales. La película acierta de pleno al plantear qué se espera socialmente de cada cual según el sexo al que pertenece, y cómo no encajar en estas exigencias suele acarrear desprecio o marginación. Aunque se trata de un film bastante fallido y mejorable revela que lo que suele fallar y ser mejorable es la comprensión humana.
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Invisibles (2007) VV.AA. Este documental colectivo producido por Javier Bardem reune cortos de Isabel Coixet, Wim Wenders, Fernando Leon de Aranoa, Mariano Barroso y Javier Corcuera en los que se da voz a quienes permanecen invisibles ante la indiferencia del mundo. Cine de denuncia, cine necesario.
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Ratatouille (2007) Brad Bird. Es una maravilla de la animación contemporánea. Un manjar. Una película deliciosa, técnicamente muy lograda y con una historia humana (a pesar de tratarse de una rata cuyo sueño es ser un gran chef de cocina) que apuesta por el valor de intentar aquello que amamos. Reconozco que prefiero la animación tradicional, que me parece más cálida, pero ante algunas maravillas de la animación reciente, la verdad es que me alegro de que existan esas cosas digitales, programas informáticos y demás. Y además esta película es una declaración de amor a una bella ciudad: París.
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En la ciudad de Sylvia (2007) de José Luis Guerin. Es una película con un halo especial, una historia mínima que crece y crece con la magnífica dirección de Guerin, que ambienta el recorrido en Estrasburgo. Fascina cómo se dilata y encoge el tiempo, y la acción.
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Bajo las estrellas (2007) Félix Viscarret. Una ópera prima más que digna, logra emocionar aunque en principio el personaje principal, notablemente interpretado, no inspira simpatía dada su inmadurez. Sin embargo, el personaje va madurando, como la película, y al final, aunque agridulce, la película es vitalista y acaba coronada por la mágica voz de Enrique Morente. Magníficas interpretaciones de Alberto San Juan, Emma Suárez y Julián Villagrán. Tiene poesía en su interior...
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Los mejores cortos de Pixar, volumen 1 (1984-2007) VV.AA. Este dvd es una recopilación que da la oportunidad de descubrir la evolución técnica y artística de la animación digital y los primeros trabajos de la ya casi legendaria productora, y disfrutar con pequeños clásicos como Luxo Jr., de 1986. Hay una breve historia de la compañía contada por los propios animadores, y la mayoría de cortos están comentados por sus propios creadores. Pequeña joya que además resulta muy divertida en ocasiones.
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Nocturna (2007) Víctor Maldonado y Adriá García. Bajo el subtítulo "una aventura mágica", esta película de animación recorre la noche, con sus susurros, sueños, sombras, despeinadoras... momentos de diversión, de miedo a lo desconocido, y algo del resplandor profundo y maravilloso de la luz que late en la oscuridad. Quizá le falta un poco más de oscuridad y menos brillo (es una noche muy clara) pero es ingeniosa y original.
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Tierra (2007) Alastair Fothercill y Mark Linfield. Este documental afirma la belleza de la vida en el planeta, y los ciclos de vida que está amenazando el cambio climático, que de no rectificar y pronto, convertirá la lucha por la supervivencia en un camino a la extinción, primero de las especies que el documental muestra con amor, y después poco a poco de todo. Aún estamos a tiempo, http://www.loveearth.es/
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Mataharis (2007) Icíar Bollaín. Magnífica película con un logrado pulso narrativo, que no decae en todo el metraje, y un guión interesante y original, que abarca mucha vida.
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Caramel (2007) Nadine Labaki. Maravillosa película ambientada en Beirut alrededor de un salón de belleza femenino. Llena de frescura, buen humor y sensibilidad, renombrados directores podrían aprender mucho sobre cómo abordar con chispa el universo femenino gracias a esta deliciosa (pero no empalagosa) película.
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No es país para viejos (2007) Joel y Ethan Coen. Javier Bardem se llevó el oscar al actor secundario con esta película que discurre por las fronteras morales y criminales de la América profunda.
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El romance de Astrea y Celadón (2007) Eric Rohmer. Una bella y bucólica adaptación literaria, sensual, delicada y romántica. Un placer.
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Rebobine, por favor (2007) Michel Gondry. Una nueva aventura desenfadada y luminosa de Gondry, con un deje nostálgico hacia el jazz clásico y un espíritu cinéfilo, imaginativo y también crítico respecto a los videoclubs mainstream. En cierto modo es una película impagable que alguien tenía que hacer.
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Lo mejor de mí (2007) Roser Aguilar. Una película que aborda con mucha sencillez y originalidad el amor, la pérdida de la inocencia, los avatares brutales de la vida y también, quizá el desamor o el final del amor. Un debut que apunta alto y fue premiado a la mejor intérprete femenina en el prestigioso Festival de Locarno. Una de esas películas pequeñas que se hacen grandes a base de esfuerzo, talento y cariño.
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La osa mayor menos dos (2008) David Reznak. Este magnífico documental intenta, en palabras de su director "legitimar el delirio" y se acerca a los internos de un psiquiátrico con una gran humanidad, con el espíritu respetuoso y comprensivo del que la propia sociedad en gran parte carece y por el que progresivamente van aumentando los trastornos mentales en este mundo. Da visibilidad y recuerda la vitalidad y dignidad que también late en las personas aquejadas de algún trastorno mental, y de alguna manera recuerda que el mejor tratamiento posible tiene su base en la ternura, la comunicación y la atención a la persona. Incluso a su aliento poético se le une cierto sentido del humor que aún humaniza más a quienes también son humanos, quizá más humanos o demasiado humanos. Vitalista y encomiable trabajo, cada vez más necesario en este mundo de locos, y hablo del mundo que está fuera de los psiquiátricos.
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Un lugar en el cine (2008) Alberto Morais. Este interesante documental recorre un sentido cinematográfico y vital que alumbra con el espíritu del neorrealismo que Rossellini muestra en "Roma, ciudad abierta", y continúa con el poeta en todos los sentidos Pasolini, y del que son también exponentes Víctor Erice y Theo Angelopoulos, quienes junto a Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Galdini reflexionan abiertamente sobre el cine y la vida. Un necesario esfuerzo no sólo intelectual por destacar el compromiso y diálogo del verdadero cine con la historia y con el ser humano.
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una pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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2000-
Bailar en la oscuridad // Dancing’ thru the dark (2000) Lars von Trier
La isla // Seom (2000) Kim Ki-Duk
Amelie // (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain) (2001) Jean Pierre Jeunet
Dogville // = (2003) Lars von Trier
Kill Bill // =(2003-4) Quentin Tarantino
Hierro 3 // Bin-jip (2004) Kim Ki-Duk
Nuestra música // Notre musique (2004) Jean-Luc Godard
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Nueve reinas (2000) Fabian Bielinsky. Una de las más gratas sorpresas del cine sobre timadores en los últimos años. Una trama bien urdida y llevada, convincentemente interpretada. Pequeña joya con momentos magistrales.
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La viuda de Saint-Pierre (2000) de Patrice Leconte, es un conmovedor melodrama lleno de vitalidad e implacable fatalidad, muy bien interpretado por Juliette Binoche, Daniel Auteuil y el director Emir Kusturica. Maravillosa incluso en su fatalismo lleno de alegría de vivir es una película que se hace un hueco en el corazón y lo agranda.
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Gente con clase (2000) de Styles, es una desenfadada comedia de enredo entre gente bien inglesa, su servicio y el contraste hollywoodiense... Es entretenida y divertida, que no es poco.
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En tierra de nadie (2000) Danis Tanovic. Enfocar el absurdo de la guerra con humor fue la opción escogida por el director para afrontar un episodio de la guerra entre serbios y croatas. Quizá, recordando a William Blake, "el exceso de pena ríe", pero lógicamente la guerra no es un asunto de mucha risa precisamente y el final hiela la sangre.
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La habitación del hijo (2001) de Nanni Moretti, es un drama realmente conmovedor que (sin desvelar el argumento) presenta una de las situaciones más dolorosas a las que se puede enfrentar una familia, y las distintas maneras de afrontarlo, reflejando tanto la amargura como el hilo de esperanza (tras la aceptación de la nueva realidad) que, a pesar de las tragedias, podemos vivir. Es una película honesta que respira tanto dolor como ganas de vivir y de volver a vivir. Es muy emotiva pero también lo es la vida. Magnífica, con buenas interpretaciones, e inolvidable.
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ABC África (2001) Abbas Kiarostami. El gran director iraní se traslada a Uganda, en el corazón herido de África, para rodar este magnífico documental. En Uganda las guerras y las enfermedades, como el SIDA y la malaria, han dejado unos dos millones de niños huérfanos. Pero la vida continúa y mujeres de gran corazón se unen solidariamente y hacen cuentas y maravillas para paliar tan grave problema. El esfuerzo de estas mujeres llenas de vitalidad es admirable.
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Kandahar (2001) de Mohsen Makhmalbaf, es una película dura, como la realidad que retrata, pero con un aliento vitalista y cálido entre las grietas e injusticias de una sociedad inhumana
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Caminantes (2001) Fernando Leon de Aranoa. En este documental se reinvindica la causa indígena en México y se conversa con el subcomandante Marcos del EZLN, cuyo idealismo y don de la palabra son proverbiales. Magnífico altavoz para quienes pocos escuchan.
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Intacto (2001) Juan Carlos Fresnadillo. Es una película asombrosa, audaz e inquietante que parece la obra de un autor consagrado (y sin embargo es una ópera prima) cuenta con un guión original e intérpretes de renombre como Max Von Sydow y Eusebio Poncela. Cine español sin complejos, que puede mirar incluso por encima del hombro al cine contemporáneo de Hollywood.
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El pacto de los lobos (2001) Christophe Gans. Hay películas que sin ser redondas, aún con varios defectos, se alzan finalmente con cierta entidad, dignidad, originalidad y audacia, erigiéndose como obras apreciables ante las que uno se alegra de haber tenido un poco de paciencia para ver madurar la obra. Compensa incluso haber tenido cierta condescendencia, y finalmente se disfruta con admiración. Esta película, sin duda mejorable, tiene momentos magníficos y acaba siendo admirable. Pudo haber sido fantástica en todos los sentidos de la palabra, pero es una película de género fantástico con momentos verdaderamente fascinantes.
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Las aceras de Nueva York (2001) Edward Burns. Aportando autenticidad y altas dosis de humor agridulce esta estimable película aborda las relaciones personales que giran en torno al amor y el sexo. Con interpretaciones más que convincentes se adentra con una sonrisa lúcida y vitalista en estos caminos del corazón, a menudo tratados con gran banalidad o una excesiva grandilocuencia.
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Amen (2002) Costa-Gavras. El cine puede ser un pasatiempo, una expresión artística del talento humano, y también denunciar injusticias y opresiones, como es seña de identidad en el necesario cine de Costa-Gavras, que en este film muestra los cómplices silencios en las altas jeraquías católicas que consintieron las atrocidades de los campos de exterminio de judios durante el nazismo. Sobrecogedora y sin golpes de efecto hollywoodienses. Cine necesario y humano.
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El chico que conquistó Hollywood (2002) Brett Morgen y Nanette Burstein es un documental sobre el productor de "La semilla del diablo", "El padrino", "Chinatown"... que resulta nostálgico e interesante
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Primavera en un lugar pequeño (2002) Tian Zhuangzhuang. Es una bella película, impregnada de una brisa de sensibilidad y un aliento intenso que desborda emociones contenidas, casi incontenibles. Talento a raudales y una cadencia digna de elogio.
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Sang Woo y su abuela (2002) Lee Jung-Hyang. La convivencia entre un nieto malcriado y urbanita y su abuela sorda que vive en una aldea da pie a situaciones muy humanas, algunas tiernas y divertidas. Se trata de una película maravillosa, natural, sencilla y conmovedora.
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El hijo (2002) Jean-Pierre y Luc Dardenne. En una época de tanto cine articioso, efectista y banal, la irrupción y consagración de un cine que rezuma verdad y late al compás de la vida es una prueba de que el inextinguible fuego de la vitalidad siempre va pasando el relevo, su antorcha, de generación en generación. Y este cine es el que magistralmente, honestamente, conmovedoramente, despliegan los hermanos Dardenne, cuya longeva carrera en el registro documental y su vitalidad quedan patentes en cada obra profundamente humana que nos regalan. La existencia de su cine es un motivo para creer todavía en el poder expresivo, transformador y poético, en el sentido más vitalista y humano de la palabra, del cine. Esta película, magnífica, inolvidable, profunda y sobre todo maravillosamente humana, es un nuevo testimonio de que los Dardenne son la respiración pura y honda que el cine necesita. El cine y la vida. Una película admirable.
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Historias mínimas (2002) Carlos Sorín. Una película bien hecha que entrelaza tres historias sencillas ambientadas en la remota Patagonia. Cine esencial.
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Lejos del cielo (2002) Todd Haynes. Tras la apariencia de una familia modélica y con éxito están latentes cosas menos convencionales, vividas dolorosamente. Melodrama liberador y con trasfondo crítico y sociológico, bien interpretado y elegantemente presentado. Un regalo para el corazón.
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El gran gato (2002) de Ventura Pons, es un documental tributo a Gato Pérez, el músico argentino que revolucionó la rumba catalana. Incluye interpretaciones de sus canciones por artistas reconocidos y entrevistas entrañables a quienes tuvieron la oportunidad de conocerlo.
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Intervención divina (2002) Elia Suleiman. Esta magnífica comedia agridulce, más que una crónica de amor y dolor, es un lúcido, irónico, y por momentos acercamiento a lo Jacques Tati, del conflicto de Oriente Medio. Con un humor sarcástico pero también profundo, sutil y no por ello menos corrosivo, esta película confirma una vez más el aserto de Blake "el exceso de pena, ríe". El festival de Cannes carecería de sentido e interés si no premiara películas de la inteligencia y talento de ésta, que recibió el Premio del Jurado.
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Ten minutes older: the trumpet + Ten minutes older: the cello. (2002) VV.AA. Estas dos películas colectivas homenajean con su título al clásico del documental Ten minutes older de Herz Frank (1978) y constan de cortometrajes de 10 minutos de duración rodados por directores como Aki Kaurismaki, Víctor Erice (con su magistral "Alumbramiento"), Herzog, Jim Jarmush, Wenders, Bernardo Bertolucci, Jean-Luc Godard, Spike Lee, Volker Scholöndoff, Claire Dennis. Además del corto de Erice destacan los de Jarmusch y la actriz en su caravana, el de Lee relatando y denunciando las elecciones americanas, Bertolucci, con una perla, Dennis reflexionando sobre la integración de los extranjersos y Scholöndorff basándose en las reflexiones de San Agustin sobre el tiempo. Como todas las películas colectivas el doble recopilatorio es irregular pero diez minutos es tiempo suficiente para mostrar el talento y la poesía de Erice, Bertolucci...
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Ten (2002) Abbas Kiarostami. Audaz y radical apuesta minimalista que intenta capturar el pulso de la vida, avanzando, deteniéndose, reemprendiendo la marcha, como un coche en el tráfico de una gran ciudad. En las fronteras del video doméstico y el documental, rodado en formato digital, Kiarostami ha trazado un sendero personal más allá de los márgenes convencionales, de manera admirable.
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Whale rider (2002) Niki Caro. Maravillosa película que trasciende ancestrales costumbres de los maoríes neozelandeses para ser un vigoroso canto a la fe y a lo sagrado. Más humanista y mística que feminista (lo que no sería poco), de ahí su entidad poética y artística, respira sensibilidad, dignidad y vitalidad.
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Minority report (2002) Steven Spielberg. Desde la magnífica El diablo sobre ruedas, Spielberg ha ido encadenando multitud de éxitos taquilleros (que no cinematográficos) pero con esta película de ciencia ficción al fin entrega una obra fascinante que despliega brillantemente el talento que el director ha desaprovechado durante décadas. Un trabajo fantástico en todos los sentidos.
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en la ciudad (2003) de Cesc Gay, es la obra que consagró internacionalmente a Cesc Gay (premio de la juventud en Cannes) y no es para menos, pues resulta una obra lúcida, comedida pero no ciega ante la condición humana en la que a menudo abundan secretos, incapacidades de comunicación o infidelidades, mentiras... o relaciones fuera de lo corriente (maravillosa la naturalidad con la que se afronta la relación entre el profesor y la alumna) Un film en cierto modo inolvidable y a veces considerado pesimista por retratar a una humanidad poco sincera y comunicativa, pero por otra parte no muestra maldad (y también eso existe en el ser humano) por lo que quizá estamos ante una película más bien realista sobre gente normal y corriente en una ciudad moderna, en este caso Barcelona. Cesc Gay se va convirtiendo en un cineasta encomiable, a considerar, que hace de la contención todo un tratado de elocuencia y un breve manual de sociología contemporánea. Vida sin maquillar, como en su siguiente obra, la notable "Ficción"
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Gente de Roma (2003) Ettore Scola. Un maravilloso paseo por la ciudad de Roma a través de varias historias a menudo llenas de humor y de un gran respeto por la diferencia y la integración. Rodada en formato digital, como ya han hecho otros directores consolidados como Lucas, Lynch o Medem.
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Nostalgia del hogar (2003) Martin Scorsese. Magnífico documental sobre el blues que indaga en sus raíces, su relación con la música y el sentir africanos, y testimonia musicalmente a algunos de sus más importantes creadores.
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Piano blues (2003) Clint Eastwood. Un recorrido sentido y lleno de entusiasmo a través de conversaciones con algunos de los mejores pianistas del género e interpretaciones de archivo de sus principales talentos. Un buen documental de Eastwood, que ya mostró magistralmente su amor por el jazz en Bird, su aproximación biográfica al gran Charlie Parker.
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Cleopatra (2003) de Eduardo Mignona, es una comedia agridulce, digna y muy bien interpretada. Y aunque no sea una película redonda ni una obra maestra, lo anterior son virtudes.
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Spellbound, al pie de la letra (2003) Jeff Blitz. Documental sobre los célebres concursos de deletreo en EE.UU., en el que se muestra a ocho concursantes, sus motivaciones, métodos de aprendizaje, ilusiones, temores, esfuerzos, familias, aspiraciones... Aunque es muy emotivo, resulta triste que un sólo fallo ya elimine del concurso, afortunadamente la vida no siempre es tan severa, pero no hay que olvidar que allí la filosofía dominante es que el ganador se lo lleva todo y el resto son perdedores que se quedan sin nada. Por fortuna, lo que hayan aprendido preparando el concurso lo llevarán dentro, siendo un valioso bagaje cultural mientras vivan.
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Azumi (2003) Ryuhei Kitamura. Singular película de acción japonesa, adaptación de un manga. Con protagonismo femenino, el papel interpretado por Aya Ueto resulta de una increíble delicadeza, valentía, implacable con la espada pero noble y de buen corazón.
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Veinte años no es nada (2004) Joaquim Jordà. A finales de los 70 Jordà filmó la experiencia de autogestión de los trabajadores de la empresa Numax. Más de 20 años después el director filma este documental en el que se reencuentra con muchos de aquellos trabajadores de espíritu libre que creyeron que podrían cambiar el mundo. Evidentemente no cambiaron el mundo pero no dejaron que el mundo les cambiara, no lograron quizá sus sueños pero no se resignaron a la pesadilla capitalista, dijeron no a la explotación y emprendieron sus vidas con autenticidad, mucho más allá del suicidio de la resignación y de la "patología de la normalidad" de la que habló Erich Fromm. Por desgracia experiencias de tal capacidad de empatía, solidaridad y esperanza parecen casi utópicas en este mundo actual poseído por el individualismo a ultranza, pero quizá el cambio climático también nos cambie como personas, ¡ya sería hora!.
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::: ¡olvídate de mí! / eternal sunshine of the spotless mind, de Michel Gondry (2004)
Esta película tiene algo especial... es original, recoge en cierto modo la herencia del expresionismo actualizándolo con las modernas técnicas de efectos especiales... con esos ambientes que se van borrando y apagando como los sentimientos, los recuerdos... Son efectos especiales que sirven a la historia y no una historia al servicio de los efectos especiales... La historia es original, el guión que vertebra la película es audaz y fresco, y el resultado a veces maravilloso. El director tampoco se queda atrás y lleva la historia con agilidad y un cierto halo poético, pero también mordaz en ocasiones. Ah, es una de las historias más hábiles e interesantes sobre los altibajos en las relaciones personales, y la propia esquizofrenia, o confusión, de vivir.
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::: nadie sabe / daremo shiranai, de Hirozaku Kore-eda (2004)
Esta historia conmovedora narrada magníficamente expresa con mucha sensibilidad el desamparo, el abandono, la fragilidad y la vitalidad de unos niños. Dolorosamente basada en hechos reales, la película es a un tiempo delicada y pudorosa, y está sutilmente construida con elocuentes silencios y ausencias.Es un drama bastante desolador que, sin embargo, muestra que la esperanza de los desvalidos está en intentar valerse y en encontrar un poco de solidaridad, de ayuda.
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::: Born into brothels / Los niños del barrio rojo, de Ross Kauffman y Zana Briski (2004)
En el barrio rojo de Calcuta malviven unas 7000 prostitutas. Sus hijos llevan ese estigma, además de soportar la miseria material y moral. Las hijas con el tiempo acabarán ejerciendo como sus madres; los niños, embrutecidos. La fotógrafa Zana Briski les dió cámaras y les enseñó a hacer fotos con lo que despertó su innegable creatividad. Con la intención de conseguirles una educación que les permitiera salir de ese ambiente degradante, Zana organizó exposiciones con sus fotos para así recaudar fondos. El documental narra este despertar de los niños y refleja las miserias que atraviesan y el nefasto porvenir que tendrían si se quedaran en el barrio, donde la vida no es rosa. Hay fotos maravillosas que muestran la alegría, a pesar de todo, de los niños y como hasta en el peor rincón del mundo existen el aleteo del talento y la flor de la sonrisa. Aunque es desalentador bastante de lo que se ve y se intuye, el documental es un canto a la alegría y por eso me parece, no sólo digno y necesario, sino un maravilloso poema de amor, de amor a la vida.
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::: palindromos, de Todd Solondz (2004)
Esta película es particular, original y perturbadora. La historia deambula entre tonos rosados o muy negros, y es capaz de helar la sonrisa. Hay un humor demoledor en ocasiones y una original y audaz puesta en escena a través del personaje principal, protagonizado por varias actrices de varios físicos, edades y razas, mostrando la tesis de que la vida es un palíndromo (como el nombre de la protagonista, Aviva, que se lee igual desde el principio que desde el final) y en esencia no podemos cambiar. A pesar de la negrura y hasta sordidez que el director nunca se ahorra, hay apuntes interesantes y nada ligeros como el amor condenado, ilegal para la sociedad, entre la adolescente y el hombre, pues la sociedad siempre considera estas conductas desviadas aunque no siempre lo sean. Es una película polémica, claro, como lo son los asuntos que aborda. Aunque espinosa, es una película que tiene momentos divertidos y algunas rosas.
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María querida (2004) de José Luis García Sánchez es un tributo (con guión de Rafael Azcona) a la razón poética de la gran escritora, filósofa, intelectual... María Zambrano, y a aquella generación de la república que luchó por una España mejor hasta que la dictadura lo impidió. Imprescindible para el "hilo de oro del corazón" de este país.
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::: el castillo ambulante / hauru no ugoku shiro, de Hayao Miyazaki (2004)
La animación contemporánea y el cine en general están de enhorabuena otra vez con la maravillosa película del gran maestro Miyazaki.El castillo ambulante es una obra maestra, repleta de magia, originalidad, buenos sentimientos, ternura, alegría, sentido del humor y una realización técnica impresionante, en la que se logra una animación cálida e incluso aparentemente convencional usando novedosas técnicas por ordenador.Pero toda esta parte técnica es un simple ropaje con el que vestir un corazón de oro, unas manos repletas de generosos regalos, un alma plena que se derrama como una nube que riega amorosamente los campos.Verdaderamente uno se siente alegre de estar vivo para poder disfrutar, con los ojos de un niño, de una película tan maravillosa.
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::: entre copas / sideways, de Alexander Payne (2004)
La mezcla de lo vulgar y lo sublime, tan propia de la vida, queda bien reflejada en esta película agridulce que sin embargo no trasluce ni la desesperanza de quien ha abandonado la lucha ni el iluso e inconsciente optimismo de quien todo lo ve posible o maravilloso.Con un buen guión, y dirección, una fotografía cálida, y buenas interpretaciones, esta película narra el itinerario entre divertido y patético de un par de amigos. Uno es físico y primitivo, el otro es intelectual y refinado pero taciturno y depresivo, y escribe. El primero se casa en una semana y el segundo no ha superado su divorcio. A lo largo de la película, que no se hace larga, los amigos recorren una ruta vinícola entre viñedos, catas... se apoyan el uno al otro, se sienten perdidos, tienen sus más y sus menos con mujeres, en fin, esas pequeñas e importantes cosas que son parte de la vida... y que este film refleja con ternura y cierto romanticismo en ocasiones y otras sin edulcorar los dramas e inseguridades, pero también hay momentos muy divertidos...Es una buena película que invita a disfrutar de un buen vino, de la buena compañía, y de la vida.
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luna de avellaneda (2004) de Juan José Campanella, es una buena película basada en buenas y entrañables interpretaciones entre el drama, la comedia y algo de magia, llega al corazón y lo hace bailar de emoción.
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Ping pong mongol (2004) Ning Hao. Una historia que respira con sencillez en la estepa mongola, en la que una pelota de ping pong desencadena, el asombro y la curiosidad de unos niños.
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::: sueño de una noche de invierno / san zimske noci, de Goran Paskaljevic (2004)
Este drama es un trago fuerte, y no edulcorado que destila sin embargo humanidad desde las grietas de las almas golpeadas por la guerra de los Balcanes. La metáfora del autismo como expresión de una sociedad atenazada, estancada, está personificada en la niña, que quizá nos descubre algo sobre nuestra propia sociedad...La película es dramática pero soberbia y recorrida por la alegría de intentarlo y el valor de conocerse y reconocer las propias flaquezas. Ésta alegría aún en el corazón más golpeado por los desastres de la guerra, o de la vida, se muestra con espléndidas interpretaciones, por su serenidad, desgarro y fluidez, tanto en el drama como en la alegría de vivir que también refleja en algunos momentos esta magnífica película, realista, trágica, que muestras los desgüaces y la dureza, las amarguras, los márgenes, y que sin embargo deja un sabor agridulce en el corazón, y el alma quizá con un poco más de fe en el ser humano o al menos en lo que significa ser humano. Ser humano es intentar la alegría, aunque muchas alegrías no puedan ir más allá del sueño de una noche de invierno.
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las llaves de casa (2004) de Gianni Amelio, es una película magnífica que narra la historia entre un padre que al fin afronta su paternidad y su hijo, que tiene serios problemas de salud. Sin negar la dificultad, el dolor y el drama, muestra también instantes de la maravillosa alegría juguetona de la vida. Un viaje en el que, a pesar de las espinas, florecen los corazones.
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Millones (2004) de Boyle, es un film sorprendente, tanto si se conoce la etapa más cruda del director como si no, y se trata de una película fresca, viva, con instantes mágicos y llena de encanto... una película familiar que es un pequeño y alegre milagro
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A good woman (2004) de Barker, es una agradable película basada libremente en Wilde, y tiene por tanto algo de la elegancia, sofisticación e ingenio del genio británico. Aunque más de uno la verá porque aparece la siempre atractiva Scarlett Johansson.
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Match point (2005) por Woody Allen, es un drama magistral que reflexiona sobre la importancia de la suerte en la vida. Este pensamiento ya aparecía fugazmente en "Recuerdos de una estrella" pero aquí Allen lo vuelca con toda su maestría creando una obra memorable que plasma magnícamente la angustia y el drama del ser humano a merced del azar (en un universo sin sentido de la moralidad o la justicia) esa pelota que según cae en un lado u otro de la pista decanta la vida.
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El niño (2005) Jean-Pierre y Luc Dardenne. Admirable película que progresa al igual que el personaje principal. Rodada con vitalidad y corazón. Cine que emociona con honestidad.
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Buenas noches y buena suerte (2005) George Clooney. El periodismo honesto, responsable, crítico y riguroso siempre se ha enfrentado a quienes prefieren ocultar verdades y manipular impunemente a la sociedad. En esta película, basada en un caso real, se revela el poder del periodismo valiente y valioso, y también los límites y obstáculos industriales y sociales a los que se enfrenta.
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Brokeback mountain, en terreno vedado (2005) Ang Lee. Una película que se adentra en un territorio virgen (o al menos nunca antes abordado por una producción de envergadura) en el cine: el amor homosexual en el oeste. En el oeste casi contemporáneo, pero en el oeste, en ese territorio y esa manera de ser lacónica, parca, y tendente al machismo y la homofobia, en la que un amor así, tan excepcional, entra sin más en un terreno vedado. Se trata de una compleja y dolorosa historia de amor, esa fuerza que hace del mundo un lugar un poco mejor, y de las dificultades con las que se enfrenta, que entre homosexuales en el oeste, son todavía más. Una película que por fin aborda algo latente en otras películas del oeste, derribando espero ese rastro cuadriculado de la tiranía de cómo debe ser todo un hombre. Todo un hombre puede ser, entre otras cosas, homosexual y vaquero. Con muchas agallas, Ang Lee, ha cogido este toro por los cuernos y ha salido por la puerta grande.
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La casa de mi abuela (2005) Adán Aliaga es un magnífico documental premiado merecidamente en los festivales más importantes del género, en el que se muestra con ternura, poesía y buen gusto la relación de una abuela con su vieja casa... y su impulsiva nieta.
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El nuevo mundo (2005) de Terrence Malick, es una pequeña joya de un director apasionante con una filmografía maravillosa, llena de lirismo y belleza, conmovedora y profunda. Una película sobre el amor, las dificultades, las esperanzas y ansías de libertad de los colonos en el nuevo mundo, y de cómo la mayor gloria que se puede vivir en la vida es vivir un gran amor, y la mayor tontería dejarlo pasar buscando algo mayor, porque el amor, ya lo dijo la protagonista de "Gertrud" (de Dreyer) lo es todo, y desde luego es lo más importante que se puede vivir en la vida, quien no lo descubre o lo hace tarde, arruina su vida...
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El jardinero fiel (2005) de Fernando Meirelles. Es una película que en clave de thriller denuncia prácticas inmorales de ciertas estrategias comerciales en el sector farmaceútico. Alberto Iglesias fue nominado al óscar por la partitura musical. En mi opinión el cine tiene que ser algo más que un entretenimiento y abordar cuestiones sociales como lo hace esta película.
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::: man push cart (un café en cualquier esquina) de Ramin Bahrani, 2005
Man push cart (aquí traducida de aquella manera como Un café en cualquier esquina)Esta magnífica película, la segunda del director iraní, consigue transmitir una calidez, ternura, dignidad y vitalidad maravillosas con apenas unos sencillos elementos. La sencilla historia de un hombre que arrastra un carro con el que se gana la vida vendiendo cafés y donuts. Sus vivencias, su pasado más glorioso como cantante, su hijo al que casi no dejan ver, una chica española que vende periódicos, el cariño que siente por un gatito que encuentra abandonado...Me resulta difícil hacer una crítica digna de una película que me ha emocionado tanto. Quizá ésta, mi primera crítica, no haga justicia a esta espléndida película, que la FIPRESCI (federación internacional de la prensa cinematográfica) premió en el Festival de Londres.En fin, quería compartir esta humanidad y autenticidad que respira este film. El cine hace honor a su nombre con películas como Man push cart.
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Rosas rotas (2005) de Jarmusch, tiene la sonrisa tierna y la serenidad profunda de sus mejores películas, y es algo así como una road-movie emocional, con un buen reparto y buenas interpretaciones... y Jarmusch es de esos cineastas sin los que el cine no tendría razón de existir...
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Orgullo y prejuicio (2005) Joe Wright. Bella y alegre recreación del clásico de Jane Austen. Una delicia para corazones apasionados y románticos.
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Creature comforts (2005) Richard Goleszowski. Esta serie de animación ha sido recopilada en dvd. Lo original de estas animaciones es que se entrevista a gente corriente sobre un tema, y las respuestas se ponen después en la piel de animales, murciélagos, arañas, perros, vacas... con lo que resulta muy divertida. Es una obra de la prestigiosa productora Aardman.
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el viaje del emperador (2005) de Luc Jacquet, es un documental sobre el épico viaje del pingüino emperador. Un viaje que se repite desde tiempo inmemoriales, reflejado con imágenes llenas de ternura y las licencias de una banda sonora moderna y cierta interpretación en off, poniendo voz a los sentimientos de tan inocentes criaturas. En el doble dvd hay, además 200 minutos de extras interesantes.
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Shortbus (2006) John Cameron Mitchell. Una película que aborda la sexualidad de manera desenfadada, en realidad muy divertida, de manera lúdica pero no por ello superficial, a través de varias historias, a cada cual más impagable que la anterior, en un registro muy libre, con escenas de sexo real que no resultan (como suele ocurrir) aburridas, pedantes o pretenciosas. De los más fresco y vitalista que se ha rodado en los últimos años, por fin una película no se queda en medias tintas sin realizar sencillamente una película porno. Alguien tenía que hacer una película así.
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Red road (2006) Andrea Arnold. Una película inquietante que tantea sobre terrenos resbaladizos y alas heridas del corazón, que sin embargo puede remontar el vuelo. Forma parte de un proyecto ideado por Lars Von Trier: se crean unos personajes y después se realizan varias películas que deben contar con esos personajes.
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Big bang love, juvenile A (2006) Takashi Miike. Una historia troceada y cuidadosamente servida late en esta muestra muy personal del tema carcelario, que además de amplificar la violencia, seduce con una imaginería visual fascinante, incluso poética.
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::: la ciencia del sueño / la science des rêves, de michel gondry (2006)
Fascinante, imaginativa, encantadora... la ciencia cinematográfica de Michel Gondry es maravillosa, llena de audacia, divertida, irreverente, innovadora, dramática, irónica, romántica, tierna, ingeniosa... Llena de caos dulce, de besos en el azar... una explosión de ternura, de manos infantiles que juegan a descubrir y crear el mundo...Esta fascinante historia es la reciente (la última no, ¡por favor!) joya de Gondry.Una pequeña obra maestra, con un buen guión, con momentos verdaderamente mágicos, con una confianza valiente en las posibilidades, a menudo arrinconadas, del cine como medio poético y de expresión.Pocas películas indagan con tanta lucidez y habilidad en la vida y el sueño, en la confusión, el caos, la esquizofrenia y la dulzura de vivir. Aunque indagar es una palabra tan cerebral para una película hecha en plena libertad desde el corazón.
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Offside, fuera de juego (2006) de Jafar Panahi es una comedia iraní inteligente y crítica, llena de vitalidad, que refleja lo surrealista y absurda que puede ser la realidad. Diversión que hace pensar...
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El jefe de todo esto (2006) Lars Von Trier. Es una comedia entre screwball y moderna, realizada mediante un proceso informático que encuadra automáticamente las tomas, con lo que a veces el encuadre no captura del todo a los intérpretes. Es sarcástica y cortante, y supone de alguna manera la evolución del movimiento Dogma.
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Hijos de los hombres (2006) Alfonso Cuarón. Un relato humanista y vitalista ambientado en un futuro casi apocalíptico, en el que sin embargo aún subsiste el aliento vigoroso de los corazones alegres.
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La vida de los otros (2006), magnífico comienzo en el largometraje del director alemán Florian Henckel, que debe haber ampliado su salón para acoger todos los premios que merecidamente ha recibido, pues es una película bien llevada, y al mismo tiempo necesaria y entretenida, pero sobre todo humana, profundamente humana en el mejor sentido de la palabra
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Vida y color (2006) de Santiago Tabernero, es el paso de la niñez a la adolescencia de un chaval en la España de 1975, entre la agonía y la muerte del dictador, y está magníficamente fotografiada por Alcaine, cuenta con buenas interpretaciones, y aunque se trata sobre todo de un drama, se asoma varias veces una sonrisa de complicidad, y se descorcha una botella de champán... Buena película, que parece haber pasado algo desapercibida...
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un buen año (2006) de Ridley Scott, es una película entretenida que late entre la frialdad emocional del mundo financiero y la alegría de vivir de un corazón que despliega sus alas y se reconcilia con su pasado entre viñedos en la bella Provenza francesa.
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Time (2006) Kim Ki-Duk. Es una película que plantea cuestiones sobre la apariencia y la personalidad de manera muy descarnada, y no por insertos de operaciones de cirugía estética, a través de un argumento francamente dramático aunque salpicado de la bella poesía que caracteriza al director coreano.
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Bolboreta, mariposa, papallona (2006) Pablo García es un film arriesgado y complejo, que indaga en el propio quehacer cinematográfico y resulta inaprensible, pero bello, como el frágil vuelo de la mariposa
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La joven del agua (2006) de Night Shyamalan, es un sorprendente cuento para no dormir, inquietante, divertido, cercano y sin embargo recorrido de una profundidad, de un alma y de una trascendencia propia del autor que con más equilibrio ha sabido combinar la originalidad en el suspense contemporáneo y una gran repercusión en las taquillas
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::: cars, de John Lasseter (2006)
El alma de los estudios Pixar es un hombre familiar, no sólo un enamorado de los coches y un nostálgico de la ruta 66, como demuestra en esta nueva joya de la animación digital contemporánea. Cars sigue deslumbrando con una perfección técnica impresionante, un ritmo trepidante en ocasiones, y una historia llena de buenos sentimientos y de personajes muy humanos, aunque aquí sólo aparezcan vehículos... Lasseter, después de haber revolucionado la animación digital, con una trayectoria merecidamente exitosa y -en mi opinión- haber dado su obra más perfecta con Los increíbles, ha querido rendir un homenaje al mundo del motor y los pueblos de la famosa ruta... a fin de cuentas su padre era del ramo, y Lasseter no deja de ser americano, y ya se sabe que la pasión de los americanos por los coches es enorme. Quizá porque en un país tan grande un coche es casi sinónimo de libertad.En pocas palabras, Cars es divertida, emocionante y con chispa, con diálogos graciosos, aunque quienes no sean fanáticos del mundo del motor quizá echen de menos a los juguetes y a los héroes de carne y hueso...
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Ficción (2006) de Cesc Gay, es una película notable, parca en palabras pero plena de matices que revelan sentimientos latentes. Cine de verdad y vida sin maquillar.
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Cartas desde Iwo Jima (2006) de Clint Eastwood. Más allá de la estupidez interesada de las guerras (infelices luchando contra infelices, pobres luchando contra pobres, para defender los intereses de los poderosos) las necias causas por las que se lucha y se muere en ellas, esta película expone con maestría el lado japonés de la batalla de Iwo Jima. Entre las grietas humanas, sin embargo, a veces aún aparece incluso en las peores circunstancias (y una guerra lo es) algún destello de nobleza y bondad donde toda razón parece haber muerto. Pero Eastwood no ofrece un relato edulcorado ni sombrío solamente, aborda a los distintos tipos de seres humanos que se pueden encontrar en la guerra y en la vida, por eso esta película es, nos guste o no, profundamente humana, porque refleja lo mejor y también lo peor del ser humano. El film que presenta la visión americana de la misma batalla, es Banderas de nuestros padres.
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Banderas de nuestros padres (2006) Clint Eastwood. La visión americana de la batalla de Iwo Jima ensalza el valor de la amistad y reflexiona sobre la importancia que una simple foto puede tener en la opinión pública. La visión japonesa es la magistral Cartas desde Iwo Jima.
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::: las alas de la vida, de Antonio P. Canet (2006)
Este magnífico documental tiene tanta vitalidad en su interior que casi es limitarlo escribir sobre él. Refleja la vitalidad del médico Carlos Cristos aquejado de una enfermedad degenerativa y mortal. Y a pesar del dramatismo de su situación él se empeña en afrontar todo lo relacionado con esta enfermedad, y su propia muerte, con una alegría y un sentido del humor increíbles. En este documental hay, como en la vida misma, momentos tristes, momentos difíciles y momentos alegres, y quien tiene sentido del humor incluso llega a sonreír, pues esta película es verdad que tiene alas.Es un documental imprescindible, lleno de serenidad y sinceridad, hecho con cariño y ternura, pero sin sensiblería. Maravilloso, un monumento a la vitalidad.
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::: tirante el blanco / tirant lo blanc, de Vicente Aranda (2006)
El clásico de la literatura -apreciado y recomendado por Cervantes en el Quijote- Tirant lo Blanc de Joanot Martorell es una novela llena de travesuras eróticas y de intrigas palaciegas, de amores y pasiones, que Vicente Aranda (no se me ocurre un director más apropiado para esta gran novela) ha sabido trasladar en cuerpo y alma a la gran pantalla, apoyado por una magnífica fotografía de José Luis Alcaine, la deliciosa música de José Nieto, y las buenas interpretaciones de un plantel de actores y actrices que expresan el espíritu juguetón y caballeroso del libro, que no es suficientemente conocido y reconocido por estar escrito en valenciano.Esta buena película, en mi opinión hace honor al corazón del libro y, puesto que estamos en tiempos audiovisuales en los que para la mayoría una novela sólo se conoce cuando se adapta al cine, quizá la oportunidad de que la novela original sea conocida y disfrutada.
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::: una verdad incómoda / an inconvenient truth, de Davis Guggenheim (2006)
Al Gore, en este maravilloso documental (también libro) nos informa con mucha habilidad, agilidad y hasta sentido del humor de lo que le estamos haciendo a este planeta en el que vivimos, y lo que nos espera si no hacemos algo ya.No se trata de que otro mundo sea posible, se trata de que otro mundo es necesario o en este mundo las catástrofes se van a ir sucediendo una tras otra, y no hay que olvidar que cada vez somos más gente en este planeta cada vez más devastado, sobrecalentado por el cambio climático, contaminado con nuestros malos hábitos energéticos, de consumo y ecológicos en general.Podemos, claro, quedarnos quietos o intentar negar el problema, o incluso creer que el problema es demasiado grande para que lo podamos arreglar, pero ni la pasividad, ni la negación del problema ni el tremendismo desesperado son respuestas activas y comprometidas con lo que le estamos haciendo al planeta y a nosotros mismos.Sólo me queda recomendar este documental imprescindible en el momento en el que estamos, y dejar dos direcciones para profundizar en el cambio climático, http://www.climatecrisis.net/ (que propone el documental) y http://www.movimientoclima.org/ (que está en castellano)Ah, esto es una partida de ajedrez, y poco a poco, pero hay que mover pieza... o van a ir cayendo nuestras piezas...
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La hamaca paraguaya (2006) de Paz Encina, es una película que audazmente utiliza recursos inusuales en la narrativa cinematográfica. Difícil de apreciar por cuanto exige entrar en un fluir hecho de ausencia, minimalismo profundo y prolongado, sin embargo resulta una película interesante y una bella y dramática metáfora del vacío y la ausencia. Dura 73 m. pero es de esas películas que demuestran que el tiempo es relativo, o como dijo Einstein una hora al lado de una bella muchacha parece un segundo y un segundo quemándose con algo al rojo vivo parece una hora. Los planos son en ocasiones de más de 15 minutos... pero en mi opinión el fondo y la forma están más que justificados. Un hallazgo.
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Zona libre (2006) Amos Gitai. Esta película narra un viaje a la zona libre en oriente medio, donde también son patentes las llamas del conflicto palestino-israelí. Sorprende el protagonismo de Natalie Portman, más famosa por películas de menor calado pero mayor repercusión comercial.
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1% esquizofrenia (2006) Ione Hernández. Hace unos 40 años King Crimson cantaban su famoso "21st century schizoid man". Ya en el siglo XXI hay 52 millones de pacientes de esquizofrenia. Este documental es valioso por cuanto escucha a algunos pacientes, aborda las opiniones de familiares y de diversas perspectivas médicas, y porque aborda la realidad lejos de los prejuicios y falsedades sobre la enfermedad. Como poco decir que quienes padecen esquizofrenia son menos agresivos que la mayoría, y sin embargo su determinación suicida es mayor que la de quienes padecen depresión. El sistema sanitario, por otra parte es muy insuficiente. Una película que escucha y hace reflexionar también sobre lo delicada que es a veces la línea entre la cordura y la locura.
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Mariposa negra (2006) Francisco J. Lombardi. Los crímenes contra la humanidad, la corrupción política y periodística, y el dolor que se vuelve una mezcla de justa indignación y cuestionable deseo de venganza recorren una película que no desarrolla todas sus posibilidades pero denuncia realidades nauseabundas y quizá plantea si hay algún grado de justicia en algunas venganzas.
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La banda nos visita (2007) Eran Kolirin. Una mirada serena y con sentido del humor sobre las peripecias humanas de una banda egipcia en Israel. Recorrida por un aliento vitalista resulta una película entrañable que diluye las fronteras y fomenta la comprensión, el respeto y el poder fraternal de la música.
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XXY (2007) Lucía Puenzo. Loable propósito humano para este film primerizo que aborda la condición hermafrodita. El propósito merecía quizá una dirección al estilo de Oshima en "El imperio de los sentidos", con esa franqueza sin velos, y menor gelidez plagada de innecesarios simbolismos, pero a pesar de la falta de naturalidad mostrada (siempre se elude visualmente lo que debería ser mostrado sin énfasis ni ocultado con mojigatería) apuesta por la riqueza de la vida en vez de por las castradoras normalizaciones sociales. La película acierta de pleno al plantear qué se espera socialmente de cada cual según el sexo al que pertenece, y cómo no encajar en estas exigencias suele acarrear desprecio o marginación. Aunque se trata de un film bastante fallido y mejorable revela que lo que suele fallar y ser mejorable es la comprensión humana.
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Invisibles (2007) VV.AA. Este documental colectivo producido por Javier Bardem reune cortos de Isabel Coixet, Wim Wenders, Fernando Leon de Aranoa, Mariano Barroso y Javier Corcuera en los que se da voz a quienes permanecen invisibles ante la indiferencia del mundo. Cine de denuncia, cine necesario.
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Ratatouille (2007) Brad Bird. Es una maravilla de la animación contemporánea. Un manjar. Una película deliciosa, técnicamente muy lograda y con una historia humana (a pesar de tratarse de una rata cuyo sueño es ser un gran chef de cocina) que apuesta por el valor de intentar aquello que amamos. Reconozco que prefiero la animación tradicional, que me parece más cálida, pero ante algunas maravillas de la animación reciente, la verdad es que me alegro de que existan esas cosas digitales, programas informáticos y demás. Y además esta película es una declaración de amor a una bella ciudad: París.
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En la ciudad de Sylvia (2007) de José Luis Guerin. Es una película con un halo especial, una historia mínima que crece y crece con la magnífica dirección de Guerin, que ambienta el recorrido en Estrasburgo. Fascina cómo se dilata y encoge el tiempo, y la acción.
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Bajo las estrellas (2007) Félix Viscarret. Una ópera prima más que digna, logra emocionar aunque en principio el personaje principal, notablemente interpretado, no inspira simpatía dada su inmadurez. Sin embargo, el personaje va madurando, como la película, y al final, aunque agridulce, la película es vitalista y acaba coronada por la mágica voz de Enrique Morente. Magníficas interpretaciones de Alberto San Juan, Emma Suárez y Julián Villagrán. Tiene poesía en su interior...
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Los mejores cortos de Pixar, volumen 1 (1984-2007) VV.AA. Este dvd es una recopilación que da la oportunidad de descubrir la evolución técnica y artística de la animación digital y los primeros trabajos de la ya casi legendaria productora, y disfrutar con pequeños clásicos como Luxo Jr., de 1986. Hay una breve historia de la compañía contada por los propios animadores, y la mayoría de cortos están comentados por sus propios creadores. Pequeña joya que además resulta muy divertida en ocasiones.
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Nocturna (2007) Víctor Maldonado y Adriá García. Bajo el subtítulo "una aventura mágica", esta película de animación recorre la noche, con sus susurros, sueños, sombras, despeinadoras... momentos de diversión, de miedo a lo desconocido, y algo del resplandor profundo y maravilloso de la luz que late en la oscuridad. Quizá le falta un poco más de oscuridad y menos brillo (es una noche muy clara) pero es ingeniosa y original.
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Tierra (2007) Alastair Fothercill y Mark Linfield. Este documental afirma la belleza de la vida en el planeta, y los ciclos de vida que está amenazando el cambio climático, que de no rectificar y pronto, convertirá la lucha por la supervivencia en un camino a la extinción, primero de las especies que el documental muestra con amor, y después poco a poco de todo. Aún estamos a tiempo, http://www.loveearth.es/
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Mataharis (2007) Icíar Bollaín. Magnífica película con un logrado pulso narrativo, que no decae en todo el metraje, y un guión interesante y original, que abarca mucha vida.
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Caramel (2007) Nadine Labaki. Maravillosa película ambientada en Beirut alrededor de un salón de belleza femenino. Llena de frescura, buen humor y sensibilidad, renombrados directores podrían aprender mucho sobre cómo abordar con chispa el universo femenino gracias a esta deliciosa (pero no empalagosa) película.
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No es país para viejos (2007) Joel y Ethan Coen. Javier Bardem se llevó el oscar al actor secundario con esta película que discurre por las fronteras morales y criminales de la América profunda.
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El romance de Astrea y Celadón (2007) Eric Rohmer. Una bella y bucólica adaptación literaria, sensual, delicada y romántica. Un placer.
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Rebobine, por favor (2007) Michel Gondry. Una nueva aventura desenfadada y luminosa de Gondry, con un deje nostálgico hacia el jazz clásico y un espíritu cinéfilo, imaginativo y también crítico respecto a los videoclubs mainstream. En cierto modo es una película impagable que alguien tenía que hacer.
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Lo mejor de mí (2007) Roser Aguilar. Una película que aborda con mucha sencillez y originalidad el amor, la pérdida de la inocencia, los avatares brutales de la vida y también, quizá el desamor o el final del amor. Un debut que apunta alto y fue premiado a la mejor intérprete femenina en el prestigioso Festival de Locarno. Una de esas películas pequeñas que se hacen grandes a base de esfuerzo, talento y cariño.
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La osa mayor menos dos (2008) David Reznak. Este magnífico documental intenta, en palabras de su director "legitimar el delirio" y se acerca a los internos de un psiquiátrico con una gran humanidad, con el espíritu respetuoso y comprensivo del que la propia sociedad en gran parte carece y por el que progresivamente van aumentando los trastornos mentales en este mundo. Da visibilidad y recuerda la vitalidad y dignidad que también late en las personas aquejadas de algún trastorno mental, y de alguna manera recuerda que el mejor tratamiento posible tiene su base en la ternura, la comunicación y la atención a la persona. Incluso a su aliento poético se le une cierto sentido del humor que aún humaniza más a quienes también son humanos, quizá más humanos o demasiado humanos. Vitalista y encomiable trabajo, cada vez más necesario en este mundo de locos, y hablo del mundo que está fuera de los psiquiátricos.
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Un lugar en el cine (2008) Alberto Morais. Este interesante documental recorre un sentido cinematográfico y vital que alumbra con el espíritu del neorrealismo que Rossellini muestra en "Roma, ciudad abierta", y continúa con el poeta en todos los sentidos Pasolini, y del que son también exponentes Víctor Erice y Theo Angelopoulos, quienes junto a Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Galdini reflexionan abiertamente sobre el cine y la vida. Un necesario esfuerzo no sólo intelectual por destacar el compromiso y diálogo del verdadero cine con la historia y con el ser humano.
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una pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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2000-
Bailar en la oscuridad // Dancing’ thru the dark (2000) Lars von Trier
La isla // Seom (2000) Kim Ki-Duk
Amelie // (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain) (2001) Jean Pierre Jeunet
Dogville // = (2003) Lars von Trier
Kill Bill // =(2003-4) Quentin Tarantino
Hierro 3 // Bin-jip (2004) Kim Ki-Duk
Nuestra música // Notre musique (2004) Jean-Luc Godard
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