cineastas para la historia: VAL DEL OMAR

_Val del Omar, fue un director español que realizó trabajos muy vanguardistas y experimentales en la época de la dictadura, siendo galardonado incluso en Cannes por sus logros técnicos. Su filmografía, cortos, mediometrajes, es difícil de encontrar pero internet es grande y aunque sea a través de grabaciones televisivas o con calidad de imagen no muy buena, recomiendo a este hombre que hizo verdadera poesía con el cine.

Breve biografía, extraída de http://www.valdelomar.com/home.php?lang=es

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José Val del Omar (Granada 1904 - Madrid 1982)

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_José Val del Omar nació en Granada el 27 de octubre de 1904. Ya en su niñez se entretenía ingeniando proyecciones a la manera de la linterna mágica y, tras una estancia en París en 1921, descubrió en el cine la vocación de su vida. En 1925 realizó un largometraje, En un rincón de Andalucía, que posteriormente destruyó al considerarlo un fracaso artístico.

_En 1928 escampó a través de la prensa especializada sus ideas asombrosamente tempranas acerca de un objetivo de ángulo variable, sobre pantallas cóncavas y para la consecución de efectos de relieve mediante la iluminación; prefigurando así algunas de las grandes líneas de sus búsquedas y descubrimientos posteriores.Al establecerse en Madrid trabó relación con círculos de la cultura cinematográfica y la educación progresista.

_De 1932 a 1936 participó en la experiencia de las Misiones Pedagógicas de la República. Rodó en aquellos años un amplio número de documentales –que algunas fuentes cifran en más de cuarenta– de los que, lamentablemente, solamente se conservan actualmente unos pocos.

_Durante la Guerra Civil colaboró con Josep Renau –artista de gran renombre por sus carteles y fotomontajes activistas– y contribuyó al salvamento de los fondos más valiosos del Museo del Prado y la Biblioteca Nacional. Atrapado en Valencia a la entrada de las fuerzas rebeldes, se vio coaccionado a colaborar en instrumentos de propaganda audiovisual que recordaría después con amargura.

_Ya en la posguerra, centró gran parte de sus investigaciones en el campo del sonido, abarcando también la radio y la experimentación electroacústica, registrando en 1944 la primera patente para un sistema de sonido diafónico o binaural –anticipación de los sistemas envolventes que trascienden la estereofonía– que seguiría completando en años sucesivos.

_Entre 1953 y 1955 realizó el film Aguaespejo granadino, ''un corto ensayo audiovisual de plástica lírica'', concebido a su vez como demostración de sus técnicas. Su presentación en los festivales de Berlín (1956) y Bruselas (Competición Internacional del Film Experimental con motivo de la Expo de 1958) causó conmoción y cosechó entusiastas reacciones y reseñas.

_A continuación realizó Fuego en Castilla, cuya gestación se dilató de 1956 a 1959, donde introdujo los fundamentos de la TactilVisión o iluminación pulsatoria tactil. El poderío de sus imágenes y de su banda sonora electroacústica le merecieron diversos galardones en los festivales de Cannes 1961 (el mismo año en que Buñuel obtuvo la Palma de Oro con Viridiana), Bilbao 1961 y Melbourne 1962.En 1961 rodó en tierras de Galicia un tercer ''elemental'' –en su concepción de ''documentales líricos o abstractos''– que dejó entonces inacabado, retomándolo al término de su vida con el título de Acariño galaico (De barro) y con el propósito de integrarlo, junto a los dos anteriores, en un conjunto que llamó Tríptico Elemental de España.

_Desde finales de los 50, trabajó en el desarrollo de nuevos formatos y perfeccionamientos técnicos para el cine y la televisión, y para usos educativos de los medios audiovisuales. Dichos asuntos le robaron tiempo a su actividad propiamente artística y, en general, le procuraron profundas decepciones.

_Desde 1968, sin embargo, emprendió nuevos proyectos fílmicos que fue reelaborando mentalmente con el paso del tiempo.Ya en su última etapa, rodeándose preferentemente de personas jóvenes y de artistas ajenos a las industrias del espectáculo, reconcilió su mentalidad de poeta y artista con su constante curiosidad por la técnica. Su panoplia de medios se amplió con el láser, el vídeo, las intuiciones cibernéticas y sus técnicas PLAT (de Picto-Lumínica-Audio-Tactil). Lleno de vida aún, como han atestiguado quienes le conocieron en aquellos años, murió el 4 de agosto de 1982 a consecuencia de un accidente de automóvil.

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_Creador de un talento artístico y tecnológico extraordinario, ''creyente del cinema'' e iluminado por unos nuevos horizontes que formuló mediante las siglas PLAT –que equivalen al concepto totalizador de Picto-Lumínica-Audio-Táctil–, Val del Omar fue contemporáneo y camarada de Lorca, Cernuda, Renau, Zambrano y otros nombres mayores de una Edad de Plata truncada con la Guerra Civil. En 1928 anticipó ya varias de sus técnicas más características, incluyendo el ''desbordamiento apanorámico de la imagen'' fuera de los límites de la pantalla y el concepto de ''visión táctil''. Dichas técnicas, y las del ''sonido diafónico'' y otras exploraciones en el campo sonoro, las aplicaría en su Tríptico Elemental de España, iniciado en 1952 y sólo concluido póstumamente. Pues su obra y su tenaz actividad investigadora –a contrapelo de la incomprensión y el olvido– no empezaron a ser redescubiertas hasta poco antes de su muerte, siendo en cambio el principio de un renacimiento que sigue ganando adeptos. ''Sin fin'' como él ponía al término de sus films.
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«No estoy - me desvivo y soy» José Val del Omar
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http://es.youtube.com/watch?v=gGSSwxy9wzM Enlace con fragmento de su obra Fuego en Castilla

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añadir que...
En la magnífica web http://www.valdelomar.com/ se puede profundizar en su vida y obra, incluída su faceta poética a través de las palabras. Y los valiosos estudios o/y homenajes que ha recibido por parte de Román Gubern en la crítica cinematográfica o por Lagartija Nick desde la música, además del film Ojalá, Val del Omar, de Cristina Esteban (1994).

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..sin fin...

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palabras de RAFAEL AZCONA

Algunas palabras del gran guionista español...

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Hoy, todo el mundo está, por así decirlo, a favor de la liberalización de las costumbres, a favor del amor libre. Es falso. Si las calles estuvieran llenas de gente follando, le aseguro que muchos se encerrarían en el cuarto de baño escandalizados.

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La nevera no se ha inventado para que nosotros tengamos las cosas frescas; se ha inventado para que tú vayas al supermercado, cojas un carrito y lo llenes. Porque uno de los espectáculos más deprimentes y que te puede provocar una depresión importante es abrir el frigorífico y que no haya nada dentro. Entonces, alguien inventó las grandes superficies: "Joder, ¿y si hacemos que se lleven las cosas y las guarden en casa?". Un tanto por ciento muy elevado de lo que se tiene en casa, dentro de la nevera, se tira.

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Cuando alguien se muestra partidario del progreso, siempre hay alguna persona que le dice: "Sí, el progreso es material. Pero, ¿y el moral?". Un amigo mío, de esos que en los años cuarenta y cincuenta iban a ver a Baroja, un día, ese joven petulante, le dijo: "Don Pío, yo no creo en el progreso" A lo que Baroja contestó: "Joven, ¿usted toma aspirinas?.

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film-ensayo, una forma que piensa

film-ensayo

No puedo asegurar mi objeto. Se tambalea y oscila como presa de una embriaguez natural.
_Montaigne

_El amplio campo, tan desconocido y a menudo difícil de conocer, del film-ensayo me parece apasionante. Afortunadamente se está realizando una labor importante a nivel crítico para alumbrar una mirada más sabia sobre esta forma de hacer cine tan poética, reflexiva, poco convencional, refrendada por el ciclo y libro que el festival Punto de vista dedicó recientemente.
_Sin tener claro qué es un film-ensayo, en realidad creo que esa falta de certeza, de límites definidos, constituye su mayor grandeza. Y sus raíces se remontan sin duda varios siglos atrás, al menos a Montaigne, tan admirado por Welles.
_Según André Bazin el cine-ensayo empezó con Lettre de Sibérie (1957) de Chris Marker, pero también se considera una obra fallida por descansar sobre la voz en off. El cine-ensayo, seguramente, es el que más divide incluso a la crítica cinematográfica dada su naturaleza casi inaprensible, incluso de work in progress, obra en proceso, o de pensamiento que debe inventar su propia forma cada vez. El ensayista audiovisual paradójicamente suele tomar distancia frente a la imagen pero también implicarse personalmente a través de la voz o de su propia aparición. El film-ensayo es personal pero no meramente un punto de vista sino además la expresión del fluir de los propios pensamientos y sentimientos, de los meandros de la propia conciencia, a menudo a través de un montaje poético.
_Ya vislumbrado por Alexandre Astruc en 1948 cuando habló de la "caméra-stylo", algunos de los representantes más importantes del cine-ensayo son Chris Marker, Jean-Luc Godard, Harun Farocki, Artavazd Pelechian, Chantal Ackerman e incluso Orson Welles con F for fake, aunque, como es natural, estos nombres apenas son unos pocos e incluso en España obras de Pere Portabella, Isaki Lacuesta o José Luis Guerín bordean o se adentran en los confines (o falta de confines) del film-ensayo.
_Dejo unos enlaces interesantes sobre el film-ensayo, y aprovecho para expresar una vez más mi admiración por la obra de Chris Marker y por Nuestra música de Jean-Luc Godard.

http://www.blogsandocs.com/docs/?p=103&pp=0

http://www.blogsandocs.com/docs/?p=97

http://www.otroscines.com/columnistas_detalle.php?idnota=1225&idsubseccion=12

www.visionary-film.blogspot.com/

http://w3art.es/MT/mt-search.cgi?IncludeBlogs=1&search=cine+ensayo

http://fr.wikipedia.org/wiki/Essai_cin%C3%A9matographique en francés


Punto de vista www.cfnavarra.es/puntodevista/

Artículo muy interesante
-El film-ensayo: la didáctica como una actividad subversiva, por Josep M. Català Domènech, en Archivos de la filmoteca, nº 34 -febrero 2000 (lo distribuye Paidós)
Libros interesantes
-Desvíos de lo real, el cine de no-ficción, Antonio Weinrichter (T&B editores, 2004) El libro se centra sobre todo en los márgenes de la no-ficción lindantes con lo que suele entenderse con el género documental, pero también explora ciertas conexiones con el cine-ensayo. Aunque se centra más en el género documental que en el cine-ensayo, reflexiona sobre obras y autores que bordean y traspasan ambas formas cinematográficas como Chris Marker, y presenta una selección de películas representativas. Interesantísimo.
-La forma que piensa, tentativas en torno al cine-ensayo, VV.AA. (Festival Punto de Vista de Navarra, 2007) Es una recopilación de escritos de varios autores nacionales e internacionales sobre el cine-ensayo. Incluye magníficos textos de Antonio Weinrichter, Christa Blümlinger, Josep M. Català, Doménech Font... e incluso el clásico texto de Hans Richter escrito en 1940. Además incluye abundante bibliografía al respecto (en varios idiomas) y una selección de obras consideradas como cine-ensayo, aunque no suscrita por todos los estudiosos. Y es que el cine-ensayo aún no parece tener del todo una definición clara para la propia crítica cinematográfica... En cualquier caso, abre numerosas perspectivas de análisis, estudio, y vías para profundizar en este apasionante mundo que merece una mayor visibilidad y reconocimiento.
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directores para la historia: CHRIS MARKER

El escritor y cineasta Chris Marker es una figura especialmente misteriosa asociada con la nouvelle vague. Su verdadero nombre es Chistian François Boche-Villeneuve y nació en 1921 en Neuilly-sur-Seine, o quizás en Belleville, o según otra versión en Ulan Bator. Como el escritor estadounidiense Thomas Pynchon, nunca aparece en público. Marker es un maestro del cine discursivo y sus películas pasan fácilmente de la ficción al documental. Junto con La Jetée, sus trabajos más famosos son Le Joli Mai (1962) y El fondo del aire es rojo (1977) que tratan los acontecimientos políticos vividos en Francia en los sesenta y setenta. Sin sol (1982) y su continuación, Niveau cinq (1995), son dos estudios de Japón en los que trata la alienación y la búsqueda de la personalidad que no puede reflejar una película.
Cine de los 90, Jürgen Müller (Taschen, 2002)
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Añadir que...
La Jetée es un fotorelato que ya es todo un clásico de la ciencia-ficción a pesar de tratarse de una obra de apenas 28 minutos de duración.
Marker colaboró con Alain Resnais en varios de sus primeros trabajos documentales. Dos maestros vanguardistas e innovadores que han aportado a la historia del cine obras que han abierto nuevos caminos.
http://www.imdb.com/name/nm0003408/
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palabras de CHRIS MARKER

_Era un objeto de forma curiosa. Una cajita de metal con los bordes redondeados e irregulares, con un agujero rectangular en el medio y, en el otro lado, un visor minúsculo, del tamaño de un euro. Con cuidado, había que introducir por arriba un fragmento de película (de película de verdad, con perforaciones y todo) y una ruedecilla de goma la bloqueaba. Al hacer girar un botón, la película se desplegaba, fotograma a fotograma. A decir verdad, cada fotograma representaba una toma distinta, así que aquello parecía más un visionado de diapositivas que un home cinema, a pesar de que las escenas eran planos magníficamente reproducidos de películas famosas: de Chaplin, Ben Hur, el Napoleón de Abel Gance... Si eras rico podías introducir la cajita en una especie de linterna mágica y proyectar las escenas sobre la pared (o sobre una pantalla, si eras muy rico). Yo tenía que contentarme con la versión más básica: apretar el ojo contra el visor y mirar. Este artilugio, ya olvidado, se llamaba Pathéorama. El nombre se podía leer en letras doradas sobre un fondo negro, con el legendario gallo Pathé cacareando ante un sol naciente.
_El placer egoísta de poder mirar yo solo imágenes que pertenecían al inaccesible mundo del cine generó muy pronto un subproducto dialéctico: cuando aún no podía imaginar que tendría nada en común con el proceso del cine (cuyos principios básicos quedaban, como es natural, lejos de mi comprensión), había algo de la propia película que estaba a mi alcance, pedazos de celuloide que no eran muy distintos de los negativos fotográficos que te devolvían del laboratorio. Era algo que podía oler y tocar, algo del mundo real. ¿Y por qué (insinuaba mi Pepito Grillo dialéctico) no podría yo, por mi parte, hacer algo del mismo estilo? No necesitaba más que material translúcido y las dimensiones correctas. (Las perforaciones estaban ahí para hacer bonito, la ruedecilla las ignoraba). Así que con tijeras, pegamento y papel de calco hice una buena copia de la película del modelo Pathéorama. Después comencé a dibujar, fotograma a fotograma, una serie de posturas de mi gato (¿de quién si no?), con algunos intertítulos. Y de repente, el gato formaba parte del mismo universo que los personajes de Ben Hur o Napoleón. Había pasado al otro lado del espejo.
_De los amigos de la escuela, Jonathan era el que tenía más prestigio; estaba dotado para la mecánica y tenía bastante inventiva. Diseñaba maquetas de teatro con telones deslizantes y luces intermitentes, y una orquesta en miniatura que surgía del foso mientras en un gramófono a manivela sonaba una marcha triunfal. Así pues, fue lógico que quisiera que fuera el primero en ver mi obra maestra. Yo estaba bastante orgulloso del resultado, y desplegué las aventuras del gato Riri, que presenté como "mi película". Jonathan me hizo volver a la realidad. "Las películas tienen que moverse, estúpido", me dijo. "No se puede hacer una película con imágenes quietas".
_Pasaron 30 años. Entonces rodé La jetée.
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notas
La jetée, de Chris Marker, es un cortometraje clásico compuesto (excepto unos pocos segundos en movimiento) sólo de imágenes fotográficas, imágenes quietas...
http://img01.degriffe.org/i/9/I9U3YW25F7MME7HA2SG77G5TKK7NCV_3.JPG imagen de un Pathéorama
http://posters.imdb.com/name/nm0003408/ Chris Marker, ficha en imdb
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actrices para la historia: BARBARA STANWYCK

_Nacida el 16 de julio de 1907 en Brooklyn (Nueva York) con el nombre de Ruby Stevens, perdió a sus padres con sólo cuatro años. Más adelante, hizo de empaquetadora, telefonista y figurante en un espectáculo de revista. Su primer éxito en la gran pantalla llegó en 1930 de la mano de Frank Capra, quien la dirigió en Mujeres ligeras. Otros tres filmes del mismo director (The miracle woman, 1931; Amor prohibido, 1931, y La amargura del general Yen, 1932) la convirtieron en una de las grandes estrellas de Hollywood. Para entonces ya se había cambiado el nombre por el de Barbara Stanwyck.

_Su época dorada discurrió entre 1935 y 1957. A lo largo de once años fue candidata al oscar en cuatro ocasiones: en 1937 por Stella Dallas, de King Vidor; en 1941 por su papel de descarada novia de un gánster en la comedia negra Bola de fuego, de Howard Hawks; en 1944 por el que probablemente sea al mismo tiempo su personaje más importante y el más inmoral, el de la rubia, cruel y fría instigadora al asesinato en el clásico del cine negro Perdición, de Billy Wilder, y finalmente en 1948 por la intrigante millonaria postrada en cama de Voces de muerte, dirigida por Anatole Litvak.

_Sin embargo no se haría con el galardón hasta 1982, año en que lo recibió en reconocimiento a toda su trayectoría. Por aquel entonces la actriz ya había cambiado el cine por la televisión y había alcanzado enorme éxito con uno de sus personajes más paradigmáticos, el de terrateniente y propietaria de ganado de la serie The big valley (1965-69).

_Stanwyck resultó perfecta para el western -es el caso de Cuarenta rifles (1957), de Samuel Fuller-, el cine negro y la comedia negra gracias a una mezcla de "terciopelo y acero" (Anne Baxter) que nadie pudo superar. En una ocasión dijo: "¿No es una lástima que hoy en día las mujeres tengamos que llevar una polvera en el bolso cuando un revólver sería mucho más práctico?". En Clash by night (1952) de Fritz Lang, pronunciaba esta frase: "El hogar es a donde vamos cuando ya no nos quedan más sitios a los que ir".

_Barbara Stanwyck falleció en 1990 en su pequeña casa de Santa Mónica.

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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)

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directores para la historia: VITTORIO DE SICA

_Si las comedias le convirtieron en una estrella, la última parte de su carrera estuvo marcada por los melodramas. Entre sus primeras y sus últimas obras, trabajos como El limpiabotas (1946), Ladrón de bicicletas (1948) y Umberto D. (1951) le sirvieron para dejar huella en el neorrealismo italiano. Fue una de las principales personalidades del cine italiano como actor y como director.
_Nacido en 1902, creció en Nápoles. Para contribuir a mantener a su familia, estudió contabilidad a pesar de haber descubierto muy pronto su talento para el teatro. En 1932 dio el salto definitivo del escenario a la gran pantalla con ¡Qué sinvergüenzas son los hombres!, una comedia de Mario Camerini en la que creó el papel de joven lleno de vida que tantas veces repetiría a lo largo de su trayectoria.
_Convertido en uno de los actores más populares de Italia, a principios de los años cuarenta comenzó a dirigir sus propias películas. Su estrategia era actuar en cintas de calidad dudosa con el objetivo de lograr financiación para sus propios proyectos, más ambiciosos. Realizó también films que no se adscribían al movimiento neorrealista, entre los cuales destacan los que dirigió para el lucimiento de una estrella como Sophia Loren: la actriz obtuvo un oscar por el largometraje de De Sica Dos mujeres (1960) y protagonizó la película de episodios Ayer, hoy y mañana (1963), que le valió al director el Premio de la Academia a la mejor cinta extranjera. Fue el tercer galardón de este tipo para el realizador, tras los obtenidos por Ladrón de bicicletas y El limpiabotas. Más adelante volvería a alzarse con este trofeo por El jardín de los Finzi Contini (1970), una coproducción italo-germana sobre las vicisitudes de una familia judía en la época fascista. Cabe destacar que De Sica abordó este tema en varias ocasiones.
_Vittorio De Sica fue un vividor y un idealista que supo utilizar su popularidad para sacar a la luz los problemas de las personas que viven en las sombras de la sociedad. El cineasta, que actuó en más de 150 películas y dirigió más de 30, falleció en 1974 en Francia, su segunda patria. Es recordado sobre todo como humorista y humanista
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Cine de los 40, Jürgen Müller (Taschen, 2005)

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cine de ciencia ficción

_¿ciencia-ficción?
(el cine de ciencia-ficción)

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No sé si a veces es bueno hablar de ciencia-ficción, es un término tan confuso... A veces de ficción tiene poco, a veces de ciencia no tiene casi nada, entonces ¿ciencia-ficción? Si es una ficción basada en hechos científicos, lo de ciencia-ficción está bien, pero si no se basa en la ciencia, es sólo ficción. De cualquier manera estos son algunos títulos del género.
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:: el cine de ciencia ficción
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1901 _À la conquête de l'air, Ferdinand Zecca
1902 _Viaje a la Luna, Georges Melies
1904 _Viaje a través de lo imposible, Georges Melies
1905 _El hotel eléctrico, Segundo de Chomón
1908 _El rey de la cabeza elástica, Segundo de Chomón
1909 _Visita a Júpiter, Segundo de Chomón
1909 _Viaje a Marte, Segundo de Chomón
1924 _París dormido, René Clair
1924 _Aelita, Jakov A. Protazanov
1925 _Madrid en el año 2000, Manuel Noriega
1925 _El mundo perdido, Henry Hoyt
1926 _Metrópolis, Fritz Lang
1929 _La mujer en la luna, Fritz Lang
1930 _Una fantasía del porvenir, David Butler
1931 _La fin du monde, Abel Gance
1933 _El hombre invisible, James Whale
1936 _La vida futura, William Cameron Menzies
1936 _Muñecos infernales, Tod Browning
1940 _Dr. Cyclops, Ernest B. Shoedsack
1950 _Con destino a la Luna, Irving Pichel
1950 _Cohete K-1, Kurt Neumann
1951 _El ser del planeta X, Edgar G. Ulmer
1951 _Cuando los mundos chocan, Rudolph Maté
1951 _Ultimátum a la tierra, Robert Wise
1951 _El enigma... ¡de otro mundo!, Christian Nyby
1952 _La guerra de los mundos, Byron Haskin
1953 _El monstruo de tiempos remotos, Eugène Lourié
1953 _La humanidad en peligro, Gordon Douglas
1953 _Donovan's brain, Felix Feist
1954 _Japón bajo el terror del monstruo, Inoshiro Honda
1954 _20000 leguas de viaje submarino, Richard Fleischer
1954 _La humanidad en peligro, Gordon Douglas
1954 _La mujer y el monstruo, Jack Arnold
1955 _El experimento del Dr. Quatermass, Val Guest
1955 _Tarántula, Jack Arnold
1955 _This island Earth, Joseph Newman
1956 _La tierra contra los platillos volantes, Fred F. Sears
1956 _Planeta prohibido, Fred Mc Leod Wilcox
1956 _La invasión de los ladrones de cuerpos, Don Siegel
1957 _Quatermass II, Val Guest
1957 _El increíble hombre menguante, Jack Arnold
1958 _La mosca, Kurt Neumann
1959 _El testamento del doctor Cordelier, Jean Renoir
1960 _El pueblo de los malditos, Wolf Rilla
1960 _El tiempo en sus manos, George Pal
1961 _Estos son los condenados, Joseph Losey
1962 _La Jetée, Chris Marker
1963 _El hombre con rayos X en los ojos, Roger Corman
1964 _La gran sorpresa, Nathan Juran
1965 _Lemmy contra Alphaville, Jean-Luc Godard
1965 _Terror en el espacio, Mario Bava
1966 _Fahrenheit 451, François Truffaut
1966 _Viaje alucinante, Richard Fleischer
1966 _Hace un millón de años, Don Chaffey
1967 _¿Qué sucedió entonces?, Roy Ward Baker
1967 _Te amo, te amo, Alain Resnais
1968 _2001, una odisea del espacio, Stanley Kubrick
1968 _El planeta de los simios, Franklin J. Schaffner
1970 _THX 1138, George Lucas
1971 _Naves misteriosas, Douglas Trumbull
1972 _Solaris, Andrei Tarkovski
1973 _Sucesos en la cuarta fase, Saul Bass
1973 _Soylent Green: cuando el destino nos alcance, Richard Fleischer
1973 _Almas de metal, Michael Crichton
1974 _Sucesos en la IV fase, Saul Bass
1974 _Zardoz, John Boorman
1977 _La guerra de las galaxias, George Lucas
1977 _Encuentros en la tercera fase, Steven Spielberg
1978 _Superman, Richard Donner
1979 _Alien, el octavo pasajero, Ridley Scott
1979 _Star Trek: la conquista del espacio, Robert Wise
1982 _Blade Runner, Ridley Scott
1982 _Tron, Steven Lisberger
1984 _Dune, David Lynch
1984 _Terminator, James Cameron
1985 _Regreso al futuro, Robert Zemeckis
1986 _La mosca, David Cronemberg
1990 _Desafío total, Paul Verhoeven
1992 _Acción mutante, Álex de la Iglesia
1999 _Matrix, Larry Wachowski
2001 _A.I. Inteligencia artificial, Steven Spielberg
2001 _Stranded (naúfragos), Luna
2002 _Minority report, Steven Spielberg
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_bibliografía / internet

-La edad de oro de la ciencia-ficción (1950-1968), Javier Memba (T&B editores, 2007)
-La década de oro de la ciencia-ficción (1950-1960), Javier Memba (T&B editores, 2005)
-El cine de ciencia ficción, Joan Bassa y Ramón Freixas (Paidós, 1993)
-Quatermass 4-5, VV.AA. (2002)
www.umbella.com/heinlein/cine/educacion/grandestemas_ciencia_ficcion.htm

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directores para la historia: AKI KAURISMAKI

_Nacido en 1957, el finlandés autodidacta Aki Kaurismaki rueda desde hace décadas emociones casi de contrabando, con un estilo sencillo, lacónico, pues considera que en el mundo hay "demasiado movimiento, demasiadas palabras" en películas breves y maravillosas como Ariel (1988), La chica de la fábrica de cerillas (1989), Contraté un asesino a sueldo (1990), Agárrate el pañuelo, Tatiana (1994), o Nubes pasajeras (1996), en las que se expresa con honestidad, lejos de efectismos, con la pureza de una de las miradas más bellas y amorosas de nuestros días.


_Con sus películas la mayor queja es por qué duran tan poco (llegó a estrenar como largo un mediometraje de menos de una hora) pues su cine se mira, se admira, se vive, se siente el deseo de...¡que no termine la película! y seguir paladeando su esencia.


_Aki Kaurismaki es uno de los mejores directores de las últimas décadas, heredero de una larguísima tradición que se remonta incluso al mejor cine mudo, y sin embargo no es lo suficientemente conocido, aunque Un hombre sin pasado (2002) fue premiado en Cannes y candidata al oscar a mejor película extranjera, pero su cine está más allá de estas pequeñas cosas, y de alguna manera parece que las películas de Kaurismaki siempre han estado aquí.

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http://www.imdb.com/name/nm0442454/
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programa doble: MÁS ALLÁ DEL ESPEJO + LAS ALAS DE LA VIDA

Esta propuesta de programa doble une dos documentales recientes que tienen cierta relación.
Más allá del espejo aborda la enfermedad que padeció el director (que murió poco después del rodaje) Joaquín Jordà, entrevistándose, conmovedoramente, con otras personas afectadas, siguiendo sus vidas...
Las alas de la vida es un documental imprescindible que aborda la enfermedad y la muerte con una perspectiva lúcida y no exenta de sentido del humor y mucha vitalidad.
Con la enfermedad y la muerte rondando en ambos trabajos, sin embargo, el aliento vitalista es encomiable en ambas películas.
Así pues...
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PROGRAMA DOBLE
Más allá del espejo, Joaquín Jordà (2006)
Las alas de la vida, Antoni P. Canet (2006)
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Quizá, dado lo emotivos y profundos que resultan ambos trabajos, este programa doble sea lo más alejado posible de los convencionales programas dobles escapistas de los viejos tiempos del cine, pero...
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