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Vampir Cuadecuc (1970) Pere Portabella. Una obra maestra del cine experimental, vanguardista, independiente, rodado a partir del rodaje de "El conde Drácula" por Jess Franco. Pero más allá de lo que alguien puede considerar un precedente ilustre del "making off", esta película fascinante, sugerente, inquietante y arrebatadora es una expresión cinematográfica y metacinematográfica de altura, una reflexión crítica, y no exenta de ironía, sobre el quehacer cinematográfico, con un resultado estético inquietante y sobrecogedor, por momentos irreal de puro fantasmal y alucinante, bordeada además por una banda sonora audaz y transgresora de Carles Santos. Estrenada en el MoMA neoyorquino, con su autor vetado incluso para viajar a la proyección, en España fue prohibida y no se estrenó en tiempos de la dictadura. Sin embargo lleva décadas siendo considerada a nivel mundial (MoMA, Cannes, por Amos Vogel...) una obra de culto y todo un clásico, y merecidamente. Cine para amantes del cine, y ya se sabe que quien puede decir cuanto ama, pequeño amor siente. ¡¡¡Cine vampirizando al propio Drácula!!!
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Yo vigilo el camino (1970) de John Frankenheimer (un director que hizo cosas muy interesantes) es una película en la que la música de Cash acompaña la cruda historia que interpreta Gergory Peck.
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Dodes' ka-Den (1971) de Akira Kurosawa, es una buena película que fue un fracaso comercial en Japón y supuso un revés tan fuerte para el autor que intentó (afortunadamente sin éxito) suicidarse. Se trata de un drama humanista, como todos los de Kurosawa, ambientado en los suburbios, entre sus miserias materiales y a veces morales, sus ilusiones, su lucha por la vida. La poesía fluye a veces luminosa y maravillosamente entre estos escombros y mutilados o deshechos humanos en ocasiones en una película inolvidablemente fotografiada y bien interpretada. Su fracaso comercial era comprensible, pues el maestro mostró sin edulcorar ni ahorrar metraje, con valentía y realismo, la cara menos agradable de su sociedad, con la intención optimista (quizá ilusa) de poder mejorarla. Acusado muchas veces de pesimista, Kurosawa decía que el pesimismo consiste en no afrontar la realidad, en negarla, en no afrontarla, que es lo que hizo en varias de sus películas. Pudo haber hecho un film comercial, una película corta y superficial pero tuvo el valor (y el valor es casi un delito en ocasiones) de no suavizar ni el drama ni los escenarios, de extenderse más allá de las dos horas y no embellecer las cosas tristes o feas de la vida. Es un film inolvidable, dramático, pero Kurosawa con su aliento vitalista desemboca en el humanismo del que procede. Ah, el título es la onomatopeya que repite el inolvidable personaje que imita el sonido y los movimientos del tranvía. Una película a reivindicar, casi le cuesta la vida al maestro.
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Johny cogió su fusil (1971) Dalton Trumbo. El prestigioso guionista llevó a la gran pantalla su propia obra, en un inolvidable film antibelicista, profundamente humano, que constituye un pequeño clásico. La dirección de Trumbo logra llegar al corazón uniendo hábilmente imágenes en blanco y negro y en color, recurso que empleó Resnais en su documental "Noche y niebla". El grupo Metallica, cuando era aguerrido, utilizó metraje de este film en el video clip de su canción "one".
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Hermano sol, hermana luna (1972) Franco Zeffirelli. Francisco de Asís, un iluminado disidente del corrompido catolicismo capitalista dominante en su época, fundó con gran alegría de vivir y basándose en el voto de pobreza (toda una herejía) la orden franciscana. Zeffirelli muestra de manera gozosa, con bondad y candor, el despertar de su fe y su actitud ante la vida. En el estreno la película se emparentaba con el movimiento hippy, y el film está recorrido de bellas melodías. Muchos dirán que un film amanerado, pero con algo alegre y vivo en su interior.
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Gritos y susurros (1972) Ingmar Bergman. Desgarrador drama magníficamente interpretado y fotografiado (el maestro Sven Nykvist) con memorables fundidos en rojo. Ahonda en los estertores, en la cercanía de la muerte, en el sufrimiento. Cruda, con latidos de agonía, pasión, muerte y susurros de vida.
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El diablo en la señorita Jones (1972) Gerard Damiano. La trilogía de oro del cine sexual está formada por Garganta profunda, que fue un fenómeno sociológico y es en el fondo una comedia; Tras la puerta verde, que supone una coreográfica performance casi reflexiva sobre el propio género, y El diablo en la señorita Jones, que tiene un cariz dramático y una atmósfera tan artística como lúdica. Damiano fue alabado con esta obra maestra del género como el Bergman del cine para adultos. La película es audaz e inolvidable, con uno de los principios más inauditos jamás rodados en una película. Además derribó de alguna manera la barrera entre film pornográfico y film artístico. Gerard Damiano, conviene recordarlo, ha pasado a la historia por ser el mejor director de cine para adultos de la mejor época del género, en la que había argumentos, humor... Quizá eran "los tiempos en que el aire era limpio y el sexo era sucio", como dijo Woody Allen.
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Aguirre, la cólera de dios (1973) Werner Herzog. Un clásico para la historia del cine, impregnado de un fascinante magnetismo y un aura de irrealidad sobrecogedor. Un hito del cine, con una atmósfera inolvidable. Con una interpretación de Klaus Kinski memorable, casi se puede decir que esta película tiene vida propia. Junto a la joya escondida de la filmografía de Herzog, Corazón de cristal, sin duda su obra maestra.
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El honor perdido de Katharina Blum (1975) Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta, adapta la obra homónima del nobel de literatura Heinrich Böll denunciando tanto prácticas policiales inmorales como despiadadas artimañas del periodismo sensacionalista (especialmente el Bild alemán) quizá sin sacarle todo el partido posible pero en cualquier caso muestra sin velos prácticas vergonzosas y cuestiona en qué se puede convertir la libertad de prensa. Una reflexión que sigue vigente en estos días, y lamentablemente seguirá vigente en el futuro.
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Corazón de cristal (1975) de Werner Herzog. Es una película con un aroma especial. Destila esencias raras y a menudo enigmáticas y preciosas. Cautiva, embelesa, perturba, conmueve, inquieta, deja un poso sutil en el alma.
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::: el viaje a la felicidad de mamá Kuster / mutter Küster fahrt zum himmel, de R.W. Fassbinder (1975)
Las películas de Fassbinder, a menudo dramáticas, a veces muy amargas, críticas y en el mejor sentido de la palabra a menudo melodramáticas, con frecuencia fueron polémicas porque abordaron asuntos y rincones oscuros y espinosos, tanto del ser humano como de la sociedad. En este amargo viaje, no a la felicidad, que el título es engañoso, Fassbinder retrata con lucidez la manipulación mediática de un suceso por la prensa sensacionalista y por ciertos grupos políticos, y también reflexiona en cierto modo sobre hasta qué punto las relaciones personales pueden ser duraderas, y aparentemente cercanas, pero en el fondo convencionales y poco profundas, o menos de lo que suponemos. Con un final cinematográficamente quizá rebelde, o quizá no, no deja lugar al iluso optimismo de confiar a corazón abierto en alguien en los momentos de adversidad porque la maldad, el arribismo, el oportunismo y el hacer leña del árbol caído, como la manipulación y la maldad, existen, y Fassbinder simplemente lo muestra. Por tanto lo lógico es que el viaje de mamá Kuster sea hacia una verdad más grande y dolorosa, y que el final sea, en vez de feliz, más bien realista. Sin embargo esta autenticidad en la manera de tratar la condición humana, lejos de idealizaciones e ilusiones de cuentos de hadas, en mi opinión hacen de esta película (y de gran parte de la obra del autor) vigente por lo que nos muestra del propio ser humano. A fin de cuentas Fassbinder no es pesimista pues muestra la inocencia, la bondad humana, y también la maldad humana. Su conclusión puede parecernos desencantada, pero seamos realistas, a decir verdades desagradables se le llama pesimismo. Y quizá el optimismo sea considerar que mostrar lo pésimo de la realidad es un medio de no caer en sus garras. Y esto creo que es constante en la obra de Fassbinder, una obra llena de advertencias para ingenuos, para quienes creen que el mundo es mejor de lo que es.
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Barry Lyndon (1975) de Kubrick, refleja su maniático perfeccionismo en un film algo esteticista y de duración exagerada, pero hay que reconocerle una ambientación musical exquisita y un empeño visual innegable, aunque prefiero al Kubrick de Atraco perfecto y Senderos de gloria.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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Bilbao (1978) de Bigas Luna es una película obsesiva y sucia pero magnética. Probablemente la mejor obra de su autor. Fascinante.
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Nosferatu (1978) de Werner Herzog es una personal adaptación de los relatos sobre vampiros y el conde Drácula, visualmente fascinante por momentos, con Klaus Kinski e Isabelle Adjani. Su atmósfera, alejadísima de la creada por Murnau en su obra maestra, sin embargo resulta muy sugerente y también aterradora.
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Barbara Broadcast (1978) de Henry Paris es una de las más increíbles películas del cine para adultos, sexual, hardcore o pornográfico, como se le quiera llamar. A un guión inspirado en una "fantasía real" se suman una ambientación que llega a la exquisitez en un desarrollo que aunque decae a la mitad del metraje se inicia con una portentosa y arrebatadora entrada en la que la música de Strauss cobra una nueva dimensión. Le falta muy poco para ser una obra maestra del género, aunque sin duda es una película muy especial, en la que el director probablemente dio lo mejor de sí mismo (al igual que el reparto). Quizá, en cierto modo, la película más sexual de la historia del género, y una de las que más elegancia desborda, al igual que un delicado halo romántico a la vez que un desenfado lúdico verdaderamente impagable. Paradójicamente, es una película que, y esto es poco frecuente en una película explícita, muestra lo justo, es decir que deja aún espacio para la fantasía y la imaginación... Una joya, un manjar delicioso.
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black jack (1979) de Ken Loach, es una película de aventuras ambientada en el XVIII, que además de ser una rareza entre el cine del inglés, se convierte en un viaje sorprendente que se disfruta con agrado.el hombre del carrito, de Hiroshi Inagaki, cuenta con el inolvidable Mifune en una historia entrañable que pudo tener un final más feliz o con menos sentido de culpa.
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Mi tío de América (1979) Alain Resnais. Esta película plantea las relaciones humanas a partir de los estudios del profesor Laborit. Puntuada con numerosas imágenes de otras películas, es una obra quizá incómoda al comparar situaciones humanas con experimentos con ratas de laboratorio, pero quizá da una visión más realista sobre el ser humano. En cualquier caso una obra que provoca cierta reflexión.
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Arrebato (1979) de Iván Zulueta. Es una película española que de ser americana sería considerada una obra maestra del cine mundial, y un film de culto a la altura del mejor Lynch por ejemplo. Su historia es fascinante, arrebatadora, y conjuga elementos de vampirismo, drogadicción y cinefilia. Inolvidable, una experiencia única.
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pequeña historia del cine
http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/search/label/historia%20del%20cine
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1970-1979
Tristana // = (1970) Luis Buñuel
Harry el sucio // Dirty Harry (1971) Don Siegel
El diablo sobre ruedas // Duel (1971) Steven Spielberg
Vida familiar // Family life (1971) Ken Loach
Todo va bien // Tout va bien (1972) Jean-Luc Godard
La huella // Sleuth (1972) Joseph L. Mankievick
El último tango en París // Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci
El discreto encanto de la burguesía // Le charme discret de la bourgeoisie (1972) Luis Buñuel
El fantasma de la libertad // Le fantôme de la liberté (1973) Luis Buñuel
Amarcord // = (1973) Federico Fellini
El espíritu de la colmena // = (1973) Víctor Erice
Tamaño natural // Grandeur nature (1973) Luis G. Berlanga
Primera plana // The front page (1974) Billy Wilder
Dersu uzala // = (1975) Akira Kurosawa
Annie Hall // = (1977) Woody Allen
Los duelistas // The duellits (1977) Ridley Scott
Fedora // = (1978) Billy Wilder
Manhattan // = (1979) Woody Allen
Bilbao // = (1979) Bigas Luna
Arrebato // = (1979) Iván Zulueta
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